Depuis l'Antiquité, les plats et autres articles ménagers en céramique sont largement connus en Russie. L'une des colonies les plus célèbres de Russie, dont les habitants étaient engagés dans la fabrication de plats en porcelaine céramique, est Gjel (aujourd'hui la ville est située sur le territoire du district de Ramensky de la région de Moscou). Depuis le XVIIe siècle, et même avant, Gjel est le centre le plus célèbre pour la fabrication de porcelaine et de céramique. Les produits des artisans locaux sont distribués dans toute la Russie. Il convient de noter qu'autrefois cette ville était l'un des centres des vieux-croyants-prêtres. L'apogée de Gjel est survenue au moment de l'activité de l'Association pour la production de produits en porcelaine et en faïence M.S. Kuznetsov" à la fin du XIX - début du XX siècle.

La formation de la palette de couleurs de Gjel qui nous est familière tombe au début du XIXe siècle. Les chercheurs soulignent que depuis les années 1820, un nombre croissant de produits de Gjel étaient peints en blanc et peints exclusivement avec de la peinture bleue. Aujourd'hui, la peinture bleue est une caractéristique des produits de Gjel. La popularité de ces plats s'est avérée si grande que des produits similaires ont commencé à être créés dans d'autres régions, mais ils avaient un ornement bleu et blanc similaire. Il y a aussi eu de nombreux faux.

Les experts disent que seules les œuvres d'auteur qui ont formé le style de Gjel qui nous est familier dans les années 80 du XXe siècle peuvent être qualifiées de produits authentiques de Gjel. Ce sont les œuvres d'artistes tels qu'Azarova, Denisov, Neplyuev, Fedorovskaya, Oleinikov, Tsaregorodtsev, Podgornaya, Garanin, Simonov et d'autres. Chacun de ces maîtres appose sur le produit une signature personnelle ou un cachet de l'entreprise où il travaille. Si le maître est un employé de l'entreprise, ses produits sont transférés à l'atelier de production à des fins de réplication.

Peinture de Jostovo

Au milieu du XVIIIe siècle dans l'Oural, où se trouvaient les usines métallurgiques des Demidov, un nouveau type d'artisanat est né. Des artisans locaux ont commencé à peindre des plateaux en métal. Il est intéressant de noter que de tels ateliers sont apparus dans des villes où une grande partie de la population était des vieux-croyants, qui y ont encore des maisons de prière et des églises. Il s'agit de Nizhny Tagil, Nevyansk et Vyisk, fondées en 1722. Ainsi sont apparus les plateaux dits Tagil. Les industriels Demidovs, qui supervisaient cet artisanat, étaient très soucieux de la qualité et de la valeur artistique des produits. Afin d'éduquer et de former du personnel professionnel, ils fondent une école en 1806. Le style historique des plateaux Tagil a été créé grâce à cette école et à son professeur le plus autoritaire - diplômé de l'Académie impériale des arts V.I. Albytchev.

Des plateaux Tagil peints ont été vendus dans tout le pays. Des produits similaires ont commencé à essayer de produire dans d'autres endroits. La tentative la plus réussie a été l'organisation de la production de plateaux peints dans le village de Zhostovo, dans la province de Moscou. Les plateaux qui y sont fabriqués sont devenus célèbres dans la première moitié du XIXe siècle. Depuis lors, ce type d'artisanat a reçu le nom de "peinture Zhostovo". Jusqu'à présent, l'art de peindre un plateau n'a été conservé qu'à Nizhny Tagil et Zhostovo. La peinture est réalisée principalement sur un fond noir (parfois sur du rouge, du bleu, du vert).

Les principaux motifs de la peinture sont les suivants : bouquets de fleurs, à la fois jardin luxuriant et petites fleurs sauvages ; Paysages de l'Oural ou villes anciennes. Sur certains plateaux anciens on peut voir des gens, des oiseaux fabuleux. Les plateaux peints sont utilisés soit pour leur destination (comme samovar, pour servir le dîner), soit pour la décoration. La forme des plateaux est divisée en rond, octogonal, rectangulaire, ovale.

Miniature de Palek

Après la Révolution d'Octobre et le début de la persécution de la religion, les peintres d'icônes de Palekh ont dû chercher une nouvelle façon de gagner de l'argent. Ainsi, beaucoup se sont reconvertis en maîtres des miniatures en laque. Ce type de miniature est réalisé à la détrempe sur papier mâché. En règle générale, les cercueils, les cercueils, les capsules, les broches, les panneaux, les cendriers, les étuis à aiguilles et autres sont peints. La peinture est réalisée en doré sur fond noir. La technologie originale du siècle dernier, qui a été utilisée par les premiers artisans Palekh dans les années 1920 et 30 du 20e siècle, a été partiellement préservée.

Les intrigues caractéristiques de la miniature de Palekh sont empruntées à la vie quotidienne, aux œuvres littéraires des classiques, aux contes de fées, aux épopées et aux chansons. De nombreuses intrigues sont consacrées aux événements de l'histoire, dont la révolution et la guerre civile. Il existe un cycle de miniatures dédié à l'exploration spatiale. Depuis le début du 21e siècle, chez certains maîtres travaillant dans le style Palekh, il y a eu une tendance à revenir aux sujets de la peinture d'icônes.

La miniature Fedoskino est un autre type de peinture miniature traditionnelle en laque russe. Réalisé à la peinture à l'huile sur papier mâché. Contrairement aux miniatures de Palekh, dont les techniques provenaient de la peinture d'icônes, la miniature de Fedoskino était à l'origine formée comme une sorte d'art appliqué, d'où la manière plus «mondaine» d'écrire.

La miniature de Fedoskino est née à la fin du XVIIIe siècle dans le village de Fedoskino dans la province de Moscou. Les principaux motifs de la miniature: "troïkas", "thés", scènes de la vie des paysans. Les cercueils et les cercueils, décorés de compositions complexes à plusieurs figures - des copies de peintures d'artistes russes et d'Europe occidentale, étaient les plus appréciés.

Au XIXe siècle, la miniature Fedoskino servait principalement à des fins décoratives. Au milieu du XXe siècle, la direction de l'auteur a commencé à se développer. Les parcelles de miniatures ont commencé à se compliquer.

Khokhloma

La peinture décorative Khokhloma de Nizhny Novgorod est connue dans toute la Russie. L'artisanat est né au 17ème siècle dans le village de Khokhloma. Il est situé sur le territoire de l'ancien district Semyonovsky de la province de Nizhny Novgorod, connu autrefois pour les grands monastères Old Believer, tels que les skites Sharpansky et Olenevsky. Ce n'est pas un hasard si dans le célèbre roman d'Andrei Melnikov (Pechersky), les vieux croyants du district de Semenovsky se livrent à la fabrication d'ustensiles en bois. Ils l'ont également fait à Khokhloma. Les maîtres de Khokhloma sont néanmoins devenus connus dans toute la Russie pour leurs peintures lumineuses inhabituelles. Ils ont peint des ustensiles et des meubles en bois. Des couleurs principalement noires, rouges, dorées et parfois vertes ont été utilisées.

Afin d'obtenir la couleur dorée caractéristique de Khokhloma, les artisans locaux appliquent de la poudre d'étain argenté sur la surface du produit lors de la peinture. Après cela, ils sont vernis et cuits trois ou quatre fois au four, ce qui permet d'obtenir une couleur miel-or unique, qui donne aux ustensiles en bois clair un effet massif.

Grâce à cette technologie qui crée une couleur inhabituelle, Khokhloma est devenu populaire dans le monde entier. Les assiettes et les cuillères fabriquées dans ce style ont commencé à être perçues au XXe siècle comme un symbole des plats nationaux russes.

La peinture de Gorodets est apparue au milieu du XIXe siècle dans la région de l'ancienne ville de Gorodets, dans la province de Nizhny Novgorod. Grâce aux efforts des vieux croyants, Gorodets est devenu un centre de construction navale en bois et de commerce de pain avec une renommée panrusse. Les marchands-vieux-croyants donnèrent des sommes importantes pour la construction d'églises, pour l'entretien des hôpitaux, des orphelinats, l'instruction publique et l'amélioration de la ville.

La peinture de Gorodets est lumineuse et concise. Les thèmes principaux de la peinture sont des scènes de contes de fées, des figurines de chevaux, d'oiseaux, de fleurs, de la vie paysanne et marchande. La peinture est réalisée au trait libre avec un trait graphique blanc et noir. Des rouets, des meubles, des volets, des portes, des coffres, des arcs, des traîneaux et des jouets pour enfants ont été décorés avec la peinture de Gorodets.

C'est ce qu'il dit VS. corbeauxà propos de la peinture de Gorodets :

Le style de Nizhny Novgorod nous présente la version la plus pure de l'art pictural authentique, qui a dépassé les limites de la captivité graphique et repose uniquement sur les éléments de la peinture.

Peinture Mezen

La peinture Mezen sur bois (peinture palashchelsky) est un type particulier de peinture d'ustensiles ménagers, en particulier de rouets, de louches, de boîtes, de frères, qui s'est développée à la fin du XIXe siècle dans le cours inférieur de la rivière Mezen. Depuis l'Antiquité, ces lieux, comme tous les bords de mer, étaient habités par les Vieux Croyants. Et de décembre 1664 à février 1666, l'archiprêtre Avvakum était en exil à Mezen même. Le rouet le plus ancien avec la peinture de Mezen date de 1815.

Les motifs artistiques de la peinture de Mezen se retrouvent dans des livres manuscrits du XVIIIe siècle, réalisés à Pomorie. Les couleurs principales du tableau de Mezen sont le noir et le rouge. Les principaux motifs de l'ornement géométrique sont des disques, des losanges, des croix. L'objet peint était recouvert d'huile siccative, qui protégeait la peinture de l'effacement et donnait au produit une couleur dorée.

À la fin du XIXe siècle, la peinture de Mezen était concentrée dans le village de Palashchelye, où travaillaient des familles entières d'artisans : les Aksenov, les Novikov, les Fedotov, les Kuzmin, les Chichov. Au milieu des années 1960. La peinture Mezen a été relancée par les descendants des anciens maîtres palashchel : F.M. Fedotov dans le village de Palaschelye et S.F. et I.S. Fatyanova dans le village de Selishche. L'exposition des rouets Mezen en 2018 a été le premier événement du musée nouvellement ouvert. Gilyarovsky, dans Stoleshnikov Lane à Moscou.

La dentelle de Vologda est un artisanat russe originaire de la région de Vologda au XVIe siècle. La dentelle est tissée sur des bobines (baguettes de bois). En tant qu'artisanat distinct avec ses propres caractéristiques, la dentelle de Vologda était déjà connue aux XVIIe et XVIIIe siècles. Cependant, jusqu'au XIXe siècle, la dentelle était un artisanat domestique, elle était d'abord réalisée par des artisanes privées. Avec la popularité croissante de la dentelle Vologda, la production de produits a été lancée. Au XIXe siècle, des fabriques de dentelles sont apparues dans les environs de Vologda.

Toutes les images principales de la dentelle de couplage Vologda sont réalisées avec une tresse dense et continue de même largeur. Pour la fabrication de la dentelle de Vologda, on utilise un rouleau à coussin, des bobines de genévrier ou de bouleau, des épingles et une puce. Un matériau typique pour la dentelle de Vologda est le lin.

Les parcelles de dentelle de Vologda sont très différentes - des ornements floraux aux compositions figurées. Dans la dentelle de Vologda, vous pouvez trouver des symboles folkloriques chrétiens et anciens.

La dentelle Yelets n'est pas moins célèbre. Il est tissé sur des bobines. Ce type de dentelle trouve son origine au début du XIXe siècle dans la ville de Yelets.

La dentelle se distingue par un doux contraste entre un petit motif (végétatif et géométrique) et un fin fond ajouré.

On pense que la dentelle Yelets est plus légère et plus élégante que la dentelle Vologda.

La dentelle de Mtsensk est un type de dentelle russe tissée sur des bobines.

La dentelle de Mtsensk est apparue dans la ville de Mtsensk, région d'Orel, au 18ème siècle. Cela est devenu possible grâce au propriétaire foncier local Protasova, qui a rassemblé des artisanes de différentes régions de Russie et a fondé une manufacture - la plus grande production de dentelle en Russie à cette époque.

Une caractéristique distinctive est l'utilisation de motifs géométriques. Comparé à la dentelle Vologda, son motif est moins dense et saturé, comme le disent les experts - plus "aéré".

Au début du XVIIIe siècle, des artisanes engagées dans la fabrication de dentelles sont apparues dans la province de Viatka. Cependant, la production de dentelle n'a acquis une échelle industrielle que dans la seconde moitié du XIXe siècle. Ce commerce est exercé par des artisanes issues de paysans. En 1893, dans la colonie de Kukarka du district de Yaransky de la province de Vyatka, une école de dentellières zemstvo a été organisée. Les formes de produits sont diverses et parfois insolites : ce sont des gilets, des tresses de foulards, des cols, des serviettes aux motifs en forme de papillons, des fleurs luxuriantes, des boucles fantaisistes.

Les produits les plus intéressants de la dentelle Vyatka ont été créés à l'époque soviétique. Ces réalisations sont associées au nom de la célèbre artiste dentellière, lauréate du prix d'État Repin de Russie Anfisa Fedorovna Blinova. Ses œuvres se trouvent à la galerie Tretiakov, au Musée russe, au Fonds d'art russe, à l'Institut de recherche sur l'industrie de l'art de Moscou.

Dans les conditions de la crise économique des années 90 du XXe siècle, l'usine de dentelle située dans la ville de Sovetsk (l'ancienne colonie de Kukarka) a été fermée. Ce n'est que tout récemment, en 2012, qu'une coopérative de production d'artel "Dentelle Kukarskoe" a été créée dans la ville, renouant progressivement avec les traditions de l'ancien métier.

Châle duveteux d'Orenbourg - un châle tricoté fabriqué à partir du duvet unique de chèvres d'Orenbourg, appliqué sur une base spéciale (coton, soie ou autre matériau).

Cet artisanat est né dans la province d'Orenbourg au 18ème siècle. Les produits sont très fins, comme des toiles d'araignées, mais ils ont généralement un motif complexe et sont utilisés comme décoration. La finesse du produit est souvent déterminée par 2 paramètres : si le produit passe à travers l'anneau et s'il tient dans un œuf d'oie.

Au milieu du XIXe siècle, des châles duveteux ont été présentés lors d'expositions dans des pays européens, où ils ont reçu une reconnaissance internationale. Des tentatives répétées ont été faites, y compris à l'étranger, pour ouvrir la production de ce duvet aux besoins de l'industrie légère. Cependant, ils n'ont pas réussi. Il s'est avéré que pour obtenir un duvet aussi fin et chaud, les chèvres ont besoin de conditions climatiques plutôt rudes et d'une certaine nutrition, dont la totalité n'est possible que sur le territoire du territoire d'Orenbourg.

Au milieu du XIXe siècle, dans la ville de Pavlovsky Posad, ils ont commencé à produire des écharpes en laine avec le soi-disant motif imprimé, qui a été appliqué sur le tissu à l'aide de formes avec un motif en relief. Les châles Pavloposad sont traditionnellement des produits noirs ou rouges avec un motif floral en trois dimensions.

Dans les années 70. Au XIXe siècle, la palette de foulards qui nous est familière se forme, la gamme de foulards aux motifs floraux naturalistes s'élargit. Les artisanes préfèrent les images de fleurs de jardin, en particulier les roses et les dahlias.

Jusque dans les années 1970, le dessin était appliqué sur le tissu avec des formes sculptées en bois : le contour du dessin - avec des planches - "des manières", le dessin lui-même - avec des "fleurs". La création d'un foulard nécessitait jusqu'à 400 superpositions. Depuis les années 1970, la teinture est appliquée sur les tissus à l'aide de motifs en maille de soie et de nylon. Cela vous permet d'augmenter le nombre de couleurs, l'élégance du motif et améliore la qualité de la production.

Le point Krestetskaya (ou broderie Krestetskaya) est un artisanat folklorique qui s'est développé depuis les années 1860 dans le district de Krestetsky de la province de Novgorod, habité depuis l'Antiquité par les vieux croyants.

La ligne Krestetskaya est la broderie en ligne la plus laborieuse et la plus compliquée dans la technique d'exécution.

La broderie était réalisée sur du tissu de lin, et les fils, chaîne et trame étaient coupés et retirés du tissu, formant des lacunes, comme un filet. Ce tissu a été utilisé pour créer une variété de motifs et de broderies. La broderie Krestets était utilisée pour décorer les vêtements, les rideaux et les serviettes.

Coulée de Kasli - produits artistiques (sculptures, treillis, éléments architecturaux, etc.) en fonte et en bronze, fabriqués à la fonderie de fer de la ville de Kasli.

Cette usine a été fondée en 1749 par le marchand Old Believer Yakov Korobkov, qui est arrivé ici avec sa famille de Tula. Il était guidé par le décret de Pierre Ier, qui disait :

Il est permis à toutes et à tous, la volonté est donnée, quels que soient leur rang et leur dignité, en tous lieux, tant sur leur propre territoire que sur les terres étrangères, de rechercher, fondre, cuire, nettoyer toutes sortes de métaux et minéraux.

Sculpture "Russie" N.A. Laveretsky, moulage de Kasli, 1896

La plupart des ouvriers de l'usine étaient également des vieux croyants arrivés de différents endroits de l'Oural, où la persécution de l'ancienne foi n'était pas si perceptible.

Les traditions du moulage de Kasli - la clarté graphique de la silhouette, la combinaison de détails soigneusement finis et de plans généralisés avec un jeu énergique de reflets - se sont développées au XIXe siècle. Durant cette période, les propriétaires de l'usine attirent de nouveaux sculpteurs, artistes, ciseleurs et mouleurs de talent. Les produits de fonderie Kasli ont reçu le Grand Prix de la prestigieuse Exposition universelle des arts appliqués de Paris en 1900.

L'écorce de bouleau fendue de Shemogoda, originaire de la région de Vologda, a acquis une popularité particulière. L'écorce de bouleau, malgré son apparente fragilité, est un matériau assez solide et durable. Les artisans de Vologda fabriquent une variété de paniers, de plats, de tuesas, de bijoux et même de chaussures et de vêtements.

La particularité de ces produits est qu'un ornement floral naturel, des feuilles et des baies, des fleurs et des tiges, des animaux et des personnes sont entrelacés avec le motif traditionnel. Les motifs traditionnels de l'écorce de bouleau fendue de Shemogodskaya sont gravés sur des feuilles d'écorce de bouleau avec un poinçon émoussé et coupés avec un couteau tranchant, en supprimant l'arrière-plan. Du papier de couleur ou une autre couche d'écorce de bouleau est parfois placé sous l'ajouré; la sculpture est complétée par le gaufrage. Au 19ème siècle, ces produits s'appelaient " dentelle d'écorce de bouleau».

À l'époque soviétique, les objets fabriqués à partir d'écorce de bouleau de Shemogoda étaient considérés comme un symbole de la forêt russe et étaient très demandés par les étrangers. Parallèlement, un atelier de sculpture sur écorce de bouleau a été organisé à l'usine de meubles de Shemogodsk (région de Vologda). Et aujourd'hui, pas une seule foire russe n'est complète sans plats à base d'écorce de bouleau.

Cet artisanat russe est né chez les sculpteurs sur bois professionnels de Nizhny Novgorod. Les maîtres utilisent l'os tubulaire du bétail comme matière première principale - " tarse et corne. De plus, pour la fabrication de types de produits coûteux, des types d'os de mammouth et de morse plus rares et plus précieux sont utilisés.

La sculpture sur os de Varnavinskaya est principalement utilisée dans la fabrication de bijoux pour femmes (épingles à cheveux, peignes, épingles à cheveux, peignes, broches, pendentifs, perles, colliers, pendentifs, bracelets, boucles d'oreilles, bagues, bagues), coffrets, coffrets, stylos plume, plats décoratifs et autres souvenirs.

La particularité de ces produits réside dans l'originalité et l'individualité absolues. Chaque article est fabriqué à la main, sans gabarits ni tampons.

La sculpture Abramtsevo-Kudrinskaya est un artisanat artistique de la sculpture sur bois, qui s'est formé à la fin du XIXe siècle à proximité du domaine Abramtsevo près de Moscou.

À l'aide de cette technique, ils fabriquaient des louches, des plats, des vases et des coffrets, ainsi que tous les objets de décoration et les articles ménagers. La particularité de ces produits est la prédominance de diverses boucles, rosettes, brindilles, teinture et polissage du bois.

L'apogée de ce métier tombe sur la période soviétique - 20-40 ans. Les commandes pour les ouvriers de l'artel Kudrin "Vozrozhdeniye" sont même venues de la galerie Tretiakov. Des produits historiques et modernes fabriqués dans le style de la sculpture d'Abramtsevo-Kudrinsk ont ​​été présentés à l'exposition internationale de Paris en 1937. Après l'effondrement de l'URSS, l'usine de sculpture de Kudrinsk a été fermée. Aujourd'hui, l'artisanat est préservé grâce au travail d'artisans privés.

L'histoire du cristal Gusev a commencé en 1756, lorsque le marchand Orel Akim Maltsov a fondé la première usine de verre sur les rives de la rivière Gus dans les forêts denses de Meshchera.

La première mention du Gus volost remonte au XVIIe siècle. Lorsque la construction d'usines de verre dans la région de Moscou a été interdite en raison d'une déforestation excessive, la première usine de cristal a été construite dans le village de Gus sur la rivière du même nom, des artisans pour lesquels ont été spécialement amenés de Mozhaisk. Ainsi a commencé l'histoire non seulement de la production, mais de tout un artisanat populaire qui continue de prospérer à ce jour.

Aujourd'hui, l'usine est principalement célèbre pour son verre artistique. Les artistes Gusev, tenant compte des particularités du matériau, lui confèrent une expressivité hautement artistique, utilisant habilement la couleur, la forme et le décor.

Filigrane

Le filigrane (ou filigrane) est un artisanat de bijoux qui utilise un motif ajouré ou soudé d'or fin, d'argent, etc. sur un fond métallique. câble. Les éléments du motif en filigrane sont très divers : corde, dentelle, tissage, chevrons, chemin, surface lisse. Les éléments individuels du filigrane sont reliés en un seul ensemble par soudure. Souvent, le filigrane est combiné avec du grain - de petites billes de métal qui sont soudées dans des cellules pré-préparées (évidements). Le grain crée une texture efficace, un jeu de lumière et d'ombre, grâce auquel les produits acquièrent un aspect particulièrement élégant et sophistiqué. Les matériaux pour les produits en filigrane sont des alliages d'or, d'argent et de platine, ainsi que du cuivre, du laiton, du cupronickel, du maillechort. Les bijoux fabriqués selon la technique du filigrane sont oxydés et argentés. Le filigrane est souvent combiné avec l'émail (y compris l'émail), la gravure et la ciselure.

Les produits en filigrane étaient fabriqués dans des ateliers royaux ou monastiques. Au XVIIIe siècle, de gros produits en filigrane étaient fabriqués, ainsi que des pierres, du cristal et de la nacre étaient largement utilisés. Parallèlement, les petits objets en argent se généralisent : vases, salières, coffrets. Depuis le 19ème siècle, des produits en filigrane sont déjà fabriqués par des usines en grande quantité. Ce sont des plats chers, des ustensiles d'église et bien plus encore.

Les centres de numérisation sont aujourd'hui :

• Le village de Kazakovo dans le district de Vachsky de la région de Nizhny Novgorod, où se trouve l'entreprise de produits d'art, qui fabrique des bijoux uniques en utilisant la technique la plus ancienne de traitement artistique des métaux - le filigrane.
• Le village de Krasnoe-on-Volga, région de Kostroma, se trouve ici l'école de travail artistique des métaux Krasnoselsky, dont la tâche principale est de préserver l'artisanat traditionnel des bijoux Krasnoselsky - filigrane, émail, ciselure et plus encore.
• La ville de Pavlovo, région de Nizhny Novgorod, où se trouve l'école technique des arts et métiers populaires de Russie.

Émail

L'émail est la production d'œuvres d'art à l'aide de poudre vitreuse, émail sur un substrat métallique. Le revêtement de verre est durable et ne se décolore pas avec le temps, les produits en émail se distinguent par leur luminosité particulière et la pureté de leurs couleurs. L'émail acquiert la couleur souhaitée après cuisson à l'aide d'additifs pour lesquels des sels métalliques sont utilisés. Par exemple, les additifs d'or donnent au verre une couleur rubis, au cobalt une couleur bleue et au cuivre une couleur verte.

Émail de Vologda (Usolskaya) - peinture traditionnelle sur émail blanc. L'artisanat est né au 17ème siècle à Solvychegodsk. Plus tard, ils ont commencé à s'engager dans un émail similaire à Vologda. Initialement, le motif principal était des compositions végétales peintes sur une base de cuivre : ornements floraux, oiseaux, animaux, y compris mythologiques. Cependant, au début du XVIIIe siècle, l'émail monophonique (blanc, bleu et vert) devient populaire. Ce n'est que dans les années 1970 du XXe siècle que la renaissance de l'émail multicolore «Usolskaya» par les artistes de Vologda a commencé. La production continue à ce jour.

Il y a aussi l'émail de Rostov - un artisanat d'art populaire russe qui existe depuis le 18ème siècle dans la ville de Rostov Veliky, région de Yaroslavl. Les images miniatures sont réalisées sur émail avec des peintures réfractaires transparentes, inventées en 1632 par le joaillier français Jean Tutin.

Produits en malachite

La malachite est un minéral vert aux teintes riches qui se prête bien à la transformation. La pierre peut être du vert clair au vert noir, et le premier artisanat a plus de 10 000 ans. Les variétés denses de malachite de bonne couleur et de beaux motifs sont très appréciées et sont utilisées depuis la fin du XVIIIe siècle pour faire face à des surfaces planes. Depuis le début du XIXe siècle, la malachite est utilisée pour créer des œuvres volumétriques - vases, bols, plats.

La malachite a acquis une grande popularité en dehors de la Russie grâce aux commandes de l'Exposition universelle de Londres en 1851, préparées par. Grâce aux Demidov, depuis les années 1830, la malachite a commencé à être utilisée comme matériau de décoration architecturale: la première salle en malachite a été créée sur ordre de P.N. L'architecte Demidov O. Montferrand dans un manoir à Saint-Pétersbourg dans la rue. B. Morskaya, 43 ans. Des travaux intérieurs luxueux avec de la malachite ont été réalisés dans la cathédrale Saint-Isaac. La malachite est également utilisée pour fabriquer des bijoux. La technique du parement à la malachite s'appelle " Mosaïque russe". Il est basé sur le principe utilisé par les artisans européens pour réduire le coût des produits en lapis-lazuli au XVIIe siècle : des plaques de pierre finement sciées recouvrent la surface d'un objet en métal ou en pierre bon marché. Cela crée l'illusion de la sculpture d'un monolithe.

Les contes de l'écrivain russe Pavel Petrovich Bazhov, qui a commencé sa carrière en tant qu'enseignant dans une école du village reculé de l'Oural de Shaydurikha, habité par de vieux croyants, sont consacrés à l'artisanat de la malachite. D'eux, l'écrivain a adopté de nombreuses histoires et légendes intéressantes liées à la vie dans l'Oural et aux coutumes folkloriques de la population locale.

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"Institut d'État des arts et de la culture de Volgograd"

(GOBUK VPO VGIIK)

je mets en scène

Faculté d'enseignement à distance

Département des arts et métiers

Résumé par discipline :

Organisation et direction du PSN

sur le sujet : « Artisanat populaire et artisanat de Russie»

Terminé:

Popova E.I.

(gr. 5RSDPT FZO)

Vérifié:

Professeur

Taranov N.N.

Volgograd 2017

• Introduction
• 1. Artisanat populaire et artisanat
• 2. Types d'artisanat
• 2.1 Métallurgie artistique
• 2.2 Produits du bois
• 2.3 Tissage
• 2.4 Broderie
• 2.5 Poterie artistique
• 2.6 Feutrage
• 2.7 Peinture artistique
• 2.8 Industries du jouet
• 2.9 Traitement artistique de l'os
• 2.10 Dentelle et duvet
• Conclusion
• Bibliographie

Introduction

L'artisanat populaire est l'une des formes d'art populaire (en particulier, la fabrication d'arts décoratifs et appliqués). Les traditions de l'art populaire sont enracinées dans l'Antiquité, reflétant les particularités du travail et de la vie quotidienne, les idéaux esthétiques et les croyances d'un certain peuple. Les motifs et les images de l'art populaire ont été préservés presque inchangés pendant des siècles, étant transmis de génération en génération. Les produits des artisans populaires (céramique, tissus et tapis, produits en bois, pierre, métal, os, cuir, etc.) sont conçus avant tout pour apporter beauté et joie au quotidien. En Russie, les plus populaires étaient les céramiques de Gjel, peintes de couleurs bleues sur blanc ; jouet en argile Dymkovo; Dentelle de Vologda, peinture sur bois de Gorodets, miniatures en laque de Palekh, Kholuy, Mstyora, Khokhloma, Veliky Ustyug noircissant sur argent, etc.

Avec le développement de la production industrielle de masse, de nombreux métiers et métiers anciens sont tombés en décadence. En con. 19 - mendier. 20ième siècle sur la vague d'intérêt pour le passé national dans de nombreux pays, la renaissance de l'artisanat d'art populaire a commencé. En Russie, l'artisanat traditionnel était délibérément cultivé dans les ateliers d'Abramtsev et de Talashkino. De nos jours, les artisans travaillant dans les traditions de l'artisanat populaire créent à la fois des œuvres d'art uniques et des croquis pour la production de produits industriels de masse.

1. Artisanat populaire et artisanat

Qu'est-ce qui unit et unit l'artisanat et l'artisanat?

Le mot "artisanat" vient du latin "artisanat" (menuisier) et désignait différents types de travaux manuels. Artisanat - de "fournir", c'est-à-dire penser. Dans le dictionnaire explicatif de Dahl, "l'artisanat" était expliqué comme "l'habileté par laquelle le pain est obtenu, un artisanat qui nécessite principalement un travail corporel plutôt que mental".

Si nous laissons de côté la déclaration controversée sur le rapport du travail physique et mental, nous verrons que l'essentiel est le travail qui génère des revenus. L'artisanat s'est transformé en métier lorsque les artisans ont commencé à créer des objets sur commande et à vendre.

Lorsque certains savoir-faire et moyens d'expression deviennent habituels, une tradition émerge. Et cela se produit grâce aux efforts conjoints de différentes personnes, de sorte que la nature de l'art populaire est collective, mais cela n'enlève rien à l'importance de la créativité des maîtres les plus talentueux et les plus en quête.

Devenu massif, l'engin reproduisit le même type d'objets, mais en même temps ne perdit pas les échantillons déjà trouvés. L'artisanat a péri s'il ne générait pas de revenus, comme cela s'est produit avec l'introduction de la production en usine.

De nos jours, l'art populaire n'a pas disparu, il s'est largement déplacé vers un autre domaine, et une définition est apparue : l'artisanat d'art. Le mot "décor" signifie "je décore". La base du décor est un motif, un ornement. Appliqué - le sujet doit avoir son but. Et, peut-être, certains objets perdent déjà leur utilité, mais en même temps ils acquièrent un nouveau son - ils décorent la vie quotidienne, ce qui est également important dans le monde moderne.

Dans l'art populaire, tout d'abord, les méthodes technologiques de travail manuel, transmises de génération en génération, se succèdent. Les œuvres du travail manuel traditionnel nous apportent de nombreuses images artistiques qui relient notre époque à la culture de l'Antiquité. La nature manuelle du travail permet au maître d'improviser, d'introduire ses propres options créatives dans les formes traditionnelles, d'avoir « sa propre écriture », différente de « l'écriture » des autres maîtres.

Si dans l'industrie un artiste crée un échantillon, qui peut ensuite être reproduit par une machine en un grand nombre d'exemplaires identiques, alors dans l'artisanat d'art un maître, utilisant la forme traditionnelle d'un objet et des formes traditionnelles de décor, travaillant à la main, chaque le temps modifie plus ou moins le produit, le rendant similaire et en même temps non similaire à des objets similaires. Les produits d'art populaire, qui sont toujours fabriqués à la main, sont appréciés précisément parce qu'ils préservent la nature créative du travail d'un maître folklorique, sont une condition préalable au fait que chaque produit est une œuvre d'art unique. Par conséquent, le travail manuel dans l'art populaire ne peut et ne doit pas être supplanté par le travail à la machine. Ici, bien sûr, nous ne parlons que du travail manuel créatif, qui permet au maître interprète de varier ses produits. S'il n'a qu'à copier le modèle qui lui est donné, alors son travail n'a aucune valeur esthétique. Les améliorations techniques qui n'excluent pas la créativité de l'interprète, n'interfèrent pas avec la manifestation de la virtuosité du maître, peuvent et doivent être largement utilisées; changement dans l'art populaire. Ainsi, le tour de potier est utilisé depuis longtemps dans la céramique, un tour a été utilisé dans le traitement artistique du bois, une perceuse a été introduite dans les entreprises de découpe d'os à la fin des années 40 et les machines à coudre des classes 1 et 22A sont utilisées dans la broderie. Tous ces mécanismes aident le maître dans son travail.

L'art et l'artisanat folkloriques sont l'une des formes d'art et d'artisanat folkloriques historiquement établies, qui est une production marchande de biens de consommation artistiques avec l'utilisation obligatoire d'un travail manuel créatif. Héritier des meilleures traditions de l'art populaire, l'artisanat populaire est le centre le plus développé de la culture populaire nationale.

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2. Types d'artisanat

2.1 Métallurgie artistique

Il a déjà été dit ci-dessus que le premier type d'artisanat d'art qui a émergé comme une production indépendante était le travail du métal.

Les merveilleuses œuvres d'art laissées par les maîtres du passé témoignent de leur parfaite maîtrise de la matière, de la connaissance de ses propriétés naturelles et de la compréhension subtile de leurs capacités. La dureté, la plasticité, la structure, la couleur du métal, sa capacité à prendre certaines formes et à se COMBINER avec d'autres matériaux ont été minutieusement étudiées par les artisans et les ont incités à prendre une décision artistique.

Le traitement artistique des métaux couvre de nombreuses techniques et techniques qui permettent de réaliser une gamme d'objets inhabituellement large: les plus petits bijoux en métaux précieux et les produits monumentaux en fer et en fonte.

coulée d'art.

Le moulage artistique est l'un des types les plus anciens de traitement des métaux. Son essence réside dans le fait que le produit est fabriqué à partir de masse de métal fondu sous des formes spéciales. Sur le territoire de la Russie, le moulage artistique était déjà maîtrisé aux VIe et VIIIe siècles. Initialement, les produits coulés étaient en or, en argent et en alliages de bronze à bas point de fusion.

Des artisans de Kiev, Novgorod, Vladimir, Moscou et d'autres anciennes villes russes utilisaient cette technique pour fabriquer des doublures de ceinture, des bracelets, des boucles, des pendentifs pour colliers, des fermoirs pour caftans. Et des objets plus grands: pointes de fourreau et poignées d'épée, chandeliers, lustres, lampes, verseaux, poids de combat, richement décorés d'ornements.

Souvent, le travail de fonderie était combiné avec d'autres techniques - granulation, filigrane, gaufrage, nielle, émail. Ainsi, les larges bracelets en argent coulé avec un motif noir sont parmi les meilleures œuvres d'art de la Russie antique. La surface des bracelets Kyiv et Vladimir est recouverte des plus beaux dessins qui se détachent clairement sur le fond noir, représentant des oiseaux, des lions, des léopards, des centaures, des danseurs, des guerriers, des harpistes.

D'excellents exemples de moulage de bijoux sont les détails des reliures de livres - des hémisphères d'argent superposés - des "bavures", qui sont un tissage complexe de motifs à motifs, des images d'animaux interprétées de manière ornementale.

Un grand centre de coulée d'alliages de cuivre à la fin du XVIIe - début du XVIIIe siècle. devient la ville de Pavlovo-on-Oke.Le travail des «serruriers» de Pavlovsk, qui fabriquaient des serrures moulées aux motifs les plus complexes, se distinguait par un savoir-faire de haut niveau. Les cadenas, très souvent miniatures, ont pris la forme de figures animales, créatures de conte de fées. Ces images ont été interprétées sous des formes conditionnelles, parfois grotesques, enracinées dans la fonte de la Russie antique aux IXe-Xe siècles. Ces formes traditionnelles sont parfois utilisées maintenant dans les produits de souvenirs fabriqués par l'usine de souvenirs de Pavlovsk.

Dans la première moitié du XVe siècle. l'art de la fonte commença à se développer.

Les premiers artisans qui maîtrisaient la fonte des canons étaient des fabricants de cloches. Les canons étaient habilement décorés d'ornements, d'inscriptions, d'images d'animaux fabuleux.

Forger.Ciselure.

La technique de forgeage manuel - le traitement plastique du fer chauffé au rouge - s'est déjà développée aux IXe et Xe siècles. L'équipement du forgeron: une forge, des soufflets, des enclumes de styles variés, des marteaux et des pinces - n'a presque pas changé jusqu'à la fin du XIXe siècle. Le métal était aplati, étiré, plié, découpé - techniques de serrurerie dans la forge jusqu'au XVIIIe siècle. presque jamais utilisé.

Un grand nombre de produits de forgeron pour les besoins de l'architecture - grilles, portes, portails, balustrades et supports pour auvents - ont été fabriqués à Moscou, Kaluga, Tula, Yaroslavl, Kostroma, Vologda et Veliky Ustyug.

Dans les villes du nord de la Russie, non seulement du métal forgé architectural, mais aussi domestique a été produit. Au 17ème siècle un grand nombre de luminaires, chandeliers, écailles, coupes et autres produits ont été fabriqués. La plupart de ces objets se caractérisent par une solution de composition claire, dans laquelle la base du produit est une tige avec des branches qui ont joué un rôle constructif et décoratif. Les supports, les connexions et les supports ont été interprétés sous la forme de tiges, de feuilles, de fleurs, d'oiseaux, de têtes de cheval.

Un exemple de l'habileté des forgerons russes est les coupes forgées, sur lesquelles plusieurs pétales de spirales torsadées et progressivement décroissantes se terminent par des demi-figures de chevaux au galop - l'un des motifs picturaux préférés de l'art paysan. L'abondance de détails n'interfère pas avec l'intégrité de la perception d'une silhouette nette. Le produit démontre également l'art du soudage par forgeage, qui est utilisé dans cet article relativement petit dans plus d'une centaine d'endroits.

Lors du forgeage des charnières de porte et des plaques de verrouillage, le principe de l'écaillage a été utilisé, dans lequel les branches latérales étaient séparées des bandes centrales sous forme chaude des deux côtés, qui, à leur tour, étaient fendues et formaient de nouvelles branches. Ce principe purement forgeron a trouvé une application dans le repassage des coffres.

Le mot "chasser" vient du mot "étrangler", frapper - frapper sur du métal. Il est frappé avec un marteau dont une extrémité est arrondie et l'autre a une zone plate pour frapper la monnaie. L'extrémité travaillante de la monnaie est durcie et a une forme différente pour donner à la plaque la texture requise.

Habituellement, un chasseur avait sous la main au moins 200 pièces de monnaie portant certains noms: une pièce de monnaie avec une pointe légèrement émoussée - "kanfarnik", en forme de ciseau - "consommables", avec une plate-forme rectangulaire - "creuse", avec une sphère concave - "tube", etc. P.

Afin de ne pas déchirer le métal fin, la ciselure a été réalisée sur des matériaux plastiques: bout d'arbre, résine spécialement préparée, cire, alun et plomb.

La monnaie peut être divisée en plat et en relief, bien que les deux types aient été utilisés pour certaines œuvres. La monnaie la plus simple utilisée aux IXe et Xe siècles. Les maîtres de Smolensk et de Tchernigov consistaient en ce qu'avec divers timbres, le dessin était appliqué directement sur la surface avant de la chose. Très souvent, des tubes de chasse étaient utilisés, donnant un motif en relief à faux grain, ou des chassing-kanfarniks, à l'aide desquels le fond était recouvert de minuscules fosses. Des hryvnias, de larges bracelets, de fausses plaques ont été fabriqués selon ces techniques à Pskov, Novgorod, Souzdal.

Un type courant de poursuite est la poursuite texturée de l'arrière-plan, le noyant autour des images. Le contour du dessin a été préalablement appliqué avec une pièce consommable.

Un excellent exemple de monnayage du Xe siècle. (partiellement recouvert de noir) est un cadre en argent d'une corne de turye de près de Tchernigov. Lors de la coupe du fond, le maître a infligé plusieurs milliers de coups avec un chasseur. Une intrigue détaillée représente des chasseurs avec des arcs, des animaux ailés ressemblant à des dragons, des aigles et des chiens. La composition impressionne par le mouvement rapide des personnages, la maîtrise de leur dessin.

Aux XVe - XVIIe siècles. surtout souvent décoré de frères en relief. Les noms des bratins: à facettes, en forme de cuillère, écailleux - sont associés à des variétés d'ornement ciselé, constitués d'"écailles", de "cuillères", de "pommes", etc.

Au XVIIIe siècle. Saint-Pétersbourg est devenu le centre du traitement artistique des métaux, où en 1711 les maîtres de l'armurerie ont également été transférés. Les produits de la seconde moitié du XVIIIe siècle à Saint-Pétersbourg sont fabriqués principalement dans la technique de la ciselure et du moulage dans le style rococo. Le motif ciselé élégant et luxuriant se distinguait par une solution asymétrique, une abondance de boucles et des lignes aux courbes complexes dans les images conventionnelles de coquillages.

De nouveaux types d'art de la table apparaissent : samovars, théières, cafetières, sucriers et ensembles aux larges ornements ciselés. Des guirlandes de fleurs et de fruits, des images d'animaux marins fantastiques sont entrecoupées d'un riche motif de gaufrage.

Gravure et noircissement.

Le noircissement est réalisé en fusionnant un mélange spécial composé d'argent, de cuivre, de plomb et de soufre sur la surface des objets en argent. Le ton noir velours du motif noir se détache magnifiquement sur la surface gris-bleu de l'argent. Le noir a également été appliqué à l'or. Cette technique appartient aux types les plus anciens de finition décorative des produits d'art en Russie. Près de Smolensk et de Tchernigov, des bijoux en argent avec nielle et gravure datant du Xe siècle ont été trouvés.

Les méthodes pour révéler un motif dans les produits avec nielle sont différentes. Souvent, le niello est un fond qui met en valeur le motif en contraste, comme, par exemple, sur les produits de Kievan Rus des Xe - XIIe siècles: bracelets larges, plaques de ceinture, etc. En même temps, après le noircissement, le contour et l'intérieur le remplissage des motifs des images a été gravé à nouveau.

Parfois, le dessin de nielle interne se complique et commence à prévaloir sur le nielle de fond. Cette nouvelle technique artistique a trouvé une application dans les choses de la Russie de Vladimir-Souzdal du XIIIe siècle. Sur certains objets, tout l'arrière-plan reste brillant et le dessin gravé est rempli d'un noir riche.

Les maîtres joailliers de Moscou ont atteint le XVIe siècle. grande perfection dans l'art du noircissement. Cette fois se caractérise par une couleur noire veloutée de nielle, surtout sur une base d'or. Niello a été utilisé pour décorer des objets profanes et ecclésiastiques.

Un excellent exemple de l'art nielle de cette époque est le plat doré situé dans l'Armurerie. Sur le côté du plat, il y a un élégant motif de brouillon, dans lequel sont disposées des inscriptions en forme de rouleaux, indiquant que le plat a été fabriqué sur ordre du tsar Ivan le Terrible pour la tsarine Maria Temryukovna en 1561.

Production en filigrane (scannée).

Le nom "filigrane" vient de deux mots latins : "filum" - fil et "granum" - grain. Le mot "filigrane" vient du vieux slave et signifie "torsion", "torsion". Les deux noms indiquent la particularité de la technologie de ce type de traitement des métaux - à partir de la torsion de deux fils, une «corde» est obtenue, qui est ensuite utilisée pour la fabrication de produits en filigrane. Le fil étroitement torsadé semble particulièrement impressionnant, ressemblant à une rangée de grains densément emballés. Complété par du filigrane et du "grain", c'est-à-dire de petites boules qui rendent le produit encore plus beau.

Le filigrane est fabriqué à partir de métaux purs - or, argent, cuivre, qui ont une bonne ténacité et ductilité. Ces qualités contribuent au tréfilage et au laminage du fil, sa torsion et sa filigrane.

Les articles fabriqués à l'aide de la technique du filigrane comprennent presque toujours une granulation - des boules, parfois 5 à 6 fois plus petites qu'une tête d'épingle. Aux premières époques, les croissants d'argent étaient particulièrement richement décorés de grains. Certains d'entre eux ont soudé jusqu'à 2250 minuscules grains d'argent. Sur les boucles d'oreilles-poulains de Kiev, le nombre de grains atteint 5000. Le motif formé par le grain est un accent décoratif en dentelle scannée.

Depuis l'Antiquité, deux types d'ensembles différents ont été pratiqués : le filigrane soudé, dans lequel l'ensemble est soudé sur la base, et l'ajouré, lorsque les éléments en fil sont soudés ensemble.

Un type très courant de bijoux en filigrane de la Russie antique X - XI siècles. il y avait des anneaux de temple à trois perles. Les perles ajourées en filigrane d'or le plus fin se distinguaient par un travail particulièrement habile.

Dans la Russie moscovite, la technique du filigrane devient beaucoup plus compliquée, de nombreuses nouvelles techniques apparaissent, apportant une variété infinie à la dentelle à motifs argentés.

Un motif en filigrane fréquemment utilisé est une tige à enroulement continu avec des branches en forme de spirales couvertes de petites pousses. La tige est disposée avec un fil aplati lisse et les boucles sont disposées avec le filigrane le plus fin. Souvent, le filigrane est magnifiquement ombragé avec un émail transparent de couleur émeraude, une ligature noire.

Un excellent exemple d'artisanat en filigrane est le calice de 1449 d'Ivan Fomin. Un dessin fraîchement bouclé du filigrane le plus fin, comprenant des éléments tordus et lisses, devient ici le motif dominant; un motif dense avec des éléments du même type est librement, presque arbitrairement situé sur la surface de l'objet.

La production de numérisation a déjà repris pendant les années du pouvoir soviétique. Dans les œuvres des années 1920, l'influence des tendances Art nouveau est encore perceptible, mais le grand mérite des maîtres de l'ancienne génération est d'avoir adopté les meilleures traditions de l'art scanné russe : haute qualité et pureté du travail, capacité à utiliser diverses techniques de cette fine technique. Les bijoutiers moscovites I. K. Efimov, M. N. Firsov, A. V. Voronin ont transmis un savoir-faire remarquable à la jeune génération.

Les maîtres des années 50 A. I. Efimov, B. M. Sergeev et d'autres ont créé une nouvelle gamme de produits en filigrane pour l'artel "Moscow Jeweler" - bagues, pendentifs, broches, boîtes de toilette, qui attirent par la décoration et un haut niveau de performance technique.

L'artisanat de bijoux de Krasnoselsky est un ancien centre de production de produits métalliques artistiques, dont l'émergence remonte aux XVIe et XVIIe siècles. Les orfèvres travaillaient à Kostroma, dans les villages de Krasny-sur-Volga, Sidorovsky, Podolsky, Zdemirovo. Ils fabriquaient des frères en argent, des tasses, des salières, des bols, des pieds, des cadres d'icônes, des couvertures de livres d'église, des croix et d'autres ustensiles d'église.

entreprise d'émail.

Les premiers objets en émail sur le territoire de la Russie antique comprennent des décorations en émail champlevé, réalisées par des artisans de la région du Dniepr aux IVe et Ve siècles. Tous les bijoux du Dniepr ont été coulés en bronze doré selon un modèle en cire, sur lequel un motif simple a été imprimé.

L'émail - une masse vitreuse - a été broyé en poudre, mélangé à de l'eau et disposé sous la forme d'une pâte épaisse dans les creux. Ensuite, le produit était cuit sur un brasier et l'émail, en fondant, remplissait les alvéoles.

Les émaux cloisonnés ont apporté une grande renommée à l'art de la joaillerie russe: après avoir soudé les cloisons, l'émail a été disposé dans les cellules, cuit, puis les cloisons saillantes ont été polies à ras. Les cellules faisaient parfois des fractions de millimètre.

Aux XI - XIII siècles. en Russie, on utilisait des émaux sourds et transparents, qui avaient une riche gamme de couleurs. Dans les images de personnes, par exemple, des émaux opaques étaient utilisés pour les vêtements et des émaux transparents étaient utilisés pour les visages et les mains. Boucles d'oreilles-poulains, diadèmes, fabriqués à l'aide d'émaux cloisonnés, étaient souvent décorés d'images d'oiseaux sur les côtés de "l'arbre".

Les travaux des émailleurs de Kievan Rus peuvent être considérés comme inégalés à l'heure actuelle.

L'émail était utilisé non seulement dans les bijoux, mais aussi dans les reliures de livres. Les propriétés des émaux transparents et un fond texturé translucide, les contrastes des combinaisons de couleurs ont été utilisés avec succès dans les produits.

Le grand art de l'émail sur filigrane a été réalisé par des artisans de Moscou dans le cadre de l'icône Hodiguitria (1560 de la collection de la salle d'armes du Kremlin de Moscou). Le gracieux motif floral en filigrane de la monture est rempli d'émaux de teintes rouges et vertes, faisant écho à des taches juteuses de pierres précieuses non taillées - émeraudes, saphirs, almandines. Les émaux blancs et les grosses perles encadrant les marges du cadre sont dans un équilibre chromatique tout aussi organique. La gamme colorée délicate est caractéristique de la plupart des émaux sur filigrane de l'époque d'Ivan le Terrible.

Dans la seconde moitié du XVIIe siècle. l'art de l'émail filigrané est à son apogée.

L'émail vert transparent avec l'inclusion d'émeraude est une combinaison préférée dans les produits de décoration. Dans cette échelle, un bol de cuillère en or, conservé à l'armurerie de Moscou, est taillé. L'émail vert translucide avec un espace doré atteint ici une telle sonorité, la verrière de l'escalier, et en contraste avec eux, le pilier sculptural massif soutenant le porche, donnent au bâtiment un aspect fabuleux. Il a couronné la hutte nord avec un okhlupen - une bûche de mélèze, à une extrémité de laquelle, située plus près de la racine, la tête d'un cheval, d'un cerf, d'un oiseau a été abattue à la hache.

2.2 Produits du bois

Il y a beaucoup de richesses dans l'immensité de la terre russe. L'un des disponibles est sans aucun doute le bois. Il est disponible non seulement parce qu'il couvre la majeure partie du territoire, mais aussi en termes de méthodes de traitement. D'accord, pour certains types de traitement, vous n'avez pas besoin d'appareils et d'appareils complexes. D'où la variété des types et sous-espèces d'artisanat associés à l'utilisation du bois. Dans le passé, les sculpteurs sur bois, les charpentiers, les menuisiers russes devaient occuper beaucoup de temps avec la décoration intérieure de riches domaines, d'églises et même de palais. Des iconostases sculptées ont été conservées, qui donnent l'impression d'or. En fait, ils sont en bois et sont richement décorés de solides sculptures en relief du type sculpture de navires et de maisons, recouvertes de gesso et dorées. Les artisans russes connaissaient également bien la mode des XVIIe et XVIIIe siècles. techniques d'incrustation et de mosaïque qu'ils maîtrisaient lors de la fabrication de meubles pour les bâtiments du palais.

Sculpture sur bois.

Il existe plusieurs types de sculpture sur bois :

Filetage plat (contour, support, géométrique, etc.);

Sculpture en relief (sculpture en relief plat, sourd, Kudrinskaya, etc.);

Fil traversant (couper et scier);

Sculpture sculpturale (3D);

Sculpture de maison (peut combiner plusieurs types);

Fraisage. Traitement sur un tour, fraise;

écorce de bouleau;

Sculpture sur bouleau;

Embossage d'écorce de bouleau;

Mardi fabrication ;

Production de souvenirs (amulettes, bijoux, accessoires, jouets et images) ;

Tissage de la vigne.

écorce de bouleau.

Il y a un dicton qui dit: "S'il n'y avait pas le liber et l'écorce de bouleau, le paysan s'effondrerait." L'élasticité, la résistance à l'eau, la résistance à la pourriture et la beauté ont permis d'utiliser l'écorce de bouleau de la construction de maisons à la vaisselle, aux chaussures.

Les produits en écorce de bouleau, la vaisselle, les chaussures sont bons car ils fonctionnent comme des thermos. Ils mettent des baies, de la crème sure, du fromage cottage dans des boîtes en écorce de bouleau - le jus ne part pas, comme dans les boîtes en bois, les produits ne pourrissent pas, ne se détériorent pas.

Incruster- une technique de finition et de décoration de produits en bois, principalement des meubles, dans laquelle des éléments décoratifs en bois précieux sont découpés à la surface d'un arbre, par exemple, dans le plateau supérieur d'une table ou dans le dossier droit d'une chaise (généralement au même niveau que la surface de ce produit) une couleur différente, ainsi que de la nacre ou du métal.

La mosaïque dans le traitement artistique du bois est une technique permettant de dessiner un motif ou un motif à partir de morceaux de bois multicolores, plus précisément de morceaux de contreplaqué multicolores. Les sols du palais d'hiver, du musée du palais de Pavlovsk près de Leningrad, des musées d'Ostankino, d'Arkhangelskoye et de Kuskovo près de Moscou sont un exemple de travail de mosaïque remarquable.

Le même phénomène remarquable dans l'art décoratif populaire russe, comme la sculpture, est la peinture sur bois. Les origines de nombre de ses espèces doivent être recherchées dans l'art russe ancien. Ainsi, une comparaison des manuscrits miniatures du XVIIe siècle, qui représentent des scènes de semis, de labour, de fenaison et de pâturage, avec des peintures de genre de rouets de Permogorsk nous permet de parler non seulement de la proximité des parcelles, mais aussi des principes généraux de construction de la composition (récit et présence d'intrigues à des moments différents sur la feuille de la miniature et sur un rouet), sur la communauté coloristique, sur la proximité de la technique même de la performance. La peinture sur les rouets de Permogorye est basée sur un contour noir clair de l'image appliqué sur un fond blanc. Le dessin a ensuite été peint avec de la couleur à l'intérieur. Cette méthode de peinture est appelée graphique. Les scènes de la vie populaire: rassemblements villageois, équitation, fêtes - que les maîtres de Permogorye aimaient représenter, sont organiquement combinées avec des motifs ornementaux. Les motifs floraux avec des motifs de tapis épais couvrent non seulement les roues qui tournent, mais aussi les articles ménagers - louches, bols, plats, bacs à pain, betteraves, cruches, berceaux pour bébés.

abrsculpture amtsevo-kudrinskaya.

À la fin du XIXe siècle, dans la région de Moscou, près de l'artisanat de Bogorodsk, un autre artisanat artistique est né - la sculpture sur bois d'Abramtsevo-Kudrin.

L'émergence de l'artisanat est associée à l'organisation en 1884 d'un atelier de menuiserie à Abramtsevo, l'un des lieux pittoresques de la région de Moscou. Avant cela, le célèbre «cercle Abramtsevo» a été créé ici, dans lequel I. E. Repin, V. A. Serov, I. I. Levitan et de nombreux autres artistes exceptionnels du siècle dernier se sont unis et ont travaillé fructueusement pendant plusieurs années.

L'atelier était dirigé par l'artiste E. D. Polenova. Les artistes employés dans l'atelier ont montré un grand intérêt pour l'art décoratif populaire russe, pour l'architecture russe ancienne. De voyages dans le nord de la Russie, ils ont apporté des échantillons de broderies folkloriques, des objets en bois décorés de sculptures et de peintures et des jouets en argile. Ils ont également collecté des échantillons d'art populaire dans les villages environnants près de Moscou. Ils ont eux-mêmes essayé de créer des échantillons de meubles, de plats et d'ustensiles dans la nature de l'art populaire paysan. Selon les dessins d'E. D. Polenova, les sculpteurs - habitants des villages environnants qui travaillaient dans l'atelier, ont commencé à fabriquer des meubles, des cercueils, des étagères, des coffres décoratifs, etc. Dans les produits de décoration, la technique du trièdre du nord à encoche et à plat la sculpture était principalement utilisée. , fabriquées à l'atelier, étaient très populaires en raison de la mode à la fin du 19e - début du 20e siècle. style "sous l'antiquité russe". L'étude de l'art décoratif populaire dans ces années ne faisait que commencer. Le nombre de monuments dans les collections des musées était très limité et ne permettait pas de sentir la versatilité de l'art populaire, de comprendre les schémas artistiques de son développement. Par conséquent, lors de la création de leurs propres échantillons, les artistes de l'atelier d'Abramtsevo ont fait des erreurs de calcul inévitables pour leur époque.

Des images de silhouettes de chevaux, de cavaliers, d'oiseaux et plus tard des scènes de genre ont été égayées par des traits de chaux - des «animations» qui dessinent des détails et rendent les images en trois dimensions. Le début pictural triomphe clairement du graphisme de l'animation, les couleurs locales de la peinture, car toute leur décoration et leur luminosité, en règle générale, sont subtilement harmonisées et bien assorties, ce qui indique les capacités coloristiques incontestables des maîtres.

2.3 Tissage

Autrefois, presque toutes les femmes savaient tisser, car sans ces compétences, la famille n'aurait pas pu vivre. Par conséquent, ce n'est pas en vain que la cérémonie de mariage comprenait nécessairement un élément de transfert de «cadeaux» aux proches du futur mari, et le plus souvent il s'agissait de toiles réalisées par la mariée elle-même.

L'ère de l'industrialisation a pratiquement mis fin à cet artisanat. Actuellement, les traditions de tissage sont soutenues par de nombreux passionnés dans les centres artisanaux. Aujourd'hui, l'intérêt pour le passé s'est accru et il existe une forte demande au sein des sociétés de reconstruction historique militaire. De plus, en utilisant les mêmes technologies, les artisanes modernes tissent de magnifiques tapis, qui ont leur propre demande.

Tissage de tapis.

Le tissage de tapis à la main est l'un des types d'artisanat les plus répandus et les plus intéressants. Tant dans l'Antiquité qu'à l'heure actuelle, les tapis ont été et sont largement utilisés dans la vie quotidienne. Les tapis sont utilisés pour décorer l'intérieur, pour identifier et organiser l'espace architectural interne. A côté du tapis, les propriétés esthétiques d'une grande variété de choses sont révélées d'une manière particulière. Le tapis peut rehausser ou étouffer leurs qualités décoratives dans l'ensemble de décoration de la pièce.

La vocation artistique du tapis est étroitement liée à sa fonction utilitaire. Ils l'accrochent au mur, ils clôturent une partie de la pièce, recouvrent le sol, recouvrent les meubles. Le doux tissu de laine du tapis aide à maintenir la bonne température dans la maison : chaude en hiver, fraîche en été. Il étouffe les bruits extérieurs.

Dans le tapis, comme dans toute œuvre d'art et d'artisanat, le monde spirituel de la personne qui l'a créé se reflète. La structure ornementale du tapis, ses couleurs, ses schémas de composition incarnent la tradition séculaire de la culture artistique nationale, expriment l'esprit du peuple et ses idées de beauté.

L'interprétation des motifs picturaux dans les tapis paysans russes a été schématisée, diverses combinaisons des figures géométriques les plus simples ont été utilisées. La palette de couleurs de ces tapis était basée sur une comparaison de couleurs vives. Des teintures végétales étaient utilisées pour teindre le fil. Il y avait peu de couleurs de fil : rouge, bleu, vert, jaune, noir. Mais, en utilisant leurs combinaisons, les artisanes russes ont obtenu un grand effet artistique - sonorité des couleurs, harmonie dans les dessins.

L'abolition du servage en 1861 a donné à la Russie l'opportunité de suivre rapidement la voie du développement capitaliste. Après la réforme, les établissements de tapis des propriétaires ont été privés de main-d'œuvre servile et la production de tapis y est devenue non rentable pour leurs propriétaires. De la seconde moitié du XIXème siècle. le tissage de tapis est particulièrement développé chez nous, prenant la forme d'une production artisanale de tapis destinés à la vente, en particulier dans les régions du sud de la Russie et de la Sibérie occidentale du pays. Ici, dans les villages, il y avait beaucoup de maîtres tisserands de tapis, la laine était moins chère et les produits de tapis étaient vendus par la population locale. Vers la fin du XIXème siècle. non seulement des familles individuelles, mais aussi des comtés et des villages entiers ont commencé à fabriquer des tapis.

Au début du XXe siècle. deux domaines principaux de production de tapis artisanaux ont été formés, qui ont connu leur développement à l'époque soviétique et sont des centres traditionnels de l'art du tapis russe. Le centre du tissage de tapis non pelucheux était la province de Koursk et ses environs. Le tissage de tapis à poils a commencé à se développer intensivement en Sibérie occidentale et dans l'Oural.

2.4 Broderie

La broderie est l'un des types d'art populaire les plus courants. L'art de créer des motifs sur des tissus à l'aide d'une aiguille et de fils est connu depuis l'Antiquité. Ce travail difficile mais fascinant a accompagné la femme russe toute sa vie. Débutant jeune fille pour se constituer une dot, elle apprend dès son plus jeune âge les secrets de l'artisanat. Pour le mariage, chaque fille avait des vêtements de tous les jours et de fête, le nombre requis de dessus de table (nappes), de cantonnières et de serviettes qui servaient au quotidien ou étaient des décorations pour la maison en vacances, des dizaines de mètres de toile. Pour faire des vêtements pour mari et enfants. Tous les éléments inclus dans la dot étaient brillants et décoratifs, et la broderie y jouait le plus souvent le rôle principal. Les vêtements de fête des femmes ont toujours été les plus frappants, en particulier chez les jeunes femmes récemment mariées. Leurs chemises, tabliers, sarafans flamboient de motifs tissés, brodés et imprimés.

De plus, chaque fille a préparé des serviettes colorées spéciales, qu'elle a présentées lors du mariage aux invités d'honneur. La mariée avait jusqu'à 80-100 de ces serviettes-cadeaux pour le mariage.

Au début du XXe siècle. La grande majorité des paysannes maîtrisaient l'art de la broderie, et dans la ville on pouvait trouver de nombreuses artisanes qui cousaient et brodaient tout le nécessaire pour leur famille. Par conséquent, ce type d'art populaire, en plus de la broderie d'or, est resté longtemps dans le cadre de l'artisanat domestique. Et seulement à partir de la seconde moitié du XIXème siècle. l'artisanat de la broderie commence à se développer : les artisanes commencent à broder pour la vente, le plus souvent pour un acheteur de la ville.

2.5 Poterie artistique

Le mot "céramique" vient du grec "keramos" - argile. La céramique trouve des applications dans l'industrie électrique, la construction, la chimie, la médecine, l'architecture et la fabrication d'ustensiles ; le rôle de la céramique dans la fabrication de produits d'art est grand.

Les produits céramiques n'ont pas peur de l'humidité et des influences atmosphériques, c'est pourquoi l'histoire a conservé des exemples d'art céramique (parfois en fragments et fragments) des plus anciennes figurines magiques en argile aux produits en porcelaine la plus fine, exceptionnels par leur valeur artistique.

Les plus anciennes trouvailles de vases en céramique nous montrent également les premières tentatives de les décorer : décors primitifs sous forme de petits trous déprimés, rayures ondulées en relief, etc.

Les céramiques artistiques sont des produits d'art à partir d'argiles et d'autres masses minérales, dont l'un des composants est l'argile, à la fois monumentale et appliquée. La céramique monumentale comprend des panneaux architecturaux, des mosaïques, des sculptures, des céramiques de jardin et de parc. Plats en céramique, vases, pots de fleurs, petits plastiques - objets d'art et d'artisanat.

À l'heure actuelle, l'artisanat artistique de la céramique de la Fédération de Russie représente une branche assez étendue de l'industrie locale avec ses propres spécificités et son orientation artistique et stylistique. En eux, comme dans d'autres types d'artisanat, il est possible de distinguer les entreprises qui préservent et développent les traditions artistiques de cet artisanat, qui se sont développées dans un passé lointain, et les entreprises nouvellement formées à orientation artistique et stylistique, qui ont été formées à l'époque soviétique.

2.6 Feutrage

Les prédécesseurs les plus anciens des bottes en feutre ont été découverts par des archéologues de l'Altaï dans des couches du 4ème siècle avant JC. Les habitants des territoires asiatiques portaient des chats feutrés, chuni, kengi avec un haut en tissu ou sans haut du tout. En Russie seulement au XVIIIe siècle. les artisans des provinces de Nizhny Novgorod et de Yaroslavl ont inventé "pima", "benne", "fil enroulé". Fin XIX - début. Depuis le XXe siècle, les chaussures feutrées deviennent de plus en plus courantes et deviennent les principales chaussures d'hiver des paysans russes en Russie européenne (à l'exception de l'Extrême-Nord et du Sud-Est) et concurrencent les chaussures en fourrure de la population russe de Sibérie.

Les maîtres dans la fabrication de bottes de feutre (ou de fer laminé) étaient appelés katali ou rouleaux. Les premiers artels de rouleurs - généralement des parents ne dépassaient pas trois ou quatre personnes. Après s'être installés dans une cabane spacieuse, ils ont d'abord confectionné des chaussures pour la famille d'accueil, puis pour d'autres clients. Le travail d'un rouleur est très dur et nocif, car. dû travailler dans une humidité torride. Les premières bottes en feutre ont été fabriquées en deux étapes: d'abord, des chats feutrés bas ont été fabriqués, puis les hauts leur ont été cousus. Bientôt, ils se sont tournés vers la fabrication de bottes entièrement, sur un bloc.

Le feutrage est censé être arrivé dans la région des Yelets il y a environ 200 ans en provenance de la province de Riazan. La complexité de la production (spécificités des matières premières, savoir-faire de fabrication, disponibilité des outils, des locaux, etc.) limite le nombre de personnes impliquées dans l'artisanat du feutre. Étant artisanale, l'industrie du feutrage Yelets n'avait pas de base de production permanente. A la fin du XIXB. à Yelets, environ six ateliers de feutrage de laine relativement importants étaient connus. Après la Révolution d'Octobre 1917, ces établissements sont transformés en artels.

À l'heure actuelle, Yelets Shoe-Filting Factory LLC opère à Yelets, produisant de deux à cinq mille paires de bottes en feutre par saison. La qualité des bottes Yelets est de plus en plus connue et très appréciée sur le marché. Certains spécimens sont ornés de broderies, passementerie, perles. Les artisans Yelets fabriquent également des bottes miniatures en feutre souvenir.

2.7 Peinture artistique

Depuis l'Antiquité, la Russie est célèbre pour sa porcelaine et l'art de la peinture artistique. Il y avait même différentes écoles et directions de ces métiers folkloriques:

Gjel est le nom de la porcelaine avec une élégante peinture bleue sur fond blanc. Ce nom vient du nom de la région près de Moscou. La poterie existe ici depuis le début du XIVe siècle. La céramique de Gjel est connue et appréciée dans le monde entier.

La peinture Zhostovo (d'après le nom d'un village près de Moscou) est une peinture à l'huile décorative sur des plateaux métalliques, puis vernis : fleurs et fruits, remplis de couleurs vives sur fond noir.

La miniature de Palekh (d'après le nom du centre régional de la région d'Ivanovo) est le nom de la peinture sur papier laqué en papier mâché. Coffrets et coffrets avec folklore domestique, sujets littéraires, historiques, religieux, réalisés dans des couleurs vives sur fond noir. L'art de la miniature en laque de Palekh remonte au XVe siècle. Au départ, les artistes peignaient des icônes. L'ancienne technologie de la peinture est transmise de génération en génération.

Khokhloma est peint à la main sur du bois. Ce métier a plus de 300 ans. Tasses, salières, chaises, étagères - peintes de fleurs écarlates ardentes extravagantes. Le secret de ces produits est qu'ils sont vernis deux ou trois fois, puis trempés au four. En conséquence, la laque jaunit et les tasses en bois peintes ressemblent à de précieux plats dorés.

Lubok - Images folkloriques russes créées par impression sur papier à partir d'un bloc de bois. Vendus dans les foires dès le XVIIe siècle jusqu'au début du XXe siècle, ils étaient considérés comme le type d'art le plus massif de Russie. Le sujet des images folkloriques est très diversifié: il couvre des thèmes religieux et moralisateurs, des épopées folkloriques et des contes de fées, historiques et médicaux, nécessairement accompagnés d'un texte instructif ou humoristique, racontant les coutumes et la vie de cette époque, contenant la sagesse populaire et l'humour .

2.8 Industries du jouet

Parallèlement à la poterie, où les artisans étaient harcelés par la fabrication de plats, dans de nombreuses régions de Russie, il y avait des centres spécialisés dans les jouets en argile. Ces industries comprennent Dymkovo. Le nom de l'artisanat vient de la colonie de Dymkovo, située dans la banlieue de la ville de Viatka (aujourd'hui la ville de Kirov), où la population locale a longtemps sculpté des jouets en argile.

Les jouets ont été moulés par les habitants de Dymkovo Sloboda à partir d'argile rouge locale, séchés, cuits dans des fours russes, puis peints avec des peintures diluées sur un œuf sur un fond crayeux, utilisant parfois des feuilles d'or pour finir les détails.

Les plus anciens sont les jouets et les sifflets animaliers. Chevaux à une et deux têtes, coqs et canards - tel est l'assortiment initialement pauvre de jouets Dymkovo. Apparaissent des figures de cerfs, d'ours, de béliers, de vaches, de chèvres... Les premiers jouets se caractérisent par des formes généralisées, voire quelque peu archaïques. L'envie de récit quotidien, à laquelle les artisanes s'acharnaient de plus en plus, a donné lieu à des intrigues de contes de fées: un ours - une nounou berçant un enfant; l'ours est un musicien jouant de la balalaïka.

Une place importante dans le jouet Dymkovo est occupée par un groupe de poupées, les soi-disant dames et infirmières. Le volume principal de ces figurines était moulé sans partage - une jupe en cloche, des poses frontales immobiles. La coiffure, la coiffure, les détails de la toilette (perles soigneusement façonnées, rubans) sont rendus un peu plus en détail.

Le développement ultérieur du jouet Dymkovo est allé dans le sens du renforcement du principe pictural. Les scènes de genre étaient réalisées à partir de figurines. Mesdames et messieurs marchent par paires, des nounous marchent avec des enfants, un chasseur avec un chien revient avec une proie, etc. Dans des scènes de groupe séparées, les figures de personnes et d'animaux sont dotées de traits plus spécifiques. Cependant, comme auparavant, dans de nombreuses sculptures, les poses frontales sont observées et les personnages ne sont pas liés les uns aux autres sur le plan de la composition. Parmi les jouets de genre, il existe des scènes complexes à plusieurs personnages. Ils ressentent le mouvement entourant le paysage, pourtant transmis de manière très conditionnelle et naïve. Ce sont des scènes représentant un rendez-vous entre une dame et un monsieur, dansant, buvant du thé, une promenade, à cheval depuis les montagnes, une compagnie de vacanciers et de musiciens dans un bateau. Aux scènes urbaines s'ajoutent des épisodes de la vie paysanne : traire une vache ; porcelets nourrissant des porcelets; fille élevant des oies. Ici, le désir des artisanes d'unir les figures avec une action commune est perceptible, pour les donner en perspective, en mouvement, les figures ont des jambes-colonnes, pour la stabilité elles sont placées sur des supports ronds, cette technique est clairement empruntée à plastiques en porcelaine.

La fête et l'élégance caractéristiques du jouet Dymkovo sont obtenues principalement par la peinture. C'est la peinture qui détermine en grande partie l'originalité et l'individualité du jouet Dymkovo. On peut dire que la couleur modèle la forme, l'enrichit.

Le caractère décoratif du jouet est souligné par un fond blanc, obtenu en blanchissant les jouets à la chaux avec de la craie diluée dans du lait.

La base de la peinture de Dymkovo est l'ornement géométrique le plus simple, composé de cercles, d'ovales, de lignes droites, ondulées et en zigzag. Ces éléments géométriques, tantôt se touchant, tantôt se rapprochant, créent un motif ornemental multicolore. Le gamma de la peinture est lumineux et ouvert. Il est construit sur le contraste des couleurs : le bleu et le jaune, le cramoisi et le vert, le noir et le blanc, le bleu, le rose, le marron et d'autres couleurs sont également utilisés.

Vers la fin du XIXème siècle. Dymkovskaya a été progressivement remplacée par une sculpture en plâtre bon marché.

Une véritable reconnaissance et une renommée mondiale sont venues à la pêcherie de Dymkovo déjà à l'époque soviétique.

Un énorme mérite dans la renaissance de l'artisanat appartient à l'artiste A. I. Denshin. Dans les années 1920 et 1930, il a mené de sérieux travaux de recherche sur l'art des jouets Dymkovo, il a écrit un certain nombre d'ouvrages sur l'histoire et les caractéristiques artistiques de l'artisanat traditionnel. AI Denshin a été pendant de nombreuses années le directeur artistique de l'atelier Dymkovo. Il a consacré beaucoup d'efforts et de travail à la vulgarisation de l'art des artisanes de Dymkovo en organisant des expositions, des apparitions dans la presse, en rassemblant des collections de musées de jouets des meilleures artisanes - A. A. Mezrina, E. A. Koshkina, E. I. Penkina, O. I. Konovalova, E. I. Koss- Denshina et d'autres.

Elle a toujours traité le jouet traditionnel avec beaucoup de soin, le connaissait bien et travaillait à son amélioration. L'artiste était plus enclin à la peinture fine et harmonieuse.

Aujourd'hui, le jouet Dymkovo a cessé d'être un jeu d'enfant. C'est une merveilleuse sculpture décorative qui s'intègre facilement à l'intérieur d'une maison moderne. Il nous plaît avec élégance et DÉCORATION, expressivité et originalité, étant une particule d'art populaire vivant.

Un autre centre traditionnel de production de jouets en argile s'est développé dans le village. Filimonovo, district d'Odoevsky, région de Toula

Des jouets en argile sont fabriqués dans cette ancienne zone de poterie depuis le milieu du XIXe siècle. Ils ont sculpté des jouets à partir d'un morceau entier d'argile, contrairement aux jouets Dymkovo, qui étaient fabriqués en plusieurs parties. Au début, l'artisane a fabriqué un garrot à partir d'un morceau d'argile et en a «tiré» la forme conçue. S'il était censé mouler une dame ou une nounou, le garrot se transformait en jupe conique, puis il passait dans le torse, les bras, le visage et se terminait par une coiffe, généralement en forme de petit chapeau plat. Si la figurine d'un soldat a été conçue, alors ils ont pris deux garrots; des jambes en furent sculptées, puis la silhouette entière et, enfin, une coiffe haute, également légèrement aplatie. Ces coiffes froissées sont l'une des caractéristiques des jouets Filimonov.

Les jouets finis ont été séchés dans un four chauffé. Ils ont peint avec des peintures à l'aniline bon marché diluées sur un œuf.

Les jouets Filimonovo se caractérisent par des proportions allongées, ce qui peut s'expliquer par la propriété de l'argile locale à rétrécir rapidement pendant le séchage et à former des fissures. À la suite d'un lissage supplémentaire, les jouets ont acquis des formes allongées.

Le thème des jouets Filimonovo ne va pas au-delà des parcelles de figurines et de sifflets en argile ordinaires, qui ont été fabriqués à différents endroits en Russie. Ce sont des dames-nounous, des soldats, des cavaliers, divers animaux et oiseaux : chevaux, cerfs, béliers, ours, coqs, etc.

Presque tous les jouets étaient des sifflets en même temps. Des dispositifs pour émettre un sifflet étaient disposés dans le corps des animaux et des oiseaux ou insérés sous les bras de figures humaines sous la forme de petits oiseaux - poulets, canards.

En termes de forme, les jouets de Filimonov sont très généralisés, les artisanes n'ont jamais modelé les visages, les mains des gens, elles ont sculpté des figures animales de la même manière générale.

La chose la plus remarquable à propos des jouets Filimonovo est la peinture - lumineuse, élégante, principalement en deux couleurs; il a été fait au pinceau en fines rayures transversales sur tout le corps des figurines.

Le plus ancien artisanat d'art populaire russe est Bogorodskaïa Sculpture sur bois.

L'émergence de l'art des sculpteurs de Bogorodsk remonte aux XVIe-XVIIe siècles, lorsque, sous l'influence d'artisans de la Trinité-Sergius Lavra, divers métiers ont commencé à se développer, y compris la production de jouets. Pour l'amusement du tsarévitch Alexei, le fils de Pierre Ier, les jouets «Forgerons», «Crossing chèvres», «Gaillet sur une roue», etc. ont été achetés ici.

L'apogée de l'artisanat du jouet dans les villages et villages situés à proximité de Sergiev Posad (aujourd'hui la ville de Zagorsk) remonte à la fin du 18e - début du 19e siècle. Cependant, compte tenu du fait que les jouets en bois n'étaient pas entretenus et que leur collecte a commencé relativement tard, seuls quelques exemplaires de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle nous sont parvenus. Les collections du musée contiennent des poupées hussards pimpantes avec un pardessus jeté sur les épaules, en shakos et en uniformes, des poupées-dames avec des acariens sur leurs chapeaux et des parapluies à la main. Les images de paysans exécutant divers types de travaux, de musiciens ruraux, de sculptures animales sont expressives. Tous sont expressifs en plastique, empreints d'humour.

Une observation aiguë a également marqué les figures aux couleurs vives des soi-disant « bagatelles chinoises », représentant des moines, des dames, des dandys, des soldats, des vendeurs de tartes, des femmes de chambre.

Les produits des sculpteurs de Bogorodsk se sont toujours distingués par la précision des caractéristiques figuratives, la perfection des compétences d'interprétation.

La fabrication de la sculpture-jouet de Bogorodsk commence par la division d'une partie du tronc d'un tilleul ou d'un tremble en cales trièdres avec une hache. La forme et la taille de la cale sont déterminées par la composition de la sculpture que le maître avait l'intention de sculpter. Avec une hache, les contours principaux de la future sculpture, les jouets sont « piratés », son mouvement est esquissé. Ensuite, avec un jeu de ciseaux, l'excédent est enlevé et la forme est élaborée. L'image plastique du produit est complétée par un couteau «Bogorodsky» pointu et droit, magistralement manié par les sculpteurs. Les mouvements des artisans qui créent des jouets et des sculptures en bois sont bien équilibrés, il n'y a rien de superflu ou d'accidentel en eux. Rapidement et rythmiquement, le couteau touche le bois tendre, complétant le modelé sculptural de la forme. L'expressivité de la sculpture de Bogorodsk est étroitement liée à ces mouvements raffinés et rythmés de la main du maître.

La technique de la sculpture rapide au volant nécessite une approche particulière de l'interprétation de l'image, dont l'expressivité dépend en grande partie de la sélection par le maître des détails les plus importants et caractéristiques. Dans les compositions des meilleures sculptures de Bogorodsk, la sensation de masse d'un morceau de bois est préservée.

Les artisans montrent leur amour pour le bois en tant que matériau de haute valeur artistique en ne peignant ni ne teintant la plupart des produits avec de la teinture, préservant ainsi le ton clair du bois.

Un exemple classique de la sculpture traditionnelle de Bogorodsk est les célèbres "forgerons", qui sont devenus une sorte de symbole du commerce de Bogorodsk, révélant clairement les possibilités plastiques de la sculpture sur bois de Bogorodsk. Ce jouet attire l'attention non seulement avec une intrigue divertissante et le mouvement des personnages, humour chaleureux, personnages typiques, laconisme de la plasticité expressive, qui vaut le savoir-faire traditionnel de plus d'une génération de sculpteurs de Bogorodsk. Depuis l'Antiquité, le thème principal du travail des sculpteurs de Bogorodsk est la vie paysanne. « Troïka », « Scieurs », « Paysan jouant de la flûte », « Paysan en chasse », etc. - les scènes les plus courantes.

2.9 Traitement artistique de l'os

Le traitement artistique des os a des traditions anciennes. Les recherches archéologiques menées par des scientifiques soviétiques ont permis de découvrir un certain nombre de monuments intéressants du traitement artistique des os, réalisés il y a plusieurs siècles.

La dureté de l'os a permis aux artisans d'utiliser la sculpture ajourée à fentes; sa plasticité a permis de réaliser un modelage doux des reliefs et des formes sculpturales. La brillance de la surface polie du matériau, ses subtiles nuances de couleurs ont donné une beauté particulière aux choses créées.

Divers types d'os étaient utilisés pour fabriquer des objets d'art : défenses d'éléphant, défenses de mammouth, défenses de morse. Les défenses d'éléphants, en particulier celles qui avaient de la valeur, étaient importées d'Orient ; des défenses de mammouth ont été trouvées dans le pergélisol de Sibérie, de Yakoutie et de Tchoukotka ; le morse a été battu dans les mers du nord. Ces types d'os précieux, de structure similaire, différaient par leurs nuances de couleur, leur éclat et leur texture. L'ivoire de mammouth a un ton jaunâtre chaud et une texture en micro-maille. L'ivoire de morse est de couleur plus claire et plus froide, contrairement à la défense de mammouth, il a un intérieur cellulaire, ce qui réduit quelque peu la possibilité de créer des produits artistiques.

En plus de ces types d'os précieux, un simple os animal (tarse) a longtemps été utilisé. Il n'a pas des propriétés aussi merveilleuses que les défenses de mammouth et les défenses de morse. La forme tubulaire, la couleur blanche inégale, la surface mate - tout cela limitait les possibilités de création de produits artistiques. Cependant, les artisans folkloriques ont trouvé une variété de techniques artistiques intéressantes pour le décorer.

La corne animale a également été utilisée, qui possède des qualités telles que diverses nuances de couleur, translucidité, douceur et plasticité. Des tabatières en corne, des peignes, des épingles à cheveux ont été fabriqués. Les peuples du Nord utilisaient la corne de cerf pour la fabrication de manches de couteau, de flacons à poudre, de pièces de cerf et de harnais pour chien.

La technique de traitement de l'os est variée, y compris le tournage et la composition, tridimensionnel, ajouré, la sculpture en relief, la gravure (colorée et incolore), l'incrustation de morceaux d'os colorés, de bois, ainsi que la coloration d'un simple os d'animal de différentes couleurs ( principalement vert, marron ). L'os se marie bien avec d'autres matériaux - bois, métal.

Le traitement osseux moderne implique l'utilisation d'une perceuse, principalement dans les opérations auxiliaires. Le reste du travail des artisans est fait à la main avec des outils spéciaux en métal, ce qui nécessite certaines compétences acquises dans des institutions artistiques spécialisées.

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Artisanat ancien: 5 lieux sur la carte de la Russie

Sculpter un jouet en argile, tisser des souliers en tilleul ou peindre un plateau ? Nous vous invitons à une visite virtuelle des villes et villages, où les traditions de l'artisanat populaire sont héritées. Découvrez des métiers uniques et #se reposer enRussie.

Sloboda Dymkovo (ville de Kirov) - sifflets pour "sifflet dansant"

Jouet Dymkovo

Peinture d'un jouet en argile Dymkovo

Jouet Dymkovo

Il y a plus de 400 ans, dans la colonie de Dymkovo (aujourd'hui - un microdistrict de la ville de Kirov), les premiers jouets de cérémonie - des sifflets sont apparus. Ils ont été fabriqués à partir d'argile rouge et de sable de rivière pour le "pandémonium" des vacances de printemps. Ainsi, l'un des plus anciens métiers d'art de Russie est né à Dymkovo. Les jouets Dymkovo ont acquis leur apparence familière au XIXe siècle: ils ont commencé à être peints avec des motifs colorés caractéristiques.

Les touristes viennent généralement à Dymkovo en été ou en automne : des inondations printanières se produisent ici. Dans la "Vyatka Venise", comme les habitants appellent la colonie, des festivals, des concours, des concerts, ainsi que des master classes de modelage et de peinture de jouets sont organisés. Fin août, les habitants de Dymkovo célèbrent le jour de Spasov - la principale fête de la colonie.

Le musée "jouet Dymkovo" travaille à Kirov. Les visiteurs du musée peuvent apprendre l'histoire de l'artisanat ancien, rencontrer des artisanes et sculpter avec elles de célèbres figurines en argile.

Le village de Korovino (région de Vladimir) - plats de "pâte d'argile"

Ware avant cuisson, moulée par le maître V.V. Karavaev du village. Korovino, district de Melenkovsky, région de Vladimir. Photo par A. G. Kuleshova. 2010

Céramique Melenkovskaïa. Pots pour les seconds plats, fabriqués dans l'atelier des Malakhov du village. Korovino, district de Melenkovsky, région de Vladimir. Photo par A. G. Kuleshova. 2010

Céramique Melenkovskaïa. Chopes à bière fabriquées dans l'atelier Malakhov du village de. Korovino, district de Melenkovsky, région de Vladimir. Photo par A. G. Kuleshova. 2010

Les artisans potiers du village de Korovino utilisaient de l'argile locale pour le travail - blanche et rouge. Les céramiques étaient cuites d'une manière spéciale, puis recouvertes d'une glaçure colorée contrastante. La faïence durable et belle était très demandée aux foires de Vladimir, Suzdal, Murom et Pavlov.

La céramique est toujours fabriquée ici selon des technologies anciennes. Les artisans préparent eux-mêmes l'argile. Tout d'abord, il est stocké dans des fosses spéciales et "mûrit" au soleil. Ensuite, de l'eau y est ajoutée et une «pâte d'argile» est préparée. Les plats moulés sont séchés artisanalement, puis cuits et décorés de glaçure colorée ou transparente. Les maîtres peuvent couvrir l'ensemble du produit, le peindre ou le décorer "marbré", en mélangeant plusieurs couleurs.

Les invités du village de Korovino peuvent non seulement regarder le travail des maîtres, mais aussi prendre quelques cours de poterie. Les touristes ici seront informés de l'histoire de l'artisanat local et apprendront ses principaux secrets.

Village de Zhostovo (région de Moscou) - plateaux "fleuris"

Plateau Jostovo

Usine de peinture décorative Jostovo

Le village de Zhostovo, situé près de la ville de Mytishchi près de Moscou, est célèbre pour la peinture sur métal. Dès le début du XIXe siècle, les maîtres de Zhostovo ont conquis l'Empire russe avec des plateaux aux bouquets pittoresques.

Le premier "atelier de laque" a été ouvert ici par le serf du comte Sheremetyev, Philip Vishnyakov, au début du XIXe siècle. Au début, des objets en papier mâché (sacs à main, étuis à cigarettes, tabatières) étaient peints ici, et dans les années 1930, plusieurs ateliers locaux ont commencé à produire simultanément des plateaux en métal forgé. Ils étaient décorés d'une peinture spéciale - "Zhostovo" -: des bouquets de fleurs des champs et du jardin, comme éclairés de l'intérieur, et de petits ornements en or le long du bord.

Aujourd'hui à Zhostovo, tout rappelle l'ancien métier : même les panneaux sur les façades des bâtiments et les panneaux de signalisation sont réalisés sous forme de plateaux. De nombreux habitants ouvrent leurs propres ateliers ou travaillent dans une usine de peinture décorative. Dans le seul musée du plateau au monde, les invités décorent eux-mêmes les ébauches métalliques. Après séchage dans un four spécial et application de vernis, les produits peuvent être ramenés à la maison.

Le village de Kubachi, district de Dakhadaevsky (Daghestan) - incrustation d'or

Étriers de la fin XIX - début XX siècle. Encoche dorée sur le fer. Photo par P. R. Gamzatova. 2013

Poignards de la fin du XIX - début du XX siècle. Encoche dorée sur os et fer. Photo par P. R. Gamzatova. 2013

Le village du Daghestan de Kubachi est connu pour son artisanat traditionnel. Les « orfèvres » fabriquent des cottes de mailles, des bijoux, de la vaisselle à partir de différents matériaux : acier et fer, argent et bronze, os et cornes. Ils sont incrustés de métaux non ferreux. Les ornements sont appliqués sur les produits avec des outils tranchants spéciaux, puis un fil d'or ou d'argent est enfoncé dans l'encoche avec un petit marteau. Le motif le plus populaire parmi les bijoutiers est le motif floral traditionnel, mais des éléments géométriques, des images d'animaux et d'oiseaux et des ornements nationaux sont également utilisés dans le décor.

L'artisanat principal du village de Preobrazhenovka (région de Lipetsk) était des sandales en tilleul. La partie fibreuse de l'écorce y était récoltée deux fois par an. Il était séché et stocké, roulé en écheveaux. Lorsque les maîtres n'étaient pas engagés dans des travaux saisonniers sur le terrain, ils cuisaient à la vapeur ou trempaient le liber et en faisaient des chaussures de liber. Les chaussures, créées à l'aide de la technique dite de tissage oblique, étaient soignées et durables, et des habitants de nombreux villages et villages environnants sont venus les acheter.

Les chaussures bast de la région de Lipetsk ont ​​été portées jusqu'au milieu du XXe siècle. Comme les résidents locaux s'en souviennent, pendant les années de guerre et immédiatement après la guerre, il n'y avait pas d'autre choix. Aujourd'hui, les chaussures libériennes ne sont fabriquées que sur commande - pour des ensembles folkloriques ou comme souvenirs.

Le matériel a été préparé par le portail Kultura.RF et la Fondation Perspektiva dans le cadre de la campagne panrusse de la Chambre civique de la Fédération de Russie #se reposer enRussie.

Artisanat populaire et artisanat de Russie.

L'artisanat d'art populaire de Russie fait partie intégrante de la culture nationale. Ils incarnent l'expérience séculaire de la perception esthétique du monde, tournée vers l'avenir, préservant des traditions artistiques profondes qui reflètent l'identité des cultures de la Fédération de Russie multinationale.

L'artisanat d'art est à la fois une branche de l'industrie et un domaine de l'art populaire.

La combinaison de traditions et d'innovation, de caractéristiques de style et d'improvisation créative, de principes collectifs et de vues d'un individu, de produits faits à la main et d'un haut professionnalisme sont les caractéristiques du travail créatif des artisans et des artisans.

L'artisanat unique de la Russie est apprécié et largement connu non seulement dans notre pays, il est connu et très apprécié à l'étranger, il est devenu le symbole de la culture russe, la contribution de la Russie au patrimoine culturel mondial.

À l'ère du progrès technologique, des machines et de l'automatisation, de la normalisation et de l'unification, l'artisanat, fabriqué principalement à la main, principalement à partir de matériaux naturels, a acquis une importance particulière.

Types d'artisanat populaire en Russie. Leur caractéristique

L'artisanat populaire est un phénomène complexe et multiforme. Il comprend une variété de directions, de types, de formes. Mais tous sont unis par une combinaison de l'opportunité pratique des produits avec la beauté naturelle de leur apparence, provenant de la nature environnante.

Dans la Russie antique, toute la vie des gens était littéralement imprégnée du désir de beauté et d'harmonie avec l'environnement naturel. Maison, foyer, meubles, outils, vêtements, ustensiles, jouets - tout ce que les mains des artisans folkloriques touchaient incarnait leur amour pour leur terre natale et un sens inné de la beauté. Et puis les articles ménagers ordinaires sont devenus des œuvres d'art. La beauté de leur forme était complétée par des ornements décoratifs sous forme d'ornements, d'images de personnes, d'animaux, d'oiseaux, de scènes.

Depuis l'Antiquité, les artisans folkloriques ont utilisé dans leur travail ce que la nature elle-même leur a donné - bois, argile, os, fer, lin, laine.La nature a toujours été la principale source d'inspiration des artisans folkloriques. Mais, incarnant des images de la nature dans leurs œuvres, les maîtres ne l'ont jamais copiée littéralement. Illuminée par la fantaisie folklorique, la réalité acquiert parfois des traits féériques et féeriques ; en elle, réalité et fiction semblent indissociables.

C'est cette originalité des arts et métiers folkloriques, son expressivité et ses proportions uniques qui ont inspiré et continuent d'inspirer les artistes professionnels. Cependant, tous ne parviennent pas à comprendre pleinement et à repenser toute sa profondeur et son potentiel spirituel.

Comme le note le célèbre chercheur d'art populaire M.A. Nekrasova, dans les conditions modernes «le besoin du peuple pour l'art populaire, pour son authenticité, la spiritualité grandit. Mais trouver des moyens de préserver l'art populaire, de son développement fructueux n'est possible qu'en comprenant son essence, créative et spirituelle, sa place dans la culture moderne.

L'idée créatrice phare de l'art populaire traditionnel, fondée sur l'affirmation de l'unité du monde naturel et humain, éprouvée par l'expérience de nombreuses générations, conserve toute sa signification dans l'art de l'artisanat d'art populaire moderne.

Traitement artistique du bois.

L'arbre est l'un des anciens symboles de la Russie. Dans la mythologie slave ancienne, l'arbre de vie symbolisait l'univers. Les bosquets ombragés et les forêts de chênes, les mystérieux bosquets sombres et la dentelle vert clair des lisières de la forêt ont attiré les connaisseurs de la beauté depuis l'Antiquité, éveillé l'énergie créatrice de notre peuple. Ce n'est pas un hasard si le bois est l'un des matériaux naturels les plus appréciés des artisans folkloriques.

Dans différentes parties de la Russie, des types originaux de travail du bois artistique se sont développés.

La sculpture sur bois est la sculpture de Bogorodsk et la sculpture en relief plat d'Abramtsevo-Kudrinskaya dans la région de Moscou; production de produits à filetage trièdre dentelé dans les régions de Kirov, Vologda, Tomsk, Irkoutsk, Arkhangelsk; sculpture sur écorce de bouleau dans les régions de Vologda et de Kirov.

Les métiers d'art traditionnels de la peinture sur bois comprennent: les métiers de Khokhloma, Gorodetsky et Polkhov-Maidan de la région de Nizhny Novgorod; Sergiev Posad peignant avec brûlure, peignant avec brûlure dans le Kirov, Gorky, Kalinin, Irkutsk et un certain nombre d'autres régions; production de produits avec peinture au pinceau gratuite dans les régions d'Arkhangelsk et de Vologda. Chacun de ces métiers a sa propre histoire et ses spécificités.

Sculpture de Bogorodskaïa.

Non loin de la ville de Sergiev Posad près de Moscou, il y a un vieux village russe de Bogorodskoye.

La production de la célèbre sculpture en bois sculpté de Bogorodsk et des jouets est concentrée ici. Leurs traditions remontent au XVIIe siècle, lorsque des jouets en bois sculpté étaient vendus près des murs du monastère Trinity-Sergius.

Les produits de Bogorodsk sont en bois tendre - tilleul, aulne, tremble. Les principaux outils des artisans folkloriques étaient une hache, un couteau spécial Bogorodsk et un ensemble de ciseaux ronds de différentes tailles. La lame du couteau Bogorodsk se termine par un biseau triangulaire et est aiguisée comme un rasoir.

Au fil des siècles, les techniques dites de sculpture au volant d'inertie se sont développées. Tout produit est coupé au couteau "à la volée", immédiatement propre, rapidement, avec précision, sans aucun croquis préalable préparé en dessin ou en argile.

Les jouets de Bogorodsk sont intéressants non seulement pour la sculpture, mais aussi pour leur design original. Le plus souvent, ce sont des jouets avec mouvement. Leur héros traditionnel est l'ours Bogorodsk - un ourson intelligent et actif, jouant en compagnie d'une personne.

Les chevaux de Bogorodsk sont très beaux, plastiques, expressifs, assez réalistes et en même temps fabuleux. Les figures humaines dans les compositions de Bogorodsk sont également très expressives. Le plus traditionnel d'entre eux est la figure d'un paysan russe, représentant l'image classique d'un paysan russe gentil, rusé et habile.

Produits artistiques à base d'écorce de bouleau.

Le type traditionnel d'art et d'artisanat folklorique russe est la fabrication de produits conçus de manière artistique à partir d'écorce de bouleau, d'écorce de bouleau. Déjà dans l'Antiquité, l'écorce de bouleau attirait les maîtres de l'art populaire par sa blancheur éblouissante. Une fois transformée, l'écorce de bouleau a conservé ses propriétés naturelles : douceur, velouté, souplesse et résistance étonnante, grâce auxquelles elle a été utilisée pour fabriquer des récipients pour les liquides, le lait et le miel.

On sait que sur le territoire boisé de la Russie - provinces de Vologda, Arkhangelsk, Olonets, Vyatka, Vladimir, Nizhny Novgorod, ainsi que dans l'Oural et la Sibérie - à Perm, dans les provinces de Tobolsk, l'artisanat s'est développé depuis l'Antiquité, célèbre pour le bouleau produits de l'écorce.

Une variété de produits à base d'écorce de bouleau des peuples de Russie peut être divisée en plusieurs groupes en fonction de la méthode de fabrication, de la nature et de la taille de l'écorce de bouleau utilisée. Tout d'abord, vous devez mettre en évidence des objets fabriqués à partir d'un morceau entier d'écorce de bouleau. Ils sont les plus simples dans la forme, ils sont les plus faciles à réaliser. Ceux-ci incluent des navires bas et ouverts - des checkmans, des boxeurs et des nabirushkas.

Une part importante est représentée par la vannerie. Ceux-ci incluent des salières, des chaussures en osier - brods, des couvertures, des sacs - des bretelles. Les ustensiles les plus complexes et les plus chronophages sont les betteraves, les boîtes, le tueski. Les façons de décorer les produits en écorce de bouleau sont également diverses : grattage, gravure, gaufrage, sculpture et peinture.

Décoration de produits en écorce de bouleau.

Le gaufrage à l'écorce de bouleau est l'un des plus anciens types de décorations en écorce de bouleau. La technique consistant à dessiner un motif sur de l'écorce de bouleau à l'aide de tampons ou de ciseleurs était très répandue. Malgré toute sa simplicité, le gaufrage permet d'obtenir une haute qualité artistique du produit, enrichissant la surface originale de l'écorce de bouleau d'un motif en relief. Il représente les formes géométriques les plus simples - cercles, rayures, coquilles Saint-Jacques, étoiles, régulièrement espacées sur la surface à décorer.

Selon la taille et le type de produit, l'écorce de bouleau est coupée en lanières, en plaques. La couche externe grossière en est retirée. Avant de dessiner le motif, l'écorce de bouleau est marquée avec un poinçon en rayures ou en cellules. L'écorce de bouleau préparée est placée sur la planche avec la couche intérieure vers le haut. En prenant un tampon dans la main gauche, appliquez-le fermement avec un côté à motifs sur l'écorce de bouleau et, en le frappant fort avec un marteau, appliquez un dessin. La profondeur du motif dépend de la force de l'impact.

Les artisans russes utilisaient assez largement la sculpture sur écorce de bouleau. Mais, peut-être, le plus virtuose était l'écorce de bouleau fendue ou coupée dans le nord de la Russie. De droit, la ville de Veliky Ustyug dans la région de Vologda occupe la première place parmi les métiers traditionnels de l'art populaire de la sculpture sur écorce de bouleau. L'artisanat est né ici dans la seconde moitié du XVIIIe siècle et a été nommé d'après la rivière Shemoksy, sur les rives de laquelle il s'est développé. Aux XVIII-XIX siècles. à la foire de la ville, on pouvait acheter d'élégantes tabatières en écorce de bouleau, des boîtes pour les travaux d'aiguille et le rangement des jeux, des étuis à cigarettes avec des paysages en relief et des scènes d'histoire. Peu à peu, les images sculptées sont devenues moins en relief, plus ornementales, ajourées, influencées par l'influence de la sculpture sur os du Nord. A la fin du XIXème siècle. les principales caractéristiques stylistiques de la sculpture de Shemogoda sont formées: motifs ajourés-ornementaux, boucles en spirale avec une rosette à l'intérieur. Pour rendre la dentelle d'écorce de bouleau plus lisible, du papier d'aluminium ou de couleur a été placé sous l'écorce de bouleau.

L'artisanat du nord de la Russie pour la peinture des produits en écorce de bouleau n'était pas moins célèbre. Parmi eux, on distingue les tuesas, peintes avec la peinture de Permogorsk, qui tire son nom du village de Permogorye sur la Dvina du Nord. La peinture des tuesas de Permogorsk se distingue par une combinaison caractéristique d'un fond blanc crème doré avec un petit ornement floral de feuilles, de boucles, de fleurs, parmi lesquelles diverses scènes de la vie sont représentées - boire du thé, rassemblements, chasse, etc.

Peinture Khokhloma sur bois.

Les produits Khokhloma de renommée mondiale sont fabriqués principalement dans la région de Nizhny Novgorod. Une entreprise de peinture Khokhloma est située dans la ville de Semenov, l'autre dans le village de Semino (à 100 km de Nizhny Novgorod). L'art de la peinture Khokhloma est né à la fin du XVIIe siècle. Il tire son nom du village de Khokhloma, où se tenaient autrefois de grandes foires. Ils vendaient des ustensiles en bois, pour la plupart peints ou autrement peints.

Les produits Khokhloma - louches, frères, cuillères, fournitures - sont en tilleul ou en bouleau. Les soi-disant "lins" - des flans de bois non peints, sont recouverts d'apprêt, enduits et enduits d'huile siccative trois à quatre fois, en séchant chaque couche. De la poudre d'aluminium est appliquée sur la surface séchée de la dernière couche d'huile siccative. Il s'avère une surface "argentée" brillante. De plus, la surface du produit Khokhloma est peinte avec des peintures à l'huile avec une technique de pinceau libre sans dessin préalable.

Le début de la production de plateaux à Zhostovo remonte à 1807. Chaque plateau passait généralement entre les mains de trois personnes : un forgeron qui fabriquait un moule, un mastic et un peintre, un apprêt, après séchage, vernissait le produit

La lettre Zhostovo commence par une "peinture" - dessinant les silhouettes de fleurs et de feuilles avec de la peinture blanchie, puis des ombres sont appliquées sur la peinture séchée avec des peintures glacis (transparentes). Cette technique de "l'ombre" plonge le bouquet dans la profondeur du fond. Vient ensuite "l'écriture corporelle dense", l'étape la plus importante de la peinture. "Glare" - l'imposition de reflets - révèle le volume et la lumière, complète le modelé des formes. Ensuite, le "dessin" place les détails, décrit les pétales, les veines et les graines. Complète la lettre "reliure" - herbe fine et antennes.

En élargissant les moyens d'expression, les peintres de Zhostov développent de nouvelles façons de peindre ornemental. Ainsi, une nouvelle méthode de «fumer» est apparue, à l'aide de laquelle un motif a été appliqué à la surface du plateau, rappelant le motif d'une carapace de tortue.

En plus des fonds noir et blanc, les plateaux sont peints sur des fonds colorés et or.Une poudre de bronze ou d'aluminium est appliquée sur la surface du plateau. Translucide à travers une couche de vernis, il crée l'effet de l'or. Sur un fond doré, les couleurs acquièrent une luminosité particulière et le plateau prend l'apparence d'un article coûteux.

Au cours de son histoire, les plateaux de Zhostovo d'un article ménager sont devenus des panneaux décoratifs, et l'artisanat, qui servait autrefois d'aide à l'agriculture, a acquis le statut d'un type unique d'art populaire russe.

Céramique populaire.

Céramique - divers articles en terre cuite. Ils sont fabriqués par des potiers. Partout où il y avait des réserves naturelles d'argile propices à la transformation, les maîtres potiers fabriquaient des bols, des cruches, des plats, des flacons et d'autres objets largement utilisés dans la vie quotidienne par des personnes de formes et de décors variés.

La céramique comprend la majolique, la terre cuite, la porcelaine, la faïence, qui diffèrent les unes des autres par la composition des argiles.

La majolique est appelée produits en argile de poterie, recouverts de glaçures opaques colorées - émaux.

La terre cuite est un produit en terre cuite non recouvert d'émaux.

La porcelaine diffère par la composition de la masse, qui comprend de l'argile blanche - kaolin à point de fusion élevé, ou feldspath, qui donne aux produits en porcelaine blancheur, parois minces et transparence.

La faïence est proche de la porcelaine, mais n'a pas sa blancheur et sa transparence, elle a un éclat plus épais.

Céramique de Gjel. À Gjel, Rechitsy, Turygin et d'autres villages du district de Ramensky de la région de Moscou, il existe depuis longtemps une production de produits céramiques, qui a été réalisée par presque toute la population des villages locaux.

Déjà au XVIIe siècle. Les artisans de Gjel étaient célèbres pour leur poterie et l'argile qu'ils utilisaient était de haute qualité.

Au milieu du XVIIIe siècle, les maîtres de Gjel ont commencé à fabriquer des produits selon la technique de la majolique, peints sur émail brut. Plats, kvas, cruches qu'ils ont décorés d'élégantes peintures de tons verts, jaunes, violets. Ils ont représenté des fleurs, des arbres, de l'architecture, des scènes d'intrigue entières.

Les navires étaient également décorés de sculptures: figures humaines, oiseaux, animaux transférés sous condition.La sculpture a été réalisée séparément.

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le cobalt était un matériau de prédilection dans la peinture des maîtres de Gjel. La combinaison d'un fond blanc avec une peinture bleue sous glaçure est devenue typique des maîtres modernes travaillant dans l'association de production de Gjel.

L'ornement qui orne les produits de Gjel est végétal. Fleurs, herbes, tiges recourbées avec feuilles, épis de maïs ont été retravaillés en ornements. La peinture à la main se caractérise par la fraîcheur et l'immédiateté du dessin, librement et facilement repérable à la surface de la chose. Peindre un coup de pinceau dépend du mouvement de la main. Les artisanes de l'artisanat de Gjel, peignant à la main, ont progressivement créé leur propre style créatif. Répétant, semble-t-il, les mêmes types de peinture lors de la réplication de produits, ils apportent toujours quelque chose de nouveau.

Céramique de Skopinsky. La ville de Skopin, région de Riazan, est un centre bien connu de poterie folklorique. Au milieu du XIXe siècle, il y avait plus de 50 ateliers à Skopin. Mais la renommée de Skopin a été créée par des récipients de formes bizarres complexes fabriqués par des potiers locaux, des chandeliers en forme de figures d'animaux et d'oiseaux fantastiques. Les navires étaient richement décorés d'images sculpturales d'animaux fantastiques, de lions, de dragons. Ces images étaient souvent empruntées à des estampes populaires - des dessins avec des thèmes et des intrigues proches des gens ordinaires, qui étaient généralement vendus lors de foires.

Des formes complexes et richement conçues ont été réalisées par des artisans à la main, sur un tour de potier. Cela se reflétait dans la maîtrise virtuose du matériau et de la technique. La variété des formes des choses et des images sculpturales fabuleuses témoigne de l'imagination inépuisable des maîtres. Les produits Skopinsky sont généralement recouverts de glaçures vertes et jaune-brun. Des couleurs intenses, une abondance de décorations sculpturales et des formes fantaisistes confèrent une expressivité et une originalité vive à l'art de Skopine.

Le savoir-faire et l'imagination des artisans de Skopino se manifestent dans la création de récipients, cruches, fûts pour cornichons, vases à fruits, etc. Aujourd'hui, cet artisanat se développe sur la base de traditions établies, mais les formes des récipients sont devenues moins complexes et bizarres.

Jouet Dymkovo. Un jouet de la colonie de Dymkovo, située près de la ville de Vyatka, a acquis une grande renommée. L'origine de cet artisanat est associée à l'ancienne fête folklorique "Whistle", pour laquelle tout au long de l'hiver les artisanes ont préparé divers sifflets sous la forme de chevaux, de cavaliers, de vaches, d'oiseaux. La fête du printemps s'accompagnait d'un vif commerce de sifflets. Leur peinture aux couleurs vives correspondait à l'ambiance printanière joyeuse générale.

Les jouets étaient moulés à partir d'argile rouge locale, cuits, puis recouverts d'une terre de craie diluée avec du lait. Sur un fond blanc, le jouet a été peint avec des peintures à l'aniline diluées sur un œuf. Les couleurs de ces couleurs étonnent par leur force, leur festivité. La peinture cramoisie, jaune, bleue brillante sur fond blanc est enrichie d'ornements en forme de points, de cercles, de glands. La combinaison de plusieurs couleurs en un seul produit nécessite des compétences particulières de la part de l'artisane. Parfois, le motif était recouvert de morceaux de feuilles d'or, ce qui rendait les produits encore plus élégants.

Les images des jouets Dymkovo reflètent la vie urbaine. Mesdames et messieurs, les nourrices, les nounous, les fashionistas, les cavaliers audacieux se distinguent par leurs couleurs vives, leur expressivité particulière, leur festivité lumineuse et leur humour. La forme des produits, ainsi que la peinture, sont conditionnelles.

Au fil du temps, le jouet Dymkovo est largement utilisé dans la vie quotidienne comme ornement décoratif. À cet égard, la taille des produits des artisanes de Dymkovo est également considérablement agrandie. Il existe souvent des compositions à plusieurs figures représentant des fêtes folkloriques et des vacances.

Le jouet Dymkovo est proche des gens pour sa représentation précise des personnages, son esprit et son sens de la joie de vivre. Il s'agit d'une valeur et d'unicité durables.

Jouet Kargopol. La ville de Kargopol, dans la région d'Arkhangelsk, est le centre de l'artisanat traditionnel russe des jouets en argile. Son origine à Kargopol est associée à de riches gisements locaux d'argile, qui ont déterminé son développement généralisé dès le XIXe siècle. Ici, ils fabriquaient de la vaisselle et des jouets: chevaux, cerfs, béliers, etc. En 1930, le potier héréditaire I. V. Druzhinin a relancé ici la tradition des jouets en argile. Ses jouets peints sont marqués par l'unité de style ; les paysannes, les chasseurs sont présentés avec une étonnante acuité de caractère ; animaux - chevaux, vaches, etc. - doté de caractéristiques individuelles. Ils sont trapus, de couleur sobre.

Les jouets Kargopol étaient moulés en plusieurs parties: une jupe était mise sur le torse, les jambes étaient attachées. Les jouets ont été cuits et recouverts de peinture blanche.

Le joyeux Polkan le héros avec le signe du soleil sur la poitrine de l'artisane et conteuse M Babkina est doté d'un grand pouvoir. Son image est associée à l'ancienne mythologie slave.

L'artisane a conservé les techniques traditionnelles de modelage et de peinture. L'ornement de Kargopol se compose de motifs géométriques, une croix dans un cercle - le soleil, des cercles, des diamants, des zigzags, qui avaient une signification symbolique.

Les maîtres de Kargopol utilisent des couleurs douces : rouge, jaune, marron, marais, cramoisi.

Jouet Filimonov. Le village de Filimonovo dans le district d'Odoevsky de la région de Tula est le centre des jouets traditionnels russes en argile. L'origine de l'artisanat est associée à la production de longue date de la poterie. Depuis le 19ème siècle Le jouet de Filimonov devient largement connu. Ce sont des jouets, principalement des sifflets, en forme de figures animales, décorés de motifs géométriques. En 1967, un atelier est créé à Filimonovo. Le jouet traditionnel Filimonovo est basé sur les qualités plastiques de l'argile grasse "siniki". Une fois l'argile sèche, les jouets se fissurent; les fissures sur eux sont lissées, donnant aux figures une forme plus allongée. Lors du tir, la couleur naturelle bleu-noir devient blanche. Par conséquent, le fond du jouet est peint avec des peintures à l'aniline diluées sur l'œuf : rouge, jaune, vert, bleu, violet. L'ornement géométrique se compose de rayures, de signes solaires. Souvent, les figures féminines sont peintes non seulement avec des rayures, mais aussi avec des fleurs, des rosettes et des triangles. Les maîtres modernes ont conservé les formes traditionnelles de combinaisons de couleurs et d'ornements dans leur travail.

Tissage de dentelle.

La dentelle russe tissée à la main est connue dans l'histoire de notre artisanat d'art populaire depuis la fin du XVIIIe siècle. La dentelle à la main est née et s'est imposée immédiatement comme un artisanat populaire, sans passer par le stade de l'artisanat domestique. La dentelle d'Europe occidentale a commencé à pénétrer en Russie dans la seconde moitié du XVIIe - début du XVIIIe siècle; il servait de décoration aux vêtements des nobles et des propriétaires terriens. Avec la diffusion de la mode de la dentelle et de la passementerie, de nombreux nobles ont créé des ateliers de fabrication de dentelles de serf.La première dentelle, datant du 18e - première moitié du 19e siècles, était souvent faite de fils d'or et d'argent avec l'ajout de perles .

La dentelle tissée à la main est fabriquée à l'aide de fuseaux sculptés dans du bois. Devant la dentellière se trouve un coussin bien rembourré - un oreiller. Un motif de future dentelle, appliqué sur du papier épais, est fixé sur l'oreiller. Dans la figure-skolka, les points indiquent les endroits où les fils se croisent et s'entrelacent. Entre les mains de la dentellière de 6 à 12 paires de fuseaux avec du fil de lin, de coton ou de soie.

Dentelle de Vologda. Avec leur densité, leur blancheur et leurs motifs, ils rappellent beaucoup les motifs givrés sur le verre et le givre dans la forêt sur les arbres en plein hiver, par une journée calme et glaciale.

La base de la dentelle de Vologda est un «ruban de lin» dense qui, parce qu'il se tord de manière si fantaisiste, décrivant diverses formes d'ornements en dentelle, est également appelé «vilyushka». Pour la dentelle de Vologda, un ornement floral est typique. Le motif d'un buisson luxuriant déployé symétriquement avec de larges feuilles palmées et des rosettes de fleurs frontales à six, huit et plus pétales forme une large bordure à motifs d'un produit en dentelle. Les grilles ont un caractère harmonieux et rythmiquement parfait, elles donnent une impression de force et de fiabilité. La gamme de dentelle Vologda est très diversifiée, elle comprend des serviettes rondes, des chemins de table, des nappes, des panneaux muraux décorés, des rideaux de fenêtre, des rideaux.

Dentelle de Mikhaïlovski. La dentelle produite dans la ville de Mikhailov, province de Riazan, est d'un grand intérêt. Ici, ils ont réalisé une dentelle dense, faite de fils épais, non seulement blancs, mais aussi multicolores, brillants. Cela allait bien avec les tenues colorées des paysans russes. Il était porté sur leurs chemises non seulement par les femmes, mais aussi par les hommes. Ils étaient gainés de tabliers, de serviettes, de draps pour femmes. Il avait une apparence simple de dents pointues - des "capes", des figures en forme d'éventail, les soi-disant cloches. Seules trois couleurs de fil étaient utilisées dans la dentelle: blanc, rouge et bleu, mais elles étaient si habilement combinées que chaque morceau de dentelle semblait coloré d'une nouvelle manière. Dans les années 1950, des changements notables ont eu lieu dans l'apparition de la dentelle Mikhailovsky. Les motifs sont renforcés, de nouvelles couleurs sont introduites. Ces changements sont largement associés au nom d'un artiste talentueux - une dentellière. D.A. Smirnova. Pour la première fois, des images de figures humaines apparaissent dans ses œuvres. D.A. Smirnova avec des artisanes cherche à préserver la beauté des motifs de couleur en tant que phénomène unique de l'art populaire russe.

La broderie est l'un des types d'art populaire les plus répandus.

L'ornementation de la broderie folklorique a ses racines dans les temps anciens. Elle a conservé des traces du temps où l'on spiritualisait la nature environnante. Et plaçant sur leurs vêtements et articles ménagers des images du soleil, de l'arbre de vie, des oiseaux, une figure féminine, comme symboles de vitalité, de bonheur, de fertilité, ils croyaient qu'ils apporteraient la prospérité à la maison.

Au cours du développement historique, chaque nation a développé un certain caractère du motif brodé, des techniques particulières de mise en œuvre technique, des solutions de couleurs uniques.

La broderie ne nécessitait pas de matériel sophistiqué - une aiguille, du fil, une toile - c'est tout ce qu'il faut pour broder et coudre des vêtements, pour confectionner des objets élégants pour décorer une maison. La broderie était largement utilisée dans la vie quotidienne des populations rurales et urbaines. De nombreux types de broderies étaient activement utilisés pour décorer les vêtements et les articles ménagers de la partie aisée de la population.

La broderie paysanne revêt une valeur particulière, où elle était associée à la créativité des habitants de la campagne. C'est dans cette broderie que se sont formés les traits artistiques et stylistiques, qui n'ont pas perdu leur valeur même aujourd'hui.

La broderie des peuples de notre pays est extrêmement diversifiée en termes de méthodes artistiques et techniques, de nature d'utilisation dans la vie quotidienne. Dans toute république fédérale et autonome, territoire, région, district, il existe des œuvres uniques de brodeurs talentueux.

Le processus de formation de l'artisanat moderne de broderie au point est ambigu. Dans chaque localité, il est associé au mode de vie, au développement d'une tradition culturelle commune, au degré d'influence mutuelle des cultures des peuples voisins. À l'heure actuelle, la broderie a connu un développement particulièrement important dans les entreprises d'artisanat d'art en Russie, ainsi qu'en Ukraine, en Biélorussie, en Moldavie, en Ouzbékistan et au Tadjikistan.

La broderie d'or était autrefois utilisée pour fabriquer des objets religieux, ainsi que pour décorer des coiffes. Une telle broderie était typique de Nizhny Novgorod, Tver, Vologda et de nombreuses autres régions. Cependant, cette broderie est la plus développée à Torzhok, où les artisanes ont réussi à apporter leur art de la broderie d'or à nos jours. Ici, des techniques à forte intensité de main-d'œuvre de cette couture sont utilisées: couture forgée, couture moulée, en pièce jointe, etc. Pour obtenir un grand effet du relief du motif, lors de sa réalisation, des morceaux de carton, d'écorce de bouleau ou de cuir ont été placés sous le plancher.

L'industrie moderne de la broderie d'or Torzhok de la région de Tver est unique, où, en préservant les techniques traditionnelles, des articles élégants sont fabriqués - ceintures, sacs à main, chapeaux, gilets, chemises pour des occasions spéciales.

Une grande variété de motifs ont été utilisés dans la broderie d'or - des simples rayures, des œillets, des étoiles aux compositions complexes d'ornements floraux. Comme auparavant, la broderie dorée est complétée par des patchs de paillettes et l'inclusion d'une grande variété de coutures clairsemées, qui sont particulièrement souvent utilisées lors de l'ajout d'un costume - foulards, châles, décorations de poitrine.

Une sorte de broderie a été développée dans la région de Vladimir. Il s'agit d'une fine surface lisse blanche avec toutes sortes de bannières et d'ajouts ajourés et de broderies décoratives lumineuses - les soi-disant coutures Vladimir.

L'artisanat folklorique nous est parvenu depuis l'Antiquité - peinture, sculpture, dentelle, mais il existe également de nouveaux métiers folkloriques. Le plus souvent, ils ont commencé par l'art ménager paysan.

Peinture d'art en Russie

Les produits en bois, en métal, les jouets pour enfants et les meubles ont été peints en Russie depuis des temps immémoriaux. La technologie dans différentes régions du pays différait considérablement les unes des autres. Plus de détails sur les types de peinture les plus célèbres.

Peinture Gorodets

La peinture de Gorodets est née dans la région de la Volga, dans les villages de la province de Nizhny Novgorod. Ils étaient situés près d'un grand village appelé Gorodets. Des foires s'y tenaient, où l'on échangeait les produits des maîtres. D'où le nom - peinture de Gorodets.

Peinture de Polkhov-Maïdan

Le berceau de la peinture Polkhov-Maidan est le sud de la région de Nizhny Novgorod. Là, dans le village de Polkhovsky Maidan, le village de Voznesenskoïe et le village de Krutets, se trouve le centre de cette peinture. Il est né il y a seulement cent ans sur la base de l'industrie du tournage développée dans ces lieux. Les maîtres ont peint des poupées gigognes, des jouets pour enfants, des champignons, des œufs de Pâques, tout en n'utilisant que quatre couleurs - vert, bleu, jaune et rouge.

Peinture de Palek

La peinture Palekh est apparue assez récemment - déjà à l'époque soviétique, cependant, les racines de cette peinture remontent à l'Antiquité. Grâce à l'artisanat unique, le village de Palekh, région d'Ivanovo, est devenu connu dans toute la Russie. On connaît la peinture Palekh, la miniature Palekh, la peinture d'icônes Palekh. La particularité de la peinture est que les artistes ne créent pas seulement des ornements, mais dessinent des parcelles entières, des compositions avec les moindres détails.

Peinture Jostovo

La peinture Zhostovo est une peinture à la laque sur plateaux, apparue en 1825. Ces plateaux sont fabriqués dans une usine du village de Zhostovo et de la ville de Nizhny Tagil. La principale différence de cet artisanat est l'abondance de couleurs, des tons incomparables, le réalisme de tous les éléments.

gjel

La peinture de Gjel, comme son nom l'indique, est née dans la ville de Gjel. Ses motifs sont principalement des motifs floraux et des motifs géométriques simples, réalisés en peinture bleu cobalt brillant sur un fond blanc comme neige. La ville de Gjel est un centre de production de céramique. À bien des égards, c'était la raison de l'apparition de sa peinture unique dans cette ville. L'artisanat d'art de Gjel n'est pas jeune, ses racines remontent au XIVe siècle. C'est alors que le gisement d'argile Kudinovskoye a été découvert.

L'artisanat russe devenu artisanat

Parfois, l'artisanat russe est devenu de l'artisanat. Ils sont apparus lors de la mise en service de l'artisanat. On connaît la fabrication de jouets en argile, la sculpture sur bois spéciale, l'artisanat de la dentelle, etc.

Jouet Dymkovo

Près de la ville de Vyatka se trouvait la colonie de Dymkovo, maintenant c'est l'un des quartiers de la ville. Des jouets en céramique peints pour enfants sont apparus dans la colonie de Dymkovo au XIXe siècle. Les dépôts d'argile et de sable à ces endroits sont devenus la raison de la fabrication de cruches et de couvercles en argile par des artisans. Pour l'amusement des enfants, des jouets amusants et brillants ont été fabriqués. Le modelage et la peinture des jouets étaient réalisés exclusivement par des femmes ou des enfants. Le motif du jouet Dymkovo est toujours géométrique, composé de cercles, de rayures et de cellules. En plus de la peinture originale, le jouet se distingue par le fait qu'il est garni d'or.

Jouet Filimonov

La production de jouets Filimonovo est née de la production de plats en argile, qui se produit près du village de Filimonovo. Ces jouets sont une variété de sifflets. Une caractéristique distinctive est la forme allongée des produits, qui est associée aux caractéristiques de l'argile locale. À ce jour, les sifflets ne sont peints qu'avec une plume d'oie.

Sculpture Abramtsevo-Kudrinskaya

La sculpture, devenue un artisanat, est apparue dans le domaine d'Abramtsevo, non loin de Moscou, au XIXe siècle. Son nom est la sculpture d'Abramtsevo-Kudrinskaya. Les sculpteurs ont étudié et travaillé dans l'atelier de menuiserie et de sculpture, où ils ont appris la peinture et le dessin. Ainsi, un petit atelier est devenu la base du futur métier, qui se distingue par un style de sculpture particulier.

Dentelle Viatka

La dentelle Vyatka est connue depuis le XVIIIe siècle. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, une école de dentellières zemstvo a été organisée dans la province de Viatka. Pendant de nombreuses années, une usine de dentelle a fonctionné dans ces endroits, mais au début des années 90, elle a été fermée. Les dentellières ont conservé leur savoir-faire unique, leurs traditions et leur technologie artisanale. Ils plaisent avec de nouveaux produits, s'étant unis dans des artels ou de petites entreprises.

Nouveaux métiers folkloriques

Tous les métiers populaires n'ont pas une histoire riche. Certains sont apparus très récemment. Quel genre d'artisanat, nous apprenons plus loin.

Peindre des décorations de Noël

La peinture de produits d'arbres de Noël en tant qu'artisanat est née au XIXe siècle dans le village de Danilovo. Ils y fabriquaient également des jouets. Les paysans s'y livraient chez eux, utilisant de simples brûleurs pour souffler. La demande pour de tels jouets a augmenté et le nombre d'artisans célibataires a également augmenté. Bientôt, certains propriétaires ont organisé une production à petite échelle avec des travailleurs embauchés.

Usine "Ariel"

La plus ancienne usine de Russie engagée dans la fabrication de jouets du Nouvel An est l'usine Ariel. Il est situé à Nijni Novgorod. Malgré l'évolution de la mode au fil des ans, l'usine ne change pas la tradition de fabrication de jouets faits à la main. Près de l'usine, il y a un musée des décorations de Noël et une boutique.

L'artisanat populaire le plus reconnaissable en Russie

L'artisanat folklorique russe le plus reconnaissable est peut-être la peinture d'or de Khokhloma. Il est né à la fin du XVIIe siècle dans la région de Nizhny Novgorod, lorsque lors des foires du village de Khokhloma, ils vendaient des produits en bois peints par les habitants des villages environnants.

Tous les articles sont élégants et colorés. Un trait distinctif de la peinture est la présence d'un fond doré, ou d'un ornement doré. Les maîtres inventent leurs dessins en peignant en déplacement, c'est toujours de l'improvisation en suivant les règles de la peinture de Khokhloma. Un maître transforme une simple chose en bois en une œuvre d'art populaire. Les ménagères utilisent encore ces ustensiles. Il est exposé dans les musées. Le site a un site sur les plus grands musées du monde.
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