Ostatici ai vidului artistic. recenzie a expoziției din Galeria de Stat Tretiakov. Expoziții de artă

PRACTICA ŞI TEORIA DECORĂRII SPAŢIULUI EXPOZITIV

Exercițiu. Dezvoltare proiect expozitional.

Vino cu o temă pentru expoziție care să fie dezvoltată în material. Subiectele pot fi orice, te poți baza pe rezumatul tău. Ideea este de a stabili un scop - munca culturală și educațională cu populația. De exemplu, cultura și tradițiile din regiunea Voronezh. Sarcini - să se familiarizeze cu cultura vieții, ustensile, viața de zi cu zi. 2 subiecte DPI, 3. ritualuri.4. costum Voronezh.

Ce este inclus în proiectul dvs:

1. Descriere sub forma unei prezentări (temă, scopuri, obiective, public țintă, mod de a vă deplasa în cadrul expoziției - citiți o prelegere tuturor despre asta mai jos !!), cu o fotografie, numele principalelor lucrări (conform dvs. subiect, puteți folosi fotografii ale lucrărilor artiștilor, sculptorilor etc.)

partea 2 practică- sub formă de schițe (fie cu mâna liberă folosind tehnica spălării, fie folosind grafica computerizată este binevenită). Format A3 pentru fiecare unghi sau FA2 pentru două simultan. - Tipuri: 1. exterior, 2. vedere de sus - adică un plan al spațiului expozițional, 3. holuri principale, plan suspendat - sau realizați întreaga a 2-a parte sub forma unui proiect tridimensional folosind hârtie-plastic (nu mai mare de format A3). ).

Elaborați o schiță a unui poster pentru expoziția dvs. F A4 (orice materiale), broșuri sau fluturași.

Exemple: proiecte studențești – http://freelance-nsk.ru/user/inspirace/18141/

http://archvuz.ru/2011_4/17 , http://www.archiconcurs.ru/concurs/item-561/

Proiect video de spațiu expozițional pentru BEELINE

http://video.yandex.ru/users/fluxe85/view/3/

PLANUL DE PRELEGERE.

1. Organizarea și proiectarea expozițiilor

2. Istoria expoziţiilor

3. Expoziția ca principiu al organizării unei expoziții de artă

Amplasarea expoziției: selecția culorilor, schițarea compoziției, agățarea, etichetarea, posterul

Participarea copiilor la pregătirea expoziției muzeului.

7. Proiecte expoziționale comerciale: design, atragere a atenției, compoziție

8. Referințe

9. Fotografii ale galeriilor de artă contemporană din lume

Organizare si proiectare expozitii

În condițiile culturii moderne, există un interes public neîncetat pentru o expoziție de artă ca formă de schimb cultural internațional, familiarizarea cu valorile umanitare durabile, o întâlnire cu capodopere recunoscute ale artei mondiale sau experimente creative ale maeștrilor începători. O expoziție de artă este unul dintre cele mai importante elemente ale direcției umanitare, care devine din ce în ce mai relevantă în viața societății moderne. „civilizația agrementului”. Expozițiile sunt o resursă eficientă pentru organizarea și desfășurarea cercetărilor socio-culturale și de marketing. oferă organizațiilor interesate informații extinse despre aplicații.

Există mai multe definiții complementare reciproc exprimate din diverse surse:

1. Expoziție este o demonstrație publică a realizărilor în domeniul economiei, științei, tehnologiei, culturii, artei și alte domenii ale vieții publice. Conceptul poate desemna atât evenimentul în sine, cât și locul acestui eveniment.

2. Expoziție- este o formă specifică de comunicare de marketing (reclamă și PR, promovare a vânzărilor), în care, într-o zonă relativ restrânsă echipată, sunt demonstrate spre vânzare mostre de produse noi sau sunt oferite servicii în scopul vânzării lor ulterioare.

Din punct de vedere organizatoric, expoziția este un eveniment specific programat cu un timp limitat, desfășurat într-un loc preanunțat și pregătit, cu o anumită frecvență de desfășurare. Există mai multe părți interesate implicate în eveniment:

Expozanti - producatori (furnizori) care isi prezinta produsul la diverse tipuri de standuri;

Vizitatori - potenţiali consumatori (cumpărători) ai tipului de produs prezentat;

Organizatorii de expoziții (persoană juridică, autoritate sau organizație publică, de regulă, care supraveghează acest tip de activitate din industrie);

Operator de expoziție (organizator - persoană juridică care prestează servicii pentru pregătirea și desfășurarea acestei expoziții, pentru care acest tip de activitate este o activitate comercială).

Expozițiile sunt clasificate:

Prin acoperirea participanților:

local,

naţional,

internaţional,

Lumea (universală, care acoperă toate ramurile activității umane, și specializată, dedicată unui singur domeniu al activității umane).

După acoperirea zonelor de activitate umană:

General;

Industrie.

Pe industrie:

Artistic;

Învățământ public;

Industrial;

Agricol.

După durată:

Periodic (temporar);

Permanent;

O singură dată (legat de un anumit eveniment).

Expoziții de artă - expoziții publice de lucrări de artă plastică și grafică, în special sculpturi și picturi, desene, acuarele, gravuri pe cupru, oțel și lemn etc. Hud. expozițiile sunt organizate periodic de academii de artă, școli de desen, societăți de artiști.Așa-numitele „expoziții permanente” servesc în principal scopurilor industriei de artă. Toate expozițiile de artă sunt menite să medieze între artist și public, reprezentând piețele în care este determinată relația dintre cerere și ofertă în domeniul artelor plastice. Expozițiile organizate de academiile și societățile de artiști urmăresc, de asemenea, un alt scop, mai înalt - acela de a clarifica tendințele speciale care se dezvoltă în artele plastice și în gusturile publicului și, prin aceasta, să răspundă atât publicului, cât și artiștilor înșiși.

O expoziție, ca un muzeu, implică expunere, detașare, depășirea percepției obișnuite, esența cotidiană a lucrurilor, dobândirea unui nou punct de vedere asupra subiectului, a semnificațiilor sale culturale și a locului în imaginea lumii. Obiectul atenției muzeale este îndepărtat dintr-un context și transferat în altul. Expoziția din muzeul și spațiul expozițional funcționează ca un fel de

cadru (cadru, chenar) care definește spațiul unei opere de artă. Descriind semnificația cadrului în compoziția unui text literar, Yu.M. Lotman scrie: „Un cadru într-o imagine, o rampă într-un teatru, începutul sau sfârșitul unui text literar sau muzical.

spațiul său – toate acestea sunt forme diferite ale regularității generale a artei: opera este modelul final al lumii infinite.

Istoria expoziției

Istoria expoziției de artă are o lungă istorie de existență și dezvoltare și provine din colecții deținute de persoane înzestrate fie cu putere seculară, fie spirituală, sau care posedă resurse financiare importante. În antichitate și în Evul Mediu al secolului al X-lea, expozițiile în sensul lor modern nu existau. Pentru prima dată, un mic grup de artiști a organizat o expoziție cu lucrările lor la Paris în 1648. Această expoziție a fost supusă la tot felul de persecuții; artiștilor li s-a interzis să expună picturi spre vânzare, iar lucrările unora dintre ei au fost chiar confiscate. În același an, guvernul a aprobat Academia de Pictură și Sculptură și a interzis „împiedicarea ei în vreun fel”. Lupta dintre academie, care avea fonduri foarte slabe, și bogatele ateliere de artizani a continuat însă până în 1653, până când Lebrun a reușit să pună academia sub patronajul lui Mazarin, iar apoi însuși regele, care a aprobat statutul acesteia și a numit-o. pensii artistilor. De atunci încep X. expoziții de academicieni, care sunt obligați să-și expună tablourile anual sub pedeapsa expulzării din academie.

Expozițiile moderne provin din muzeele franceze, fondatorii cărora sunt cardinalii francezi Mazarin și Colbert. Societatea Artelor, fondată în 1754 cu scopul de a încuraja artele, meșteșugurile și comerțul, a jucat un rol important în organizarea expoziției. Sarcina a fost cu adevărat grandioasă - să adune sub un singur acoperiș produse din industrie și artă din diferite țări și popoare. Pentru a îndeplini o astfel de sarcină a fost necesar un spațiu fără precedent, care a devenit el însuși una dintre principalele atracții ale expoziției. Britanicii aproape instantaneu – în doar șase luni (și conform unor surse – în 17 săptămâni) – au creat în centrul Londrei, în Hyde Park, celebrul „Crystal Palace”, devenit celebru cu mult dincolo de Anglia.

Comisionului pentru construirea expoziției i-au fost prezentate 245 dintre cele mai diverse proiecte ale viitoarei clădiri. Dar atât artiștii înșiși, cât și publicul au simțit inadecvarea formelor și materialelor tradiționale pentru rezolvarea unei sarcini cu totul noi. Și apoi a venit Joseph Paxton, propunând o arhitectură dintr-un singur fier și sticlă. Toți au fost uimiți, iar arhitecții Europei au fost pur și simplu indignați de faptul că acest obrăzător Paxton - nu un arhitect sau un artist, ci un grădinar obișnuit - în loc de un palat maiestuos urma să construiască „un fel de capac de sticlă”, „sară” . .. Acest lucru nu poate fi permis unor ignoranți, când există artă adevărată și adevărați maeștri. Clădirea, construită ca foișor de expoziție, era o clădire uriașă terasată cu trei nave, formată dintr-un cadru de fier ajurat umplut cu sticlă. Întreaga clădire are 564 de metri lungime și 125 de metri lățime, cu o suprafață acoperită de 100.000 de metri pătrați. Este puțin probabil ca alte țări să-și permită atunci acest lucru. Chiar și la Paris, întreaga expoziție ar fi fost cel mai probabil găzduită într-un fel de clădire din piatră, ceea ce înseamnă că ar fi fost de dimensiuni foarte moderate, necorespunzătoare măreției evenimentului planificat. În plus, arhitectura fundamental nouă, stilul „sticlă și metal”, născut în timpul construcției Palatului de Cristal, era organic inacceptabilă pentru școlile de arhitectură și artă din alte țări.

Într-adevăr, Crystal Palace amintea foarte mult de o seră. Având experiență în crearea de sere uriașe pentru palmierii de peste mări, D. Paxton a venit cu o soluție simplă și originală și a introdus cu îndrăzneală metalul și sticla în designul Crystal Palace, mărind ramele ferestrelor la dimensiuni fără precedent. Exemple de utilizare a structurilor metalice și a acoperirilor cu umplutură de sticlă erau deja cunoscute până la acel moment. Dar pentru ca întreaga fațadă a unei clădiri publice uriașe să fie din sticlă - acest lucru a fost făcut pentru prima dată!

Din fericire, noua clădire a fost ridicată exact așa cum a intenționat „grădinarul ignorant”, iar publicul a acceptat-o ​​cu entuziasm. Ea a întruchipat doar dorința locuitorilor din ceața Albion pentru lumină, pentru că întreaga structură, întregul său interior nesfârșit era pătruns de fluxuri de lumină solară.

Palatul de Cristal a fost una dintre primele structuri în care au fost adoptate elementele unificate acum comune: întreaga clădire era formată din celule identice asamblate din 3.300 de coloane din fontă de aceeași grosime, 300.000 de foi de sticlă identice, același tip de rame din lemn și grinzi metalice. Elementele prefabricate de dimensiuni standard au fost prefabricate în cantitatea necesară, astfel încât tot ce a mai rămas de făcut la șantier a fost asamblarea lor.

Aici, în arhitectura expozițională, a existat o trecere de la pitoresc și decor la inginerie, care a devenit principala tendință în dezvoltarea arhitecturii secolului al XX-lea. În proiectarea palatului a fost folosit principiul unui cadru metalic - stâlpi de fier și cadre cu umplutură de sticlă, un modul de stâlpi portanti de 24 de picioare (aproximativ 720 cm), instalarea de blocuri prefabricate.

Palatul a devenit o clădire de epocă, anticipând noi metode de construcție. Palatul nu avea partiții interioare, iar interiorul său era o sală imensă. Arhitectul a fost foarte atent la copacii din Hyde Park, cărora le-a fost interzis tăierea de către Parlament: ulmii de două sute de ani s-au dovedit a fi pur și simplu acoperiți de clădirea palatului. Celebrul filozof, istoric și scriitor rus A.S. Homiakov, care a vizitat expoziția, a scris despre asta: „Ceea ce se construiește trebuie să aibă respect pentru ceea ce a crescut”. Contemporanii considerau Palatul de Cristal o minune a artei arhitecturale din acea vreme. Mai târziu, marele L. Corbusier a scris: „Nu mi-am putut lua ochii de la această armonie triumfătoare”.

V.V. Stasov, marele critic rus, a recunoscut Anglia, care obișnuiește să fie considerată o „țară clasică a anti-artismului”, drept un pionier al unei noi mișcări, văzând în Palatul de Cristal un prototip al arhitecturii viitorului, un nou minunea lumii care a eclipsat „tristele piramide ale morților egipteni și coliseumurile romanilor. Gigantul londonez, construit pentru a reuni toate popoarele lumii în el, pentru a vedea tot ceea ce omenirea a creat mare, strălucitor, la toate capetele ei împrăștiate. Un gol mare a dat naștere unei lucrări grozave.

Din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, condițiile economice, nivelul tehnic și potențialul au început să se schimbe, dar fundalul estetic al epocii s-a schimbat încet, aproape imperceptibil. Normele estetice ale clasicismului erau deja complet distruse. Interiorul, unit de un singur stil de cultură, nu mai exista. În expozițiile expoziționale, ca într-o oglindă, s-a reflectat toată diversitatea arhitecturii europene și în toate - eclectism nestăpânit.

Începând cu „Palatul de Cristal”, toate pavilioanele expoziționale ale expozițiilor ulterioare au primit aspectul de „palate”. Se numeau tocmai așa – „Palatul Agriculturii”, „Palatul Electricității”, etc., palate de tot felul, de toate epocile, din orice material – de la metal și sticlă până la cereale și legume.

Primele exponate ale expozițiilor industriale au fost o priveliște curioasă. Inginerii, realizând modele experimentale de expoziție de locomotive cu abur, cazane de locomotivă, pompe și cositoare de fân, au încercat să le dea anumite forme arhitecturale în stil baroc, gotic, concepute pentru alte funcții și au apărut în vremuri cu totul diferite, acestea fiind acoperite din belșug cu ornamente de către turnare, gofrare etc. .d.

Arta expoziției a fost îmbunătățită de la expoziție la expoziție. Treptat, se formează cerințele fundamentale pentru pavilionul expozițional, pentru afișarea produselor.

Până la sfârșitul secolului, stilul Art Nouveau a avut o mare influență asupra expozițiilor, îndepărtând neatenția eclectismului cu raționalismul său. Influența Art Nouveau a devenit evidentă la Expoziția de la Paris din 1900. În industria divertismentului expozițional, „palate optice” cu labirinturi de oglinzi (transformate ulterior în săli de râs), mareoramă înfățișând o călătorie în jurul lumii (panoramă în mișcare), mișcări de scene cu figuranți în costume naționale din diferite țări, Globurile lui Galeron (un model gigant rotativ al cerului cu o lanternă stereoscopică magică). La spectacolul de la Chicago, o mulțime uriașă se uită la bile de celuloid suspendate miraculos în aer (susținute de un jet de aer de la frâne pneumatice Westinghouse), la o fântână de cereale condusă de un motor electric, vedem primele exemple de afișare dinamică de un produs industrial. Palatul de cristal al lui Joseph Paxton din Londra și Turnul Eiffel al inginerului Alexander Gustave Eiffel din Paris, construit pentru Expoziția Mondială din 1889 (123 de metri înălțime) au devenit simboluri ale expozițiilor mondiale, simboluri ale realizărilor tehnologice de la sfârșitul XIX - începutul XX. secol. Industria expozițională a primit o dezvoltare rapidă în continuare în timpul secolului al XX-lea, în conformitate cu dezvoltarea industriei, științei și tehnologiei.

Mareorama

Apariția instituției muzeului din Rusia, ca colecție de artă în sens modern, datează în majoritatea cazurilor de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. În această perioadă au fost organizate muzeele cunoscute astăzi ca Galeria de Stat Tretiakov, Muzeul de Stat de Arte Frumoase din Moscova, Ermita de Stat și Muzeul de Stat Rus din Sankt Petersburg. Obiectele de artă care alcătuiesc colecțiile acestor și altor muzee își actualizează calitățile estetice cu ajutorul fenomenului expoziției, care apare privitorului sub forma unui spațiu artistic deosebit, care există în concordanță cu organizarea sa internă, supuse influenței mediului arhitectural specific al muzeului, obiectele expuse, purtătorii acestora și intenția conceptuală. http://dic.academic.ru/dic.nsf/brokgauz_efron/111257/%D0%A5%D1%83%D0%B4%D0%BE%D0%B6%D0%B5%D1%81%D1%82 %D0%B2%D0%B5%D0%BD%D0%BD%D1%8B%D0%B5

Expoziția ca principiu al organizării unei expoziții de artă

Fenomenul expoziției se manifestă într-o anumită formă de organizare, datorită unor principii, dintre care cel mai semnificativ este considerat a fi „expunerea”, strâns legată de vizibilitate, care permite fixarea expoziției ca eveniment. Originalitatea și originalitatea apariției a numeroase expoziții de succes pe diverse teme se disting doar printr-un aspect vizual special, o bază conceptuală clar „lizibilă” și soluții de expunere expresive. Prezența naturală în spațiul expoziției a tuturor componentelor sale este determinată de sistemul „ordinei”, înțeles ca o succesiune de imagini artistice actualizate în expunere care este de fapt percepută într-o combinație explicabilă. Această secvență oferă o „lectură” a designului conceptual, conform căruia se realizează acțiunea de „expunere” ca principiu organizator. Unii cercetători (T.P. Kalugina) interpretează principiul „expoziției” în raport cu diverse tipuri de organizare vizuală și semantică a expoziției ca „grupare de probleme”, „rând academic”, „expoziție în focus”.

Asa de "grup cu probleme" are loc la realizarea expozițiilor monografice, când opera unui maestru celebru apare din nou într-o astfel de aranjare vizuală care atrage atenția asupra aspectelor necunoscute până atunci ale luării în considerare a limbajului său artistic. „Rândul academic” prezintă o imagine consistentă cronologic a oricărei etape lungi în dezvoltarea artei cu o gamă largă de denumiri care determină caracterul complet al perioadei reprezentate. „Expoziție în focus” ca manifestare specială a principiului expunerii, este tipic pentru expunerea exclusivă a unei singure opere de artă în unicitatea sa artistică. Din aceste exemple de implementare a principiului de expunere, se poate observa că în fiecare caz amplasarea obiectelor expuse este determinată atât de rezolvarea unor sarcini specifice, cât și de respectarea structurii vizuale a expoziției.

Astfel, sub conceptul de „expunere” se poate considera așezarea unui obiect expus pe suportul său (stand, perete, piedestal, într-o vitrină) într-o astfel de localizare spațială care să asigure percepția acestuia cu manifestarea optimă a sa artistică. și calități semantice.

„Rândul academic” este un complex expozițional, format din aproape toate tipurile de arte plastice stocate în colecția muzeului și reflectă o imagine holistică a dezvoltării artei. Ca formă expozițională, „rândul academic” domină peste celelalte două, determinând în mare măsură unitatea stilistică a aspectului muzeal. „Rândul Academic” este actualizat în existența unui astfel de concept de muzeu ca „expoziție permanentă”. Îmbunătățirea soluției stilistice a expoziției permanente nu este doar o sarcină importantă a perioadei actuale, ci și un factor în strategia muzeală pe termen lung. „Rândul academic” gravitează spre subordonare și coerență cu caracterul interiorului. Utilizarea infrastructurii expoziționale în acest caz este minimă și adesea standurilor, vitrinelor, piedestalurilor li se oferă uniformitate stilistică cu decorul arhitectural al interiorului. În sine, „seria academică” poate fi diferențiată prin apartenența la un anumit tip de artă, adică în cadrul unui singur mediu muzeal pot exista în paralel mai multe expoziții permanente. În Muzeul de Stat al Rusiei aceasta este o expoziție de artă populară, în Schitul de Stat există expoziții de artă primitivă, antică și decorativă și aplicată, numismatică și artă Orientului; în Muzeul Pușkin im. LA FEL DE. Pușkin (Moscova) puteți vedea expoziția de modele de sculptură medievală și renascentist. În toate cazurile de mai sus, expunerile „specii” o completează pe cea istorică și cronologică principală.
„Expoziție în focus” prezintă o singură operă de artă (preponderent picturală), prezentată cu ajutorul unui set de tehnici de expunere, într-o formă izolată accentuată. „Exhibit in Focus” demonstrează principiul expunerii în cea mai pronunțată manifestare și este adesea întâlnită în practica expozițională a Muzeului Ermitaj de Stat ca o „expoziție a unui tablou”. Trebuie remarcată aici prezentarea aromelor provocate de flori și fructe înfățișate într-una dintre cele mai cunoscute exponate ale Ermitajului - Lăutatorul lui Caravaggio, Piața Neagră a lui Kazimir Malevici, Buna Vestire a lui Jan van Eyck, Venusul lui Tițian în fața unei oglinzi.

„Grup cu probleme” este cea mai dinamică formă de prezentare a materialului artistic, ocupând un spațiu separat în mediul muzeal și limitat de intervale de timp. Existența sa în practica muzeală este asociată cu conceptul de „expoziție temporară”. În construirea gamei vizuale a expoziției, „gruparea cu probleme” folosește mult mai des, alături de cele tradiționale, tehnici de afișare avangardiste.

Expoziția Jack of Diamonds în avangarda rusă a creat o imagine a noii arte rusești, indisolubil legată de rădăcinile estetice naționale și, în același timp, regândind realizările picturii europene de la sfârșitul secolului al XIX-lea într-un mod nou. Astfel de tehnici au fost: organizarea în sălile muzeului cu ajutorul scuturilor așezate în pervazuri ale unei suprafețe „rupte” pentru expunerea tablourilor; respingerea luminii aeriene și utilizarea direcțională; includerea în gama vizuală a expoziției de lucrări de artă populară ca prototipuri estetice.

Atunci când se creează expoziții complexe cu un număr mare de lucrări de diferite tipuri, concepute pentru a dezvălui un subiect „mare”, există cazuri în care chiar și exponatele selectate „țintite” nu transmit în mod adecvat ideea expoziției, indiferent cât de înaltă ar fi. calitatea artistică poate fi. Astfel de expoziții necesită multidimensionalitate semantică, de neatins prin posibilitățile expoziționale ale „rândului academic” sau „expoziției în focus”.

Expoziţia „Sankt Petersburg. Portretul orașului și cetățenilor” a rezolvat sarcina extrem de dificilă de a prezenta un astfel de fenomen cultural precum „sufletul Sankt-Petersburgului”, asociat cu aniversarea a 300 de ani. Întregul complex al expoziției a fost împărțit în două părți: vedere și eveniment. Materialul expozițional al expoziției a fost neobișnuit de eterogen și, cu limbajul său artistic, a trebuit să creeze o anumită intriga, dezvăluind astfel de concepte asociate pentru totdeauna cu numele orașului ca „nopți albe”, „Veneția de nord”, „Nevsky Prospekt”, „leagăn”. al revoluției”, „blocadă”, „capital cultural” și altele. Fiecare astfel de concept a fost prezentat în selecția celor mai caracteristice exponate legate de subiectul său. Aceste concepte sub formă de blocuri de expunere au fost plasate în toate zonele spațiale și tematice ale expoziției, neavând neapărat o „legare” rigidă. La nivel semantic, o astfel de expunere a întruchipat în mod vizibil legătura timpurilor din vremea lui Petru cel Mare până în zilele noastre și a făcut posibil să se vadă într-un mod cu totul nou atât gravura de la începutul secolului al XVIII-lea cât și primele planuri de urbanism. pentru Sf. realism socialist oficial și underground informal. „Sufletul Petersburgului” a apărut ca un har aparte, curgând din secol în secol, remarcat în fiecare „tip Petersburg”, de la un vânzător ambulant la un toboșar al muncii comuniste, de la un demnitar regal la un compozitor modern. „Sufletul Sankt Petersburgului” și-a spiritualizat și peisajul, fie că era vorba de panorama maiestuoasă a Nevei sau de periferia de lucru.

Includerea unei secvențe video în domeniul vizual al expoziției a fost o tehnică de expunere care a conferit expoziției o calitate semantică „stereoscopică”. În secțiunea „iconografică”, a fost difuzat un videoclip care arată orașul sub forma „Veneției de Nord”, legat indisolubil de elementul apă. În secțiunea dedicată blocadei de la Leningrad a fost difuzată un film de știri documentare. În ambele cazuri, seria video a completat și a interacționat cu seria vizuală. În primul caz, locurile recunoscute din Sankt Petersburg într-o interpretare picturală sau grafică de pe pereții sălilor au început să „schimbă locuri” cu realitatea „ecran” virtuală a filmărilor video, în al doilea, știrile blocadei au făcut ca opera artistică a acestor ani un document.

Expunerea ca principiu organizatoric face posibilă prezentarea cu drepturi depline a lucrărilor stocate permanent în fond. Astfel de lucrări pot fi inferioare în calitatea lor artistică lucrărilor expoziției permanente, care determină „fața” muzeului, cu toate acestea, prezintă interes datorită studiului redus și inaccesibilității pentru public. Prezentarea lucrărilor „din fonduri” este capabilă să diversifice formele tradiționale ale operei muzeului, să deschidă ușor ușile mereu închise ale depozitelor.

„Fondul Deschis” al Muzeului de Stat al Rusiei, ca formă de expunere, a rezolvat aceste probleme și a prezentat una dintre secțiunile colecției de sculptură într-o sumă care depășește cea permisă în construcția tradițională a expoziției. Sculptura a fost amplasată pe rafturi asemănătoare celor de stoc, care asigură funcțional doar capacitatea și siguranța maximă a materialului și nu implică pentru aceasta nicio reprezentativitate și concentrare pe meritele sale artistice. Sculptura de pe rafturi era despărțită de public printr-o barieră transparentă și nu putea avea un bypass circular, ceea ce crea limitări în percepția sa, dar transferul funcțiilor de depozitare de la birou în spațiile expoziționale a transformat aceste funcții într-un obiect de afișare și a făcut este posibil să vezi o lume muzeală specială ascunsă de ochii străinilor.

Tehnicile de expunere care creează imaginea unui anumit mediu muzeal, transferate în săli, au fost folosite și la expoziția de noi achiziții (1998). Expoziția, reprezentând o expoziție largă de achiziții muzeale ale multor tipuri de artă plastică în toată diversitatea ei, a fost decisă ca un depozit la scară largă care a intrat în săli. Exponatele au fost amplasate pe utilaje speciale, „de stoc” – scânduri de zăbrele pentru pictură, prin suporturi de cadru pentru sculptură, alături de echipamente expoziționale tradiționale: socluri, scânduri, vitrine. Această tehnică a creat imaginea muzeului ca entitate vie, reînnoitoare, care leagă trecutul și prezentul, specificul și tradiționalul.

Expozițiile desfășurate în Schitul de Stat sunt marcate de cea mai înaltă calitate a materialului prezentat, amploare și amploare. Oricare dintre ele are o interpretare expozițională convingătoare, manifestată în tehnici de prezentare expresivă. Expoziția „Faberge: Lost and Found” (2004) a prezentat bijuterii realizate de Carl Faberge și alți meșteri pentru familia imperială.

Sarcina de expunere a constat într-o prezentare demnă a bijuteriilor legendare, care s-au întors din nou la casa lor ancestrală. Problema unor astfel de expoziții este dimensiunea redusă a exponatelor, care erau amplasate în vitrine-cuburi transparente, care stabileau proporționalitatea mediului spațial. Fiecare vitrină-cub avea o iluminare direcțională și asigura condiții optime pentru perceperea exponatelor într-o încăpere întunecată. Designul de iluminat al expoziției a creat imaginea unei grote misterioase cu comori sclipind în amurg. Efectul a fost sporit de scuturi acoperite cu material închis la culoare, care formau un perete continuu de-a lungul perimetrului sălii, căptușit complet cu plante false cu tulpini suspendate. Panourile publicitare prezentau și imagini mărite ale lucrărilor expuse în vitrinele din apropiere.
Concluzii. Valoarea unei expoziții de artă în condițiile culturii moderne este mare, iar tehnologia potrivită pentru designul lor este cheia succesului. Pe exemplul analizei principalelor concepte spațiale propuse de filozofii străini și autohtoni, se poate observa că expoziția este un tip de spațiu deosebit, artistic.
La nivelul actual de dezvoltare a expozițiilor devine posibilă gruparea în anumite tipuri a multor cazuri de existență a spațiului expozițional în clădiri specifice orașului, dezvăluind trăsăturile fundamentale ale acestora. Cel mai important factor în organizarea mediului expozițional este principiul expunerii, care determină percepția sa vizuală și semantică. Expunerea permite, de asemenea, rezolvarea problemelor formării unui peisaj cultural prin adaptarea clădirilor urbane „non-core” pentru a funcționa ca mediu expozițional. În prezent, expoziția devine una dintre etapele formării pieței de artă, oferind condiții pentru funcționarea cu drepturi depline a acesteia ca instituție culturală modernă. Expoziția permite mijloacelor activităților curatoriale să realizeze proiecte de artă semnificative din punct de vedere social.

Organizarea expozitiei

include mai multe elemente cunoscute sub numele de „Regula 4 R”:

1. Planificarea unei expoziții.

2. Atrageți vizitatori.

3. Personalul.

4. Obținerea și analizarea rezultatelor.

Planificarea expoziției

Pentru a organiza corect o expoziție și în cele din urmă a obține rezultatul maxim, trebuie mai întâi să decizi: în ce scop o organizăm?

1. Primul pas pentru organizarea unei expoziții este definirea acesteia subiect. Poate că aceasta este o expunere a unui artist sau a unor tendințe în arta contemporană. Începe cu o idee.

2. Selectați o dată pentru a organiza o expoziție. Asigurați-vă că nu există evenimente similare în aceste zile.

3. Organizatorii. Te vei ocupa singur de asta, vei implica autoritățile orașului sau districtului sau vei găsi parteneri? Precizați imediat cine va face ce, precum și problemele financiare, iar dacă acestea nu sunt rudele dvs., atunci încheiați un contract scris. Pentru a organiza expoziția, încercați să găsiți finanțare suplimentară - pot fi companii și investitori privați. Expozițiile mari costă de obicei mulți bani, dar oferă o oportunitate uriașă de a crește prestigiul organizației care sponsorizează evenimentul.

4. Publicitate. Când vine vorba de organizarea unei expoziții, trebuie neapărat să creați materiale promoționale - broșuri și cataloage. Planificați conținutul catalogului și încercați să găsiți experți în artă care vor scrie texte pentru el. Aprobați designul tuturor materialelor legate de expoziția dvs. - catalog, bannere, cărți poștale, calendare etc. Acum, broșuri, pliante și broșuri vor fi tipărite pentru dvs. de orice tipografie. Asigurați-vă că există toate informațiile necesare pentru cei care vor să vă găsească după expoziție. O mică foaie strălucitoare de informații de bază este tot ce aveți nevoie! În plus, va trebui să cheltuiți bani pe publicitate, ceea ce va atrage vizitatorii la expoziție. În aproximativ o lună, ar trebui să apară reclame strălucitoare în ziarele orașului și la televiziunile locale. Afișele vor trebui, de asemenea, agățate pe străzi. De asemenea, trebuie să distribuiți pliante în locuri aglomerate și să faceți publicitate pe internet. Articolele și mesajele de pe paginile tematice, iar site-urile tematice, forumurile și rețelele sociale, precum și listele de corespondență și publicitatea contextuală funcționează cel mai bine în rețea.

5. Creați un spațiu expozițional. Clasificarea principalelor tipuri de spații expoziționale:

1) „profil”, adică special concepute și construite în scop de expunere sau funcțional de mult timp în această calitate, adaptate în astfel de scopuri, dar nedestinate inițial acestora;
2) „aleatoriu”, inclusiv spații expoziționale în aer liber.

Toate tipurile de spații expoziționale enumerate au un sistem de „locuri” - puncte de accent, corelate cu proiecțiile diviziunilor ritmice ale spațiului. Un astfel de sistem de puncte de accent va fi determinat în fiecare tip de spațiu expozițional de prezența elementelor arhitecturale, a unităților funcționale sau (spatii expoziționale deschise) de exponatele în sine și de purtătorii acestora.

Este posibil să aveți nevoie de ajutor profesional pentru a configura instalații de artă sau pentru a poziționa picturi foarte mari. Organizați spațiul astfel încât să fie convenabil pentru vizitatori să se deplaseze în jurul lui și astfel încât toate exponatele să fie disponibile pentru vizionare. Mișcarea informațiilor de la expozant la vizitator constă în trei etape: În prima etapă, se selectează - formarea scenariului expoziției. În a doua etapă, informațiile selectate sunt îmbrăcate în forma în care vor fi transferate vizitatorului (sub formă de subiect-banc a expoziției, sub formă de ceremonial, afaceri, calificare, consultativă, educațională, reclamă și divertisment). evenimente; în formele electronice ale expoziției). În a treia etapă, informațiile sunt transmise, primite, percepute și înțelese, având ca scop „efectul post-expoziție”, care este scopul principal al organizarii expozițiilor. Utilizarea unei varietăți de teme și scenarii de expoziție se reflectă în scara diferită a expoziției, exponatele și echipamentele sale constitutive, inclusiv:

a) Elemente obiect-banc ale expoziției - componente volumetrico-spațiale (exponate și standuri) ale organizării spațiului expozițional.

b) Elementele electronice ale expoziţiei - mijloace multimedia de prezentare a informaţiilor vizual-grafice, textuale, audio şi video, inclusiv componente interactive.

6. Creați panouri informative la toate locurile de muncă. Textul explicativ complet include nu numai titlul, ci răspunde și întrebărilor generale pe care le au telespectatorii. Astfel, vizitatorii expoziției vor putea înțelege mai bine ceea ce este prezentat.

7. Program programul expozițieiși scrie un comunicat de presă despre eveniment. Trimite-l presei de artă și revistelor de călătorie. Este posibil ca expoziţie nu numai locuitorii orașului tău vor dori să viziteze.

8. Gândește-te ce va fi vernisajul expoziției. Adesea, în seara deschiderii este organizat un eveniment: un scurtmetraj (de exemplu, un interviu cu autorul), un spectacol al unui grup muzical sau doar un cuvânt introductiv de la autori, curatori și toți cei interesați. Organizați un eveniment pentru a sărbători deschiderea expoziției și urmăriți cum tot mai mulți oameni intră în idei de artă, mulțumită ție și expoziției organizate de tine. O opțiune interesantă pentru a interesa vizitatorii - conducerea cursurilor de master. Alocați un loc pentru un meșter care va crea unele lucruri în fața ochilor vizitatorilor și, în același timp, va învăța pe toți cei care vor niște trucuri simple.

cameră. Găsirea unui loc. Acestea depind de dimensiunea expoziției planificate, de direcția acesteia și chiar de perioada anului, deoarece vara poți face multe doar în aer liber. Acum majoritatea muzeelor ​​organizează diverse expoziții temporare, așa că dacă ești pasionat de aci sau meșteșuguri populare, poți să negociezi cu ele. O expoziție destul de decentă poate fi organizată în holul hotelului, în casa de cultură sau în noul centru comercial, unde încă nu au fost închiriate toate zonele. În general, acum în orice oraș există destule spații gratuite care se închiriază, când pentru vânzarea de pantofi, când pentru târguri de blănuri.

Expozițiile de artă sunt o formă complexă de interacțiune între artă și publicul care o venerează. Dar la expoziții, vizitatorii percep nu numai creațiile în sine. Ei acordă atenție spațiului, locației, compoziției și altor spectatori care sunt la expoziție.

Prin urmare, dacă vorbim despre psihologia percepției unei expoziții de artă în ansamblu, atunci nu se poate argumenta că vizitatorii admiră doar imaginea. Ei privesc totul în general. Dacă le place întreaga compoziție, atunci vor dobândi lucrarea cu plăcere.

Fiecare expoziție va conține în mod necesar un anumit complot care leagă toate lucrările prezentate la ea într-o singură linie, le generalizează. Astfel de expoziții sunt de obicei colectate pe o varietate de subiecte, intrigi, tendințe, autori și stil.

Astăzi, problema împărțirii expozițiilor în funcție de caracteristicile lor este deosebit de acută. Motivul a fost că a existat un număr mare de oameni care se numesc artiști talentați. Este adesea dificil pentru adevărații profesioniști să se dovedească.

La expozițiile tematice, acum îți poți arăta talentul din plin. Pe ele, privitorul însuși va stabili cărui autor profesionist să-i acorde preferință. În plus, astfel de evenimente sunt necesare în lumea artei contemporane. Ele nu numai că ajută să înveți nume noi în artă, ci și să le prezinte familiei, prietenilor și, bineînțeles, însuți.

Expozițiile au fost întotdeauna populare. Dar astăzi sunt deosebit de importante pentru toată lumea, mai ales pentru generația tânără. De asemenea, expozițiile de artă continuă să vândă lucrări. Și asta este foarte bine. La urma urmei, când vezi un fel de poză și o înțelegi ca nimeni altcineva, este greu să rezisti și să nu o cumperi pentru tine. Ar fi păcat dacă nu ar exista un astfel de serviciu.

Deci, putem defini conceptul de expoziție de artă de astăzi. Este un loc în care artistul se manifestă, poate câștiga înțelegere și popularitate, admirație și dragoste pentru public. Publicul se alătură frumosului, primește satisfacții morale, înțelege mai bine prezentul și dobândește și tablouri. Poți oricând să vizitezi expoziții, să simți lumea autorului lucrărilor și să cumperi tablouri pentru tine.

Arta ne înconjoară peste tot: în casă, pe stradă, în muzeu. Cu toate acestea, există un tip special de cunoaștere a creativității artistice: posibilitatea de a merge la o expoziție. O expoziție este o demonstrație a operelor de artă către publicul larg, organizată pentru o anumită perioadă de timp. Există expoziții mari și mici. Ele sunt expuse atât în ​​spații special construite sau adaptate, cât și în săli ocupate temporar, de exemplu, în sălile muzeelor, Palatelor Culturii, foaierul teatrului etc. Astfel de expoziții prezintă opera maeștrilor din trecut și prezent, uneori împreună. pictori, sculptori, graficieni, arhitecți, artiști de artă și meșteșuguri. Dar cel mai adesea se organizează expoziții ale maeștrilor unei singure specializări. Expozițiile pot fi dedicate muncii unui maestru individual, unui anumit grup, școală, regie. În general, principiile care stau la baza organizării unei expoziții sunt destul de flexibile, selecția lucrărilor se realizează în funcție de teme, tipuri, genuri, intrigi etc. Există expoziții internaționale, naționale, regionale (în URSS - întreaga Uniune). , republican, regional, orășenesc ), staționar și mobil.

Vizitarea unei expoziții este într-o anumită măsură comparabilă cu vizitarea unui teatru, dar diferența va fi totuși foarte vizibilă. Și nu doar pentru că există un spectacol, ci aici opere de artă plastică. La expoziție, vezi o mulțime de oameni, fie examinând cu atenție expoziția ca întreg, fie un tablou separat, o statuie, fie vorbind, discutând despre lucrări individuale. Aici se simte mai puternic momentul comunicării oamenilor nu numai cu arta, ci și între ei.

Expozițiile publice ale operelor de artă sunt deja cunoscute în Grecia antică, dar activitatea expozițională în sensul ei modern a început în Franța în secolul al XVIII-lea, când au fost deschise așa-numitele saloane, care au primit această denumire pentru că artiștii prezentau lucrări în saloanele de artă. Louvre. Această inovație a stârnit un mare interes public și a dat mărturie despre binecunoscuta democratizare a artei. Înainte de asta, de regulă, arta era privilegiul cunoscătorilor, patronilor, patronilor și colecționarilor. Acum operele de artă au fost prezentate publicului în mod deschis. Expozițiile au început să fie discutate în presă - așa s-a născut critica de artă. Prin deschiderea expozițiilor a fost tipărit un catalog care conținea scurte informații despre lucrările expuse și autorii acestora, ulterior au început să fie plasate în ele reproduceri ale lucrărilor expuse. Toate aceste angajamente s-au îmbunătățit de-a lungul timpului, s-au schimbat în formă și conținut și au stat ulterior la baza unei anumite tradiții a activităților expoziționale. Până la începutul secolului al XIX-lea. în salonul parizian, care a câștigat faima mondială, au fost expuse până la 2 mii de lucrări. Expozițiile Mondiale, desfășurate la Paris și Londra, unde, alături de altele, departamentele de artă au fost organizate ca recenzii ample de artă contemporană.

Deoarece organizarea saloanelor era sub supravegherea strictă a cercurilor oficiale, inevitabil au izbucnit conflicte. Un juriu special creat, chemat să selecteze lucrări, de multe ori nu permitea expunerii unor lucrări de artă democratică, realistă. Artiștii, nemulțumiți de acțiunile juriului, au susținut în repetate rânduri afișarea gratuită a lucrărilor, au cerut ca juriul să fie dizolvat sau făcut electiv. De asemenea, au organizat un fel de „anti-expoziții” neoficiale în atelierele lor și în alte incinte. Așadar, G. Courbet în timpul Expoziției Mondiale de la Paris din 1855 construiește un pavilion separat pentru lucrările sale, numit sfidător de el „Realism”. În Franța, un conflict între artiști și jurii a dus în 1863 la crearea „Salonului respinsaților”, care prezenta picturi care nu au fost acceptate pentru o expoziție oficială. În anii următori, artiștii au început să organizeze expoziții independente de grup separate (de exemplu, expoziții ale artiștilor impresioniști). Până la sfârșitul secolului trecut, numărul asociațiilor de artă liberă cu activitatea lor expozițională a crescut considerabil. Exemplul Franței a devenit inspirator pentru multe țări europene. La începutul secolului, s-au încercat să se arate separat nu numai pictura sau pictura împreună cu sculptura și grafica, ci sculptura și grafica separat.

În societatea burgheză, activitatea expozițională are un caracter contradictoriu: ea contribuie la popularizarea artei, dar servește în același timp și ca dirijor al ideologiei oficiale. În plus, organizarea expozițiilor este legată de elementele pieței de artă. Cine să fie „la modă”, „popular” la expoziții, se hotărăște uneori dealerii de artă.

La începutul secolelor XIX-XX. sunt amenajate expoziţii dedicate vechilor maeştri. În prezent, expozițiile de acest gen, mai ales mari, reprezentative, inclusiv lucrări puțin cunoscute sau, dimpotrivă, creațiile celor mai mari maeștri ai trecutului, atrag atenția publicului, devin un indicator al intensității vieții artistice într-unul. tara sau alta.

În Rusia, expozițiile au fost organizate inițial la Academia de Arte din Sankt Petersburg. La începutul secolului al XIX-lea. la aceste expoziții au fost expuse picturi ale unor pictori celebri: O. A. Kiprensky, S. F. Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov. Totuși, spiritul academismului de stat, care în cele din urmă a început să domine Academia, nu a putut decât să stârnească protestul artiștilor cu mentalitate democratică. Mai mulți artiști au decis să părăsească Academia și să-și creeze propria asociație (vezi Wanderers (Asociația expozițiilor de artă itinerante). Asociația a contribuit la răspândirea artei realismului critic în Rusia, la educarea gustului artistic a unor pături sociale largi. În timpul existența sa, TPHV a organizat peste 40 de expoziții.La începutul secolului, în Rusia, au apărut și alte asociații de grup care organizau expoziții („World of Art”, „Blue Rose” etc.).

În URSS și în alte țări socialiste, expozițiile de artă se adresează maselor largi de oameni și joacă un mare rol educațional și educațional. Deja în anii 1920. principalele asociații de artiști de masă: Asociația Artiștilor din Rusia Revoluționară (AHRR) și Societatea Artiștilor de șevalet (OST) au organizat numeroase expoziții, inclusiv expoziții reprezentative precum Viața și viața Armatei Roșii (1922), Revoluția, viața, Munca ( 1924-1925), Viața și viața popoarelor URSS (1926), expoziții dedicate aniversărilor a 10-a, 15-a și 20 de ani ale Armatei Roșii (1928, 1933, 1938), Arta pentru Mase (1929), Industria socialismului (1939). Includerea în expoziția țării noastre la Expozițiile Mondiale de la Paris (1937) și New York (1939), la Expoziția Agricolă a Întregii Uniri de la Moscova (1939) a lucrărilor artiștilor sovietici a demonstrat scopul ideologic al artei sovietice, putere de afirmare a vieții, a contribuit la dezvoltarea realismului socialist. Evenimente semnificative din viața culturală a țării au fost expozițiile „Marele Război Patriotic” (1942), Expoziția de Arte Plastice ale Țărilor Socialiste (1959), „Arta pentru viață” (1960), „Păzind pacea” (1965). ), Expoziția de artă aniversară a întregii uniuni „50 de ani de putere sovietică” (1967), expoziție de artă a întregii uniuni dedicată centenarului nașterii lui V. I. Lenin (1970), expoziții de artă a întregii uniuni dedicate împlinirii a 60 de ani de la formarea URSS: „URSS este patria noastră” (1982), „Artiști – către popor” (1982), etc.

În fiecare an, în țara noastră, sindicatele creative, Academia de Arte a URSS și organismele culturale organizează peste 5.000 de expoziții de artă staționare și itinerante, care sunt vizitate de zeci de milioane de oameni. Există un anumit sistem de organizare a recenziilor de artă zonale, republicane și ale Uniunii, care, de regulă, sunt programate pentru a coincide cu evenimente semnificative din viața țării. Astfel, ciclul de expoziții de artă „Construim comunismul” (1980-1981), dedicat celui de-al 26-lea Congres al PCUS, a fost foarte reprezentativ. Marea comunitate de artă și muncă care a apărut în primii ani ai planului cincinal renaște acum. Artiștii, reprezentanți ai tuturor republicilor Uniunii, participă activ la viața de muncă a poporului, întruchipează ideile de comunism și pace în lucrările lor.

Unul dintre cele mai importante aspecte ale activităților expoziționale din țara noastră îl reprezintă expozițiile, care sunt organizate ca un schimb cultural cu țările străine. Ele contribuie la întărirea legăturilor de prietenie între popoare, oferă o oportunitate de a se familiariza cu capodoperele artei mondiale. În 1960, la Ermit și la Muzeul de Arte Plastice Pușkin a avut loc expoziția „Arta Mexicului din cele mai vechi timpuri până în zilele noastre”. În 1973, la Moscova, Leningrad, Kiev a fost prezentată expoziția „Comori ale mormântului lui Tutankhamon” din colecția Muzeului Egiptean din Cairo. Expoziții de artă rusă și sovietică au fost organizate în mod repetat în străinătate (în SUA, Franța, Germania, Japonia și alte țări). Cele mai mari expoziții din colecțiile Luvru și Prado au fost expuse în țara noastră în anii 1981-1982. O contribuție importantă la dezvoltarea legăturilor culturale dintre popoarele sovietice și cele franceze a fost expoziția „Moscova – Paris” (1980-1981) la Centrul Național de Artă și Cultură. J. Pompidou la Paris și la Muzeul de Arte Plastice Pușkin din Moscova.

Indiferent dacă vă expuneți propria lucrare sau opera altor artiști, găzduirea unei expoziții este o experiență unică de îmbogățire. Deși reunind atât de multe elemente, astfel încât totul să formeze un tot coerent și, în același timp, să aibă sens, poate fi orice decât simplu. Prin urmare, atunci când organizezi singur o expoziție, este extrem de important să ai un plan de acțiune. Odată ce te-ai hotărât asupra unei teme pentru o expoziție, poți accepta cereri de la artiști interesați, poți alege un loc potrivit pentru eveniment și poți lansa o campanie de publicitate pentru a te asigura că colecția ta este văzută și apreciată de cât mai multe persoane.

Pași

Partea 1

Căutare de artă

Alegeți o temă unificatoare. O expoziție de artă bine gândită se caracterizează printr-o temă bine trasată care leagă diferitele piese împreună și dă senzația că fac parte dintr-un întreg. Gândiți-vă ce mesaj ar trebui să transmită expoziția dvs. Poate fi o imagine sau un fenomen, un sentiment sau o anumită tehnică vizuală.

Alege cea mai impresionantă lucrare. Selectează câteva dintre cele mai bune sau cele mai recente creații ale tale pentru a le afișa. Dacă organizați o expoziție individuală care ar trebui să se concentreze pe propria dvs. lucrare, veți avea nevoie de 10 până la 30 de picturi pentru a le expune publicului. Tema expoziției trebuie să fie afișată în fiecare exemplar.

Contactați artiștii locali pentru a furniza materiale pentru expoziție. Faceți câteva cercetări pentru a găsi oameni creativi în zona dvs. care ar putea fi interesați să expună la spectacolul dvs. Un efort de colaborare poate fi o oportunitate excelentă pentru mulți artiști diferiți de a-și prezenta arta la un eveniment, rezultând o selecție mai diversă și mai completă.

Lucrați prin diferite canale. Expoziția dvs. nu trebuie să conțină numai pânze și desene. Simțiți-vă liber să includeți lucrările fotografilor, sculptorilor și altor artiști figurativi. O selecție largă de lucrări va oferi cooperării o atmosferă dinamică și va aduce mai multă bucurie clienților dumneavoastră.

• Cea mai bună soluție este să preiei lucrări care pot fi înrămate, atârnate pe perete și vândute. Deși puteți invita și poeți sau muzicieni să cânte la eveniment, mai ales dacă munca lor completează tema expoziției.

Partea 2

Organizarea evenimentului

1. Decideți data și ora. Organizarea unei expoziții de artă necesită o cantitate obositoare de coordonare, așa că fiți realist cu privire la intervalul de timp pe care vi-l setați. Este o idee bună să începeți să vă planificați evenimentul cu cel puțin 2-3 luni înainte, astfel încât să aveți suficient timp să vă pregătiți. Dacă este posibil, alegeți o dată spre sfârșitul săptămânii, când mulți oameni au o zi liberă și oamenii caută lucruri de făcut în oraș.

   Rezervă un loc.Începeți să căutați un loc potrivit pentru expoziție. Cea mai evidentă soluție este să închiriezi un studio sau o galerie de artă, dar reține că alegerea nu se limitează la locațiile tradiționale de artă. Puteți întreba în restaurante, cafenele, centre culturale, biserici și centre de afaceri și puteți afla dacă ar dori să ajute la organizarea acestui eveniment.

   Evaluează-ți munca la vânzare. Scopul expoziției nu este doar de a prezenta lucrările artistului, ci și de a le vinde. Odată ce ai o expunere, merită să iei în considerare cât de mult prețuiești fiecare piesă. Încercați să stabiliți prețuri care să fie acceptabile atât pentru dvs., cât și pentru cumpărător, ținând cont de tehnica picturii, complexitatea tehnică și forța de muncă investită în realizarea acestei lucrări.

   Lasă zvonul să treacă. Spune-i celor din jurul tău că lucrezi la o expoziție. Poți să menționezi acest lucru la o întâlnire personală sau să postezi informații despre eveniment pe paginile tale de pe rețelele sociale. În unele cazuri, este posibilă cooperarea cu administrația locației - aceștia se pot asigura că știrile ajung la o gamă mai largă de vizitatori prin intermediul site-ului lor, al comunicatelor de presă și al anunțurilor oficiale.

Partea 3

Organizarea unei expoziții de succes

Întreabă pentru ajutor. Solicitați sprijinul voluntarilor, precum și ajutorul profesioniștilor: mușcători, încadratori și experți în iluminat. Împreună, va fi mai ușor să faceți față coordonării descărcării și încărcării lucrărilor, amplasarea echipamentelor și a afișajelor necesare în locul prevăzut, monitorizarea operelor de artă pentru a nu fi deteriorate sau furate. O echipă dedicată vă poate ușura povara, iar prezența lor (a echipei) asigură că evenimentul se desfășoară fără probleme.

• Pe lângă cei care se mută, este o idee bună să angajați un fotograf sau un cameraman pentru a surprinde evenimentul pe film, precum și o trupă de muzică sau un DJ pentru un acompaniament muzical discret.
• Delegați sarcini și responsabilități unei echipe de voluntari, astfel încât să aveți ocazia de a pune ultima tușă gătitului.

1. Pregătiți-vă spațiul de expoziție. Prima dvs. comandă va fi instalarea și amplasarea lucrărilor în locul desemnat. Pe baza acestui lucru, puteți regla iluminarea astfel încât fiecare lucrare să fie bine luminată și vizibilă. Imaginați-vă cum doriți ca vizitatorii să vadă și să interacționeze cu spațiul, apoi gândiți-vă la aspectul final care vă va îndeplini obiectivele.

2. • Ca și în ceea ce privește tot ce ține de expoziție, atunci când alcătuiești meniul, trebuie să ții cont de locație. Gândește-te și la ce fel de atmosferă vrei să creezi (casual sau formal) și ce fel de ținute vrei să poarte participanții tăi.
   • Galeriile de artă mai reputate acoperă uneori costul alimentelor la evenimentele mari.
• Este foarte recomandat să încheiați o asigurare de răspundere civilă pentru locația în care se desfășoară expoziția. Astfel, nu veți fi tras la răspundere dacă i se întâmplă ceva oaspete, tabloului sau încăperii în sine.
• Planificați, cumpărați, aranjați livrarea, curățarea, încadrarea și amplasarea cât mai curând posibil pentru a reduce stresul asociat cu data apropiată a evenimentului.
• Înfășurați opera de artă în folie cu bule pentru a o proteja în timpul transportului către și dinspre locație.
• Dacă nu vă este frică să vorbiți în public, țineți un scurt discurs la deschidere. Mulțumiți invitaților pentru că au venit, apoi acordați-vă câteva minute pentru a explica pe scurt tema aleasă, prezentați artiștii cu care ați colaborat și viziunea dvs. de ansamblu pentru acest proiect.
• Luați în considerare vânzarea altor produse (tricouri, genți, ace etc.) care ar putea fi de interes pentru persoanele care nu intenționează să cumpere artă originală.

Avertizări

• Asigurați-vă că îi avertizați pe viitorii vizitatori dacă expoziția prezintă teme „adulte” care nu sunt potrivite pentru spectatorii tineri.

Vizitatorul expoziției de la intrare este întâmpinat de gol

OSTAGII VOLULUI ARTISTIC

Galeria de stat Tretiakov (TG) de pe Krymsky Val.

Adresa: Rusia, Moscova, strada Krymsky Val, 10, halele nr. 39-42

Text, foto: Vladimir Chernomashentsev, HalloArt.ru

Pe 23 septembrie 2011 a avut loc expoziția „Ostatici ai Vidului. Estetica spațiului gol și „canonul gol” în arta rusă a secolelor XIX-21. Având în vedere profilul Galerii Tretiakov ca muzeu de artă plastică rusă clasică și contemporană (în sensul larg al cuvântului), trebuie recunoscut că un nume atât de conservator a fost ales bine. Un privitor obișnuit al Galeriei Tretiakov va vedea în ea un sens clasic, fără a bănui că partea principală a expoziției este alcătuită din acea direcție a artei plastice moderne, care în Occident este de obicei numită termenul de artă contemporană. În anii 80-90 ai secolului XX, Arta Contemporană a fost tradusă în rusă ca „artă contemporană”, acum se numește „artă contemporană” sau, cu oarecare dispreț, „sovrisk”. Adepții acestei tendințe folosesc acest termen pentru a reduce în mod artificial bogăția tuturor artelor plastice moderne la un singur „sovrisc”.

În 2011, Galeria Tretiakov, în căutarea modernității, a organizat mai multe expoziții contemporane. Tinerii curatori Kirill Svetlyakov și Kirill Alekseev au creat două proiecte care nu au primit recunoaștere din partea publicului. Mulți experți în piața de artă au notat câteva eșecuri pe seama Galeriei Tretiakov, care uneori încearcă să facă ceva care, evident, nu este propria sa afacere. De exemplu, Anna Tolstova, un recenzor de artă pentru ziarul KOMMERSANT, a descris munca curatorilor după cum urmează: „... Kirill Svetlyakov și Kirill Alekseev, care au prezentat deja mai multe proiecte neinteligibile în zidurile Tretyakov ...” (sursa : ziarul Kommersant, Nr. 133 (4674) din 22.07.2011).

Sunt de acord cu opinia ziarului. Voi încerca însă să folosesc cât mai mult posibil în recenzia mea cuvintele curatorilor expoziției, exprimate de aceștia într-o conferință de presă. Curatorii au vorbit atât de corect încât nu au lăsat nici cel mai mic argument pentru critici externe, precum acea văduvă de subofițer descrisă de clasicul literaturii ruse.... Îmi amintesc trei puncte cheie. Ei bine, al patrulea să fie chiar numele proiectului.

DIN LUME CU UN SIR…

Și acum, ca parte a celei de-a 4-a Bienale de Artă Contemporană de la Moscova, Galeria Tretiakov a adunat în grabă o expoziție sub un nume solid și promițător. Adunate atât de repede și neprofesionist, încât publicul nu a putut găsi în expoziție aproximativ cinci lucrări declarate în catalogul expoziției. Cu o rară excepție sub forma unui singur lucru de Rene Magritte, picturile care nu au ajuns la expoziție pot fi cu greu clasificate drept mari capodopere greu și costisitoare de adus. Cu adevărat, expoziția își ridică numele gol! Nu e de mirare că nu am găsit un titlu mai bun pentru articol, cum să repet această frază aproape literal. În locul meu, orice recenzent nu va face decât să se bucure de o expresie atât de reușită, pe care organizatorii expoziției au pus-o de bunăvoie în mâinile criticilor lor ca pe o armă lingvistică puternică. Curatorii expoziției și mulți dintre artiștii reprezentați la ea sunt adevărații ostatici ai vidului artistic al artei contemporane.

Aș risca să descopăr din nou America, începând povestea despre expoziție cu acuzațiile standard de abordare primitivă a termenului de „gol”. Nu este necesar să ai șapte intervale în frunte pentru a înțelege irelevanța completă a unei astfel de idei încât orice spațiu larg înfățișat de artist pe pânză se numește Vidul. Urmând o abordare atât de simplă, orice natură moartă rusească care înfățișează vastele întinderi ale țării noastre, potrivit curatorilor, poate fi atrasă de urechi de tema expoziției. Dar oare „Norii” de Fiodor Vasiliev”, un tablou excelent de K. Rozhdestvensky „Familie pe câmp”, sau „Noaptea fermei colective” de S. Luchishkin pot fi numite goale?! Pânzele înfățișează o mulțime de lucruri: natură, figuri umane, acțiuni și emoții. În poza lui S. Luchishkin, dacă te uiți cu atenție, poți găsi optsprezece fermieri colectivi dormind liniștiți într-un car de fân uriaș. Mâine vor avea o nouă zi de lucru. Și este puțin probabil să își pună problema golului din sufletele lor, ocupați cu munca grea țărănească.

Este posibil ca în imensa colecție a Galeriei Tretiakov, curatorii să nu găsească suficiente picturi care să fie într-adevăr în acea stare emoțională care să fie asociată cu golul sufletului uman sau cu frica de spații abandonate? În mod surprinzător... Offhand, pot oferi o mulțime de lucrări care îndeplinesc această cerință. De exemplu, unele lucrări ale artistului meu preferat Boris Kocheyshvili, ale cărui lucrări se află în colecția Galeriei Tretiakov, vor fi potrivite.

Curatorii expoziției au spus multe

ASTA A SPUS CURATORUL... ÎMPOTRIVA #1

Curatorii au finalizat cu succes o singură lucrare - au luat aproape toate argumentele posibile „împotrivă” criticilor. La o conferință de presă dedicată vernisajului expoziției, atât Kirill Svetlyakov, cât și Kirill Alekseev și-au permis la început să exprime sloganuri ciudate. Nu am avut de ales decât să notez aceste fraze și să le folosesc în recenzia mea. După cum se spune, nu scădeți, nu adăugați...

De exemplu, unul dintre ei a recunoscut că ar fi neinteresant să arăți exclusiv arta contemporană de la sfârșitul secolului XX - începutul secolului XXI. Cine s-ar fi îndoit... Tehnica, când o pictură clasică bună scoate în evidență golul artistic al expoziției principale, este departe de a fi nouă. Cu faima lor universal recunoscută, capodoperele vor ridica imaginea masei cenușii situate în cartier. Una sau două capodopere din expoziție pot face ca publicul să nu regrete vizitarea muzeului.

Dar, pe de altă parte, lucrările strâns cusute ale artiștilor din cel de-al doilea eșalon (secolul al XIX-lea - prima jumătate a secolului al XX-lea) nu fac decât să sublinieze golul artistic al clasicilor actuali ai timpului nostru. Să presupunem că, atras de astfel de tablouri, privitorul vine la expoziție. Dar oare același privitor va putea aprecia foile goale, pânzele nescrise și proiectele nerealizate cu care ne umplu încă o dată tinerii curatori? Sau nu văd ei multiplele repetiții împrumutate de la fondatorii conceptualismului?

ARGUMENT „IMPOTRIVA” №2

După cum s-a dovedit, curatorii văd totul... Mai departe, în cursul discursurilor, am avut impresia că al doilea curator îmi citește gândurile. A vorbit despre vidul observat în arta contemporană, care obligă să rescrie, să răsucească istoria artei din nou și din nou. Cine nu ar fi de acord cu o asemenea critică a tendinței actuale în arta contemporană?!

Privitorul cu experiență s-a săturat deja să urmărească cum, la 50-100 de ani după Malevici și contemporanii săi, tinerii apologeți ai „sovriscului” pentru a miliona oară „reinventează roata” sub formă de pătrate negre, albe sau colorate. Nici această expoziție nu s-ar putea lipsi de ele: se pot număra zeci, dacă nu sute, de pătrate, pătrate mici și pătrate uriașe. Foile goale de hârtie gri de Ilya Kabakov au fost, de asemenea, inventate cu mult timp în urmă. Și oricare dintre noi poate număra un număr incalculabil de proiecte nerealizate în viața noastră. Dar nu ne târâm gunoaiele ideologice în pereții Galeriei Tretiakov, așa cum a făcut Monastyrsky, un membru al grupului Acțiuni colective.

Se vede clar că stagnarea ideilor originale se observă tocmai în rândul acelor artiști contemporani care își asumă constant meritul pentru prioritatea unei idei goale față de procesul de execuție a acesteia pe pânză, marmură sau alt material. Dar în afacerea de a inventa idei noi există un vid complet. Cu un pic de săpătură în vechile albume de artă, puteți găsi cu ușurință chiar primul descoperitor și, în plus, gazdele adepților săi, care au devenit de mult faimoși și au murit pentru gloria artei contemporane. Sub hypeul media obsesiv, privitorul încearcă să strecoare artă care este departe de a fi modernă. Multe mostre de artă contemporană reală miros rău, vopseaua nu a avut încă timp să se usuce, deoarece nu sunt nici măcar al doilea, ci al cincilea sau al zecelea produs de prospețime.

După cum puteți vedea, părerea mea pentru a doua oară coincide complet cu opinia organizatorilor expoziției.

Curatorul expoziției Kirill Alekseev conduce un tur pentru jurnalişti

ARGUMENT „IMPOTRIVA” №3

Și pentru a treia oară, curatorul Kirill Alekseev m-a lovit cu judecata sa sănătoasă când a început să susțină că adevărata artă plastică nu necesită explicații și ghiduri. Potrivit acestuia, o expunere bună ar trebui construită în așa fel încât privitorul însuși să înțeleagă tot ce vrea să spună artistul sau organizatorul expoziției. Cu toate acestea, imediat după conferința de presă, curatorii Galerii Tretiakov au organizat un tur detaliat al expoziției între ei. Jurnaliştii au fost îndrumaţi de la începutul până la sfârşitul sălilor muzeului. Arătând cu degetul spre una sau alta expoziție, curatorii au mestecat cu atenție semnificația golului, pe care, în opinia lor, cutare sau cutare artist contemporan a vrut să demonstreze. Treptat, Kirill Alekseev a preluat complet inițiativa, respingând de fapt propriile cuvinte. Ghidul turistic s-a dovedit a fi destul de bun, cred.

După primul flux de vizitatori-jurnalişti, s-a putut observa al doilea flux de spectatori, de data aceasta format din invitaţi ai vernisajului. Practic, oamenii îl urmăreau pe curator într-un grup strâns, ascultând cu atenție ceea ce ar fi trebuit să înțeleagă fără cuvinte. Sau nu înțeleg limbajul artei? Presupun că așa stau lucrurile. Arta contemporană s-a transformat de mult într-o ocazie convenabilă și prestigioasă pentru o altă întâlnire a înaltei societăți. Alături de oameni celebri din domeniul artelor plastice: expoziția a fost vizitată, ca întotdeauna, de elegantul director al MAMM / MDF Olga Sviblova și comisarul Bienalei de la Moscova Iosif Bakshtein - cea mai mare parte a invitaților cu greu va putea înțelegeți diferența dintre pătratul negru al lui Malevich și pătratul negru al artistului modern, al cărui nume este puțin probabil să rămână în analele istoriei artei.

Potrivit telespectatorilor, „instalarea” unei scări goale cu o scară nu este mai rea decât o bună jumătate din exponate.

CREAREA ARTEI NOI

Așa cum se întâmplă de obicei la astfel de evenimente, după ce au văzut suficientă artă contemporană, mulți spectatori au început să privească cu suspiciune scaunele îngrijitorului, dulapurile de incendiu și alte elemente tehnice ale clădirii. Departe de a fi primul care a observat că scara albă goală care duce la etajul următor s-a dovedit a fi mai populară în rândul publicului decât unele piese de artă contemporană. Designul minimalist, simplu, dar nu lipsit de eleganță arhitecturală, a fost împodobit accidental cu o scară mare pe care muncitorii o lăsaseră pe palier. Structura singuratică din aluminiu, în care nu era nici un gram de superflu, superficial, se încadra perfect în conceptul de Vid. În fața ochilor mei, mai multe persoane s-au apropiat de scări, s-au uitat la priveliște timp de un minut sau două și au început să facă poze. Rămâne să aducem situația la capătul logic: urmând cu strictețe spiritul și litera artei contemporane, adăugați o nouă expoziție, care a durat câteva secunde. Nu este un secret pentru nimeni că în zilele noastre orice obiect poate fi transformat în obiect de artă dacă atârnați lângă el o pancartă care indică autorul, titlul lucrării și o plasați în spațiul expozițional. Și acum puteți vedea deja cum un nou vizualizator începe să fotografieze nu numai instalația, ci și tableta atașată acesteia, scrisă de mână de un curator necunoscut.

Crearea unui obiect de artă contemporană este o chestiune simplă

Mă întreb cât timp va rămâne la expoziție o instalație fără nume realizată de un autor necunoscut? Va fi păcat dacă nu pentru mult timp. La urma urmei, nu este mai rău decât o jumătate bună din setul de articole propuse de curatori. Din păcate, încercarea de a salva un alt proiect al Galeriei Tretiakov, făcând un semn de cap către artele plastice clasice, a eșuat. Un procent prea mic de lucrări demne au fost mai mult decât acoperite de picturi, instalații, obiecte mediocre și profund secundare. Totul este relativ. Datorită noii expoziții, de dragul căreia expoziția permanentă a departamentului de ultimele tendințe a fost demontată temporar, am început să apreciez mai mult ceea ce era anterior în aceste săli. Un alt proiect „danez”, executat mediocru de ostaticii golului artistic pentru Bienala de la Moscova, a arătat că golul real nu are o adâncime finită. Mediocritatea umană este nesfârșită.

Serghei Mironenko. Nu am nimic de spus în limbajul artei. Diptic, 1990. Pânză, țesătură fotografică, acrilic, imprimeu alb-negru, Galeria de Stat Tretiakov

Pictura de Serghei Mironenko „Nu am nimic de spus în limbajul artei” se află chiar la sfârșitul expoziției. Este însă un fel de laitmotiv al întregii expoziții. Timpul va spune cât de mult va interesa publicul noul proiect al Galeriei Tretiakov. Dar deja acum sunt gata să argumentez că expoziția nu va putea atrage un număr semnificativ de vizitatori. Urmărește statisticile de pe site-ul HalloArt.ru.