Expositions d'art : un lieu d'interaction entre le public et l'art. Volochine Maximilien Alexandrovitch

20.07.2022

L'art nous entoure partout : dans la maison, dans la rue, au musée. Cependant, il existe un type particulier de connaissance de la créativité artistique: la possibilité d'aller à une exposition. Une exposition est une démonstration d'œuvres d'art au grand public, organisée pendant un certain temps. Il y a de grandes et de petites expositions. Ils sont exposés à la fois dans des locaux spécialement construits ou adaptés, et dans des salles occupées temporairement, par exemple dans les salles des musées, des palais de la culture, des foyers de théâtre, etc. De telles expositions montrent le travail de maîtres du passé et du présent, parfois ensemble peintres, sculpteurs, graphistes, architectes, artistes des arts et métiers. Mais le plus souvent, des expositions de maîtres d'une spécialisation sont organisées. Les expositions peuvent être consacrées au travail d'un maître individuel, d'un certain groupe, d'une école, d'une direction. En général, les principes qui sous-tendent l'organisation d'une exposition sont assez souples, la sélection des œuvres s'effectue selon des thèmes, des types, des genres, des intrigues, etc. Il existe des normes internationales, nationales, régionales (territoriales, républicaines, régionales, municipales) , expositions fixes et mobiles.

Visiter une exposition est dans une certaine mesure comparable à visiter un théâtre, mais la différence sera tout de même très sensible. Et pas seulement parce qu'il y a une performance, mais ici des œuvres d'art. À l'exposition, vous voyez beaucoup de gens, examinant attentivement l'exposition dans son ensemble ou un tableau séparé, une statue, ou parlant, discutant d'œuvres individuelles. Ici, le moment de la communication des gens non seulement avec l'art, mais aussi les uns avec les autres se fait sentir plus fortement.

Les expositions publiques d'œuvres d'art sont déjà connues dans la Grèce antique, mais l'activité d'exposition au sens moderne a commencé en France au XVIIIe siècle, lors de l'ouverture des soi-disant salons, qui ont reçu ce nom parce que les artistes présentaient des œuvres dans les salons de la Persienne. Cette innovation a suscité un grand intérêt public et témoigné de la démocratisation bien connue de l'art. Avant cela, en règle générale, l'art était le privilège des connaisseurs, des mécènes, des mécènes et des collectionneurs. Désormais, les œuvres d'art étaient présentées ouvertement au public. Les expositions ont commencé à être discutées dans la presse - c'est ainsi que la critique d'art est née. À l'ouverture des expositions, un catalogue contenant de brèves informations sur les œuvres exposées et leurs auteurs a été imprimé, des reproductions ultérieures des œuvres exposées ont commencé à y être placées. Toutes ces entreprises se sont améliorées au fil du temps, ont changé de forme et de contenu et ont ensuite constitué la base d'une certaine tradition d'activité d'exposition. Au début du XIXème siècle. dans le salon parisien, qui a acquis une renommée mondiale, jusqu'à 2 000 œuvres ont été exposées. Les expositions universelles, tenues à Paris et à Londres, où, entre autres, des départements d'art ont été organisés comme de vastes revues d'art contemporain.

L'organisation des salons étant placée sous le contrôle strict des cercles officiels, des conflits éclatent inévitablement. Un jury spécialement créé, appelé à sélectionner les œuvres, n'autorisait souvent pas l'exposition d'œuvres d'art démocratique et réaliste. Les artistes, mécontents des actions du jury, prônent à plusieurs reprises la libre exposition des œuvres, demandent la dissolution du jury ou le rendent électif. Ils organisaient également des sortes d'"anti-expositions" non officielles dans leurs ateliers et autres locaux. Ainsi, G. Courbet lors de l'Exposition Universelle de Paris en 1855 construit un pavillon séparé pour ses œuvres, qu'il appelle avec défi "Réalisme". En France, un conflit entre artistes et jurys aboutit en 1863 à la création du "Salon des Rejetés", qui montrait des toiles qui n'étaient pas acceptées pour une exposition officielle. Au cours des années suivantes, les artistes ont commencé à organiser des expositions de groupe indépendantes (par exemple, des expositions d'artistes impressionnistes). À la fin du siècle dernier, le nombre d'associations d'art libre avec leur activité d'exposition a considérablement augmenté. L'exemple de la France est devenu une source d'inspiration pour de nombreux pays européens. Au tournant du siècle, des tentatives ont été faites pour montrer séparément non seulement la peinture ou la peinture avec la sculpture et le graphisme, mais la sculpture et le graphisme séparément.

Parfois, l'activité d'exposition est controversée: elle favorise la vulgarisation de l'art, mais sert en même temps de chef d'orchestre de l'idéologie officielle. De plus, l'organisation d'expositions est liée aux éléments du marché de l'art. Qui être "à la mode", "populaire" lors d'expositions, est parfois décidé par les marchands d'art.

Au tournant des XIX-XX siècles. des expositions consacrées aux maîtres anciens sont organisées. À l'heure actuelle, les expositions de ce type, surtout les grandes, représentatives, comprenant des œuvres peu connues ou, au contraire, les créations des plus grands maîtres du passé, attirent l'attention du public, deviennent un indicateur de l'intensité de la vie artistique dans un pays ou un autre.

En Russie, des expositions ont été organisées à l'origine à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg. Au début du XIXème siècle. lors de ces expositions, des peintures de peintres célèbres ont été présentées: O. A. Kiprensky, S. F. Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov. Cependant, l'esprit de l'académisme étatique, qui a fini par dominer l'Académie, ne pouvait que susciter la protestation des artistes à l'esprit démocratique. Plusieurs artistes ont décidé de quitter l'Académie et de créer leur propre association (voir Wanderers (Association des expositions d'art itinérantes). L'association a contribué à la diffusion de l'art du réalisme critique en Russie, à l'éducation du goût artistique de larges couches sociales. Au cours son existence, le TPHV a organisé plus d'expositions 40. Au tournant du siècle, en Russie, d'autres associations de groupe sont apparues qui organisaient des expositions («Monde de l'art», «Rose bleue», etc.).

En URSS et dans d'autres pays socialistes, les expositions d'art ont joué un grand rôle éducatif et éducatif. Déjà dans les années 1920. les principales associations de masse d'artistes: l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire (AHRR) et la Société des artistes de chevalet (OST) ont organisé de nombreuses expositions, dont des expositions représentatives telles que La vie et la vie de l'Armée rouge (1922), Révolution, vie, Travail (1924-1925), Vie et vie des peuples de l'URSS (1926), expositions consacrées aux 10e, 15e et 20e anniversaires de l'Armée rouge (1928, 1933, 1938), Art aux masses (1929), Industrie du socialisme (1939). L'inclusion dans l'exposition de notre pays aux Expositions universelles de Paris (1937) et de New York (1939), à l'Exposition agricole de toute l'Union de Moscou (1939) d'œuvres d'artistes soviétiques a démontré la finalité idéologique de l'art soviétique, sa puissance affirmant la vie, a contribué au développement du réalisme socialiste. Les événements importants de la vie culturelle du pays ont été les expositions "La Grande Guerre patriotique" (1942), l'Exposition des beaux-arts des pays socialistes (1959), "L'art pour la vie" (1960), "Garder la paix" (1965 ), l'exposition d'art anniversaire de toute l'Union "50 ans de pouvoir soviétique" (1967), exposition d'art de toute l'Union consacrée au centenaire de la naissance de V. I. Lénine (1970), expositions d'art de toute l'Union dédiées au 60e anniversaire de la formation de l'URSS: "L'URSS est notre patrie" (1982), " Artistes - au peuple "(1982), etc.

Chaque année dans notre pays, les syndicats créatifs, l'Académie des Arts et les organismes culturels organisent de nombreuses expositions d'art fixes et itinérantes, qui sont visitées par des millions de personnes.

L'un des aspects les plus importants de l'activité d'exposition est les expositions, qui sont organisées comme un échange culturel avec des pays étrangers. Ils contribuent au renforcement des liens amicaux entre les peuples, offrent l'occasion de se familiariser avec les chefs-d'œuvre de l'art mondial. En 1960, l'exposition "L'art du Mexique de l'Antiquité à nos jours" a eu lieu à l'Ermitage et au Musée des beaux-arts Pouchkine. En 1973, l'exposition "Trésors du tombeau de Toutankhamon" de la collection du Musée égyptien du Caire a été présentée à Moscou, Leningrad, Kyiv. Des expositions d'art russe et soviétique ont été organisées à plusieurs reprises à l'étranger (aux États-Unis, en France, en Allemagne, au Japon et dans d'autres pays). Les plus grandes expositions des collections du Louvre et du Prado ont été présentées dans notre pays en 1981-1982. Une contribution importante au développement des liens culturels entre les peuples soviétique et français a été l'exposition "Moscou - Paris" (1980-1981) au Centre national d'art et de culture. J. Pompidou à Paris et au Musée des Beaux-Arts Pouchkine à Moscou.

Le visiteur de l'exposition à l'entrée est accueilli par le vide

OTAGES DU VIDE ARTISTIQUE

La Galerie nationale Tretiakov (TG) sur Krymsky Val.

Adresse : Russie, Moscou, rue Krymsky Val, 10, salles n° 39-42

Texte, photo : Vladimir Chernomashentsev, HalloArt.ru

Le 23 septembre 2011, l'exposition « Otages du vide. Esthétique de l'espace vide et "canon vide" dans l'art russe des XIXe-XXIe siècles. Compte tenu du profil de la galerie Tretiakov en tant que musée des beaux-arts russes classiques et contemporains (au sens large du terme), il faut reconnaître qu'un nom aussi conservateur a été bien choisi. Un spectateur régulier de la galerie Tretiakov y verra une signification classique, sans se douter que la partie principale de l'exposition est constituée de cette direction des beaux-arts modernes, qui en Occident est généralement appelée le terme d'art contemporain. Dans les années 80-90 du XXe siècle, l'art contemporain a été traduit en russe par "art contemporain", maintenant on l'appelle "art contemporain" ou, avec un certain dédain, "sovrisk". Les adeptes de cette tendance utilisent ce terme pour réduire artificiellement la richesse de tous les beaux-arts modernes à un « sovrisk ».

En 2011, la galerie Tretiakov, en quête de modernité, a organisé plusieurs expositions contemporaines. Les jeunes commissaires Kirill Svetlyakov et Kirill Alekseev ont créé deux projets qui n'ont pas été reconnus par le public. De nombreux experts du marché de l'art ont noté quelques échecs sur le compte de la galerie Tretiakov, qui essaie parfois de faire quelque chose qui n'est évidemment pas son affaire. Par exemple, Anna Tolstova, critique d'art pour le journal KOMMERSANT, a décrit le travail des conservateurs comme suit: "... Kirill Svetlyakov et Kirill Alekseev, qui ont déjà flashé plusieurs projets inintelligibles dans les murs de Tretiakov ..." (source : journal Kommersant, n°133 (4674) du 22/07/2011).

Je partage l'avis du journal. Cependant, j'essaierai d'utiliser autant que possible dans ma critique les mots des commissaires de l'exposition, exprimés par eux lors d'une conférence de presse. Les conservateurs ont parlé si correctement qu'ils n'ont pas laissé le moindre argument à la critique extérieure, comme cette veuve de sous-officier décrite par le classique de la littérature russe... Je retiens trois points essentiels. Eh bien, que le quatrième soit le nom même du projet.

DU MONDE PAR UNE FICELLE…

Et maintenant, dans le cadre de la 4e Biennale d'art contemporain de Moscou, la galerie Tretiakov a monté à la hâte une exposition sous un nom solide et prometteur. Recueilli si rapidement et de manière non professionnelle que le public n'a pas pu trouver dans l'exposition environ cinq œuvres déclarées dans le catalogue de l'exposition. À une rare exception sous la forme d'une œuvre de René Magritte, les peintures qui n'ont pas été présentées à l'exposition peuvent difficilement être classées parmi les grands chefs-d'œuvre difficiles et coûteux à apporter. Vraiment, l'exposition porte bien son nom creux ! Pas étonnant que je n'ai pas trouvé de meilleur titre pour l'article, comment répéter cette phrase presque textuellement. A ma place, tout critique ne pourra que se réjouir d'une expression aussi réussie, que les organisateurs de l'exposition ont volontairement mise entre les mains de leurs détracteurs comme une puissante arme linguistique. Les commissaires de l'exposition et nombre des artistes qui y sont représentés sont les véritables otages du vide artistique de l'art contemporain.

Je risquerais une fois de plus de découvrir l'Amérique, en commençant l'histoire de l'exposition par les accusations habituelles d'une approche primitive du terme "vide". Il n'est pas nécessaire d'avoir sept travées sur le front pour comprendre l'inutilité totale d'une telle idée que tout vaste espace représenté par l'artiste sur toile s'appelle le Vide. Suivant une approche aussi simple, toute nature morte russe représentant les vastes étendues de notre pays, selon les conservateurs, peut être attirée par les oreilles vers le thème de l'exposition. Mais peut-on qualifier de vide "Nuages" de Fyodor Vasiliev", un excellent tableau de K. Rozhdestvensky "Famille dans le champ", ou "Nuit de ferme collective" de S. Luchishkin ?! Les toiles dépeignent beaucoup de choses : la nature, des figures humaines, des actions et des émotions. Sur la photo de S. Luchishkin, si vous regardez attentivement, vous pouvez trouver dix-huit agriculteurs collectifs dormant paisiblement dans une énorme botte de foin. Demain, ils auront une nouvelle journée de travail. Et il est peu probable qu'ils se posent le problème du vide dans leurs âmes, occupées par le dur labeur paysan.

Est-il possible que dans l'immense collection de la galerie Tretiakov, les conservateurs n'aient pas trouvé suffisamment de peintures qui soient vraiment dans cet état émotionnel qui serait associé au vide de l'âme humaine ou à la peur des espaces abandonnés ? Étonnamment... Désinvolte, je peux proposer beaucoup d'œuvres qui répondent à cette exigence. Par exemple, certaines œuvres de mon artiste préféré Boris Kocheyshvili, dont les œuvres font partie de la collection de la galerie Tretiakov, feront l'affaire.

Les commissaires de l'exposition en ont dit long

C'EST LE CURATEUR DIT... CONTRE #1

Les conservateurs n'ont terminé avec succès qu'un seul travail - ils ont enlevé presque tous les arguments possibles "contre" aux critiques. Lors d'une conférence de presse consacrée à l'ouverture de l'exposition, Kirill Svetlyakov et Kirill Alekseev se sont d'abord permis d'exprimer d'étranges slogans. Je n'avais pas d'autre choix que d'écrire ces phrases et de les utiliser dans ma critique. Comme on dit, ne soustrayez pas, n'ajoutez pas ...

Par exemple, l'un d'entre eux a admis qu'il serait sans intérêt de montrer exclusivement de l'art contemporain de la fin du 20ème siècle - début du 21ème siècle. Qui en aurait douté... La technique, quand une bonne peinture classique dessine le vide artistique de l'exposition principale, est loin d'être nouvelle. Avec leur renommée universellement reconnue, les chefs-d'œuvre rehausseront l'image de la masse grise située dans le quartier. Un ou deux chefs-d'œuvre de l'exposition peuvent faire en sorte que le public ne regrette pas d'avoir visité le musée.

Mais, d'un autre côté, les œuvres étroitement cousues des artistes du second échelon (XIXe siècle - première moitié du XXe siècle) ne font que souligner le vide artistique des véritables classiques de notre temps. Supposons que, attiré par de telles peintures, le spectateur vienne à l'exposition. Mais le même spectateur pourra-t-il apprécier les feuilles vides, les toiles non écrites et les projets non réalisés dont les jeunes commissaires nous bourrent une fois de plus ? Ou ne voient-ils pas les multiples répétitions empruntées aux fondateurs du conceptualisme ?

ARGUMENT "CONTRE" №2

Il s'est avéré que les conservateurs voient tout... De plus, au cours des discours, j'ai eu l'impression que le deuxième conservateur lisait dans mes pensées. Il a parlé du vide observé dans l'art contemporain, qui oblige à réécrire, à tordre encore et encore l'histoire de l'art. Qui ne serait pas d'accord avec une telle critique de la tendance actuelle de l'art contemporain ?!

Le spectateur expérimenté est déjà fatigué de voir comment, 50 à 100 ans après Malevitch et ses contemporains, de jeunes apologistes du "sovrisk" pour la millionième fois "réinventent la roue" sous la forme de carrés noirs, blancs ou colorés. Cette exposition ne pourrait pas non plus s'en passer : on peut compter des dizaines, voire des centaines, de carrés, de petits carrés et de grands carrés. Des feuilles vierges de papier gris d'Ilya Kabakov ont également été inventées il y a longtemps. Et chacun de nous peut compter un nombre incalculable de projets non réalisés dans sa vie. Mais nous ne traînons pas nos déchets idéologiques dans les murs de la galerie Tretiakov, comme l'a fait Monastyrsky, membre du groupe Actions collectives.

On voit clairement que la stagnation des idées originales est observée précisément chez les artistes contemporains qui s'attribuent constamment la priorité d'une idée nue sur le processus de son exécution sur toile, marbre ou autre matériau. Mais c'est dans le domaine de l'invention de nouvelles idées qu'il y a un vide complet. En fouillant un peu dans les vieux albums d'art, on retrouve facilement le tout premier découvreur et, en plus, les hôtes de ses disciples, devenus célèbres depuis longtemps et morts pour la gloire de l'art contemporain. Sous le battage médiatique obsessionnel, le spectateur tente de glisser un art qui est loin d'être moderne. De nombreux échantillons d'art contemporain actuel sentent mauvais, la peinture n'a pas encore eu le temps de sécher, car ils ne sont même pas le deuxième, mais le cinquième ou le dixième produit de fraîcheur.

Comme vous pouvez le voir, mon opinion pour la deuxième fois coïncide complètement avec l'opinion des organisateurs de l'exposition.

Le commissaire de l'exposition Kirill Alekseev organise une tournée pour les journalistes

ARGUMENT "CONTRE" №3

Et pour la troisième fois, le conservateur Kirill Alekseev m'a frappé par son bon jugement lorsqu'il a commencé à affirmer que les véritables beaux-arts ne nécessitent pas d'explications ni de guides. Selon lui, une bonne exposition doit être construite de manière à ce que le spectateur lui-même comprenne tout ce que l'artiste ou l'organisateur de l'exposition veut dire. Cependant, immédiatement après la conférence de presse, les conservateurs de la galerie Tretiakov ont organisé une visite détaillée de l'exposition entre eux. Les journalistes ont été guidés du début à la fin des salles du musée. Pointant du doigt l'une ou l'autre exposition, les commissaires ont soigneusement mâché le sens du vide, ce que, selon eux, tel ou tel artiste contemporain a voulu démontrer. Peu à peu, Kirill Alekseev a complètement pris l'initiative, réfutant en fait ses propres paroles. Le guide touristique s'est avéré être assez bon, je pense.

Après le premier flux de curieux-journalistes, il a été possible d'observer le second flux de spectateurs, cette fois composé d'invités du vernissage. En gros, les gens suivaient le conservateur en groupe serré, écoutant attentivement ce qu'ils auraient dû comprendre sans paroles. Ou ne comprennent-ils pas le langage de l'art ? Je suppose que c'est ainsi que les choses sont. L'art contemporain s'est depuis longtemps transformé en une occasion commode et prestigieuse pour un autre rendez-vous de la haute société. Avec des personnalités célèbres dans le domaine des beaux-arts: l'exposition a été visitée, comme toujours, par l'élégante directrice du MAMM / MDF Olga Sviblova et commissaire de la Biennale de Moscou Iosif Bakshtein - la majeure partie des invités ne pourra guère comprendre la différence entre le carré noir de Malevitch et le carré noir de l'artiste moderne, dont le nom a peu de chances de rester dans les annales de l'histoire de l'art.

Selon les téléspectateurs, "l'installation" d'un escalier vide avec un escabeau n'est pas pire qu'une bonne moitié des expositions

CRÉER UN NOUVEL ART

Comme c'est généralement le cas lors de tels événements, après avoir vu suffisamment d'art contemporain, de nombreux spectateurs ont commencé à regarder avec méfiance les chaises du gardien, les armoires à incendie et d'autres éléments techniques du bâtiment. Loin d'être le premier à s'apercevoir que l'escalier blanc vide menant à l'étage supérieur s'avérait plus populaire auprès du public que certaines œuvres d'art contemporain. Le design minimaliste, simple mais non dénué d'élégance architecturale, a été accidentellement agrémenté d'un grand escabeau que les ouvriers avaient laissé sur le palier. La structure en aluminium solitaire, dans laquelle il n'y avait pas un seul gramme de superflu, de superficiel, s'inscrivait parfaitement dans le concept du Vide. Devant mes yeux, plusieurs personnes se sont approchées des escaliers, ont regardé la vue pendant une minute ou deux et ont commencé à prendre des photos. Il reste à mener la situation à sa fin logique : en suivant strictement l'esprit et la lettre de l'art contemporain, ajouter une nouvelle exposition, qui a pris quelques secondes. Ce n'est un secret pour personne qu'aujourd'hui n'importe quel objet peut être transformé en objet d'art si vous accrochez une pancarte à côté indiquant l'auteur, le titre de l'œuvre et la placez dans l'espace d'exposition. Et maintenant, vous pouvez déjà voir comment un nouveau spectateur commence à photographier non seulement l'installation, mais aussi la tablette qui y est attachée, écrite à la main par un conservateur inconnu.

Créer un objet d'art contemporain est une affaire simple

Je me demande combien de temps une installation sans nom réalisée par un auteur inconnu restera à l'exposition ? Ce sera dommage sinon pour longtemps. Après tout, ce n'est pas pire qu'une bonne moitié de l'ensemble des éléments proposés par les conservateurs. Malheureusement, la tentative de sauver un autre projet de la galerie Tretiakov, faisant un clin d'œil aux beaux-arts classiques, a échoué. Un pourcentage trop faible d'œuvres dignes d'intérêt était plus que couvert par des peintures, des installations et des objets médiocres et profondément secondaires. Tout est relatif. Grâce à la nouvelle exposition, pour laquelle l'exposition permanente du département des dernières tendances a été temporairement démantelée, j'ai commencé à apprécier davantage ce qui se trouvait auparavant dans ces salles. Un autre projet « danois », médiocrement exécuté par les otages du vide artistique pour la Biennale de Moscou, a montré que le vide réel n'a pas de profondeur finie. La médiocrité humaine est sans fin.

Sergueï Mironenko. Je n'ai rien à dire dans le langage de l'art. Diptyque, 1990. Toile, tissu photographique, acrylique, tirage noir et blanc, Galerie nationale Tretiakov

La peinture de Sergei Mironenko "Je n'ai rien à dire dans le langage de l'art" se trouve à la toute fin de l'exposition. Pourtant, c'est une sorte de leitmotiv de toute l'exposition. Le temps dira à quel point le nouveau projet de la galerie Tretiakov intéressera le public. Mais déjà maintenant, je suis prêt à affirmer que l'exposition ne pourra pas attirer un nombre important de visiteurs. Suivez les statistiques sur le site HalloArt.ru.

L'art nous entoure partout : dans la maison, dans la rue, au musée. Cependant, il existe un type particulier de connaissance de la créativité artistique: la possibilité d'aller à une exposition. Une exposition est une démonstration d'œuvres d'art au grand public, organisée pendant un certain temps. Il y a de grandes et de petites expositions. Ils sont exposés à la fois dans des locaux spécialement construits ou adaptés, et dans des salles occupées temporairement, par exemple dans les salles des musées, des palais de la culture, des foyers de théâtre, etc. De telles expositions montrent le travail de maîtres du passé et du présent, parfois ensemble peintres, sculpteurs, graphistes, architectes, artistes des arts et métiers. Mais le plus souvent, des expositions de maîtres d'une spécialisation sont organisées. Les expositions peuvent être consacrées au travail d'un maître individuel, d'un certain groupe, d'une école, d'une direction. En général, les principes qui sous-tendent l'organisation d'une exposition sont assez flexibles, la sélection des œuvres s'effectue selon des thèmes, des types, des genres, des intrigues, etc. Il existe des expositions internationales, nationales, régionales (en URSS - toute l'Union , républicain, régional, municipal ), fixe et mobile.

Dans la société bourgeoise, l'activité d'exposition a un caractère contradictoire : elle contribue à la vulgarisation de l'art, mais sert en même temps de conducteur à l'idéologie officielle. De plus, l'organisation d'expositions est liée aux éléments du marché de l'art. Qui être "à la mode", "populaire" lors d'expositions, est parfois décidé par les marchands d'art.

En URSS et dans d'autres pays socialistes, les expositions d'art s'adressent aux larges masses populaires et jouent un grand rôle éducatif et éducatif. Déjà dans les années 1920. les principales associations de masse d'artistes: l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire (AHRR) et la Société des artistes de chevalet (OST) ont organisé de nombreuses expositions, dont des expositions représentatives telles que La vie et la vie de l'Armée rouge (1922), Révolution, vie, Travail (1924-1925), Vie et vie des peuples de l'URSS (1926), expositions consacrées aux 10e, 15e et 20e anniversaires de l'Armée rouge (1928, 1933, 1938), Art aux masses (1929), Industrie du socialisme (1939). L'inclusion dans l'exposition de notre pays aux Expositions universelles de Paris (1937) et de New York (1939), à l'Exposition agricole de toute l'Union de Moscou (1939) d'œuvres d'artistes soviétiques a démontré la finalité idéologique de l'art soviétique, sa puissance affirmant la vie, a contribué au développement du réalisme socialiste. Les événements importants de la vie culturelle du pays ont été les expositions "La Grande Guerre patriotique" (1942), l'Exposition des beaux-arts des pays socialistes (1959), "L'art pour la vie" (1960), "Garder la paix" (1965 ), l'exposition d'art anniversaire de toute l'Union "50 ans de pouvoir soviétique" (1967), exposition d'art de toute l'Union consacrée au centenaire de la naissance de V. I. Lénine (1970), expositions d'art de toute l'Union consacrées au 60e anniversaire de la formation de l'URSS: "L'URSS est notre patrie" (1982), " Artistes - au peuple "(1982), etc.

Chaque année, dans notre pays, les syndicats créatifs, l'Académie des arts de l'URSS et les organismes culturels organisent plus de 5 000 expositions d'art fixes et itinérantes, qui sont visitées par des dizaines de millions de personnes. Il existe un certain système de tenue de revues d'art zonales, républicaines et de toute l'Union, qui, en règle générale, sont programmées pour coïncider avec des événements importants de la vie du pays. Ainsi, le cycle d'expositions d'art « Nous construisons le communisme » (1980-1981), consacré au 26e Congrès du PCUS, était très représentatif. La grande communauté d'art et de travail qui a surgi dans les premières années du plan quinquennal renaît maintenant. Les artistes, représentants de toutes les républiques de l'Union, participent activement à la vie active du peuple, incarnent les idées du communisme et de la paix dans leurs œuvres.

L'un des aspects les plus importants des activités d'exposition dans notre pays sont les expositions, qui sont organisées comme un échange culturel avec des pays étrangers. Ils contribuent au renforcement des liens amicaux entre les peuples, offrent l'occasion de se familiariser avec les chefs-d'œuvre de l'art mondial. En 1960, l'exposition "L'art du Mexique de l'Antiquité à nos jours" a eu lieu à l'Ermitage et au Musée des beaux-arts Pouchkine. En 1973, l'exposition "Trésors du tombeau de Toutankhamon" de la collection du Musée égyptien du Caire a été présentée à Moscou, Leningrad, Kyiv. Des expositions d'art russe et soviétique ont été organisées à plusieurs reprises à l'étranger (aux États-Unis, en France, en Allemagne, au Japon et dans d'autres pays). Les plus grandes expositions des collections du Louvre et du Prado ont été présentées dans notre pays en 1981-1982. Une contribution importante au développement des liens culturels entre les peuples soviétique et français a été l'exposition "Moscou - Paris" (1980-1981) au Centre national d'art et de culture. J. Pompidou à Paris et au Musée des Beaux-Arts Pouchkine à Moscou.

PRATIQUE ET THÉORIE DE LA DÉCORATION DE L'ESPACE D'EXPOSITION

Exercer. Développement du projet d'exposition.

Trouvez un thème pour l'exposition à développer dans le matériel. Les sujets peuvent être n'importe quoi, vous pouvez vous fier à votre résumé. Il s'agit de se fixer un objectif : un travail culturel et éducatif auprès de la population. Par exemple, la culture et les traditions de la région de Voronej. Tâches - se familiariser avec la culture de la vie, les ustensiles, la vie quotidienne. 2 sujets DPI, 3. rituels.4. costume de Voronej.

Ce qui est inclus dans votre projet:

1. Descriptif sous forme d'une présentation (thème, buts, objectifs, public cible, la manière de se déplacer dans l'exposition - lire une conférence à tout le monde à ce sujet ci-dessous !!), avec une photo, les noms des œuvres principales (selon votre sujet, vous pouvez utiliser des photos d'œuvres d'artistes, de sculpteurs, etc.)

partie 2 pratique- sous forme de croquis (soit à main levée en utilisant la technique de la rondelle, soit en utilisant l'infographie est la bienvenue). Format A3 pour chaque angle ou FA2 pour deux à la fois. – Genres : 1. extérieur, 2. vue de dessus - c'est-à-dire un plan de l'espace d'exposition, 3. halls principaux, plan suspendu - ou réaliser toute la 2ème partie sous la forme d'un projet en trois dimensions en utilisant du papier-plastique (pas plus grand que le format A3 ).

Élaborez une esquisse d'affiche pour votre exposition F A4 (tout matériel), brochures ou dépliants.

Exemples: projets étudiants – http://freelance-nsk.ru/user/inspirace/18141/

http://archvuz.ru/2011_4/17 , http://www.archiconcurs.ru/concurs/item-561/

Projet vidéo d'espace d'exposition pour BEELINE

http://video.yandex.ru/users/fluxe85/view/3/

PLAN DE CONFÉRENCE.

1. Organisation et conception d'expositions

2. Historique des expositions

3. L'exposition comme principe d'organisation d'une exposition d'art

Placement de l'exposition : sélection des couleurs, croquis de composition, accrochage, étiquetage, affiche

Participation des enfants à la préparation de l'exposition du musée.

7. Projets d'exposition commerciale : conception, attirer l'attention, composition

8. Références

9. Photos de galeries d'art contemporain dans le monde

Organisation et conception d'expositions

Dans les conditions de la culture moderne, le public s'intéresse sans relâche à une exposition d'art en tant que forme d'échange culturel international, de familiarisation avec des valeurs humanitaires durables, de rencontre avec des chefs-d'œuvre reconnus de l'art mondial ou d'expériences créatives de maîtres novices. Une exposition d'art est l'un des éléments les plus importants de la direction humanitaire, qui devient de plus en plus pertinente dans la vie de la société moderne. "civilisation des loisirs". Les expositions sont une ressource efficace pour organiser et mener des recherches socioculturelles et marketing. ils fournissent aux organisations intéressées des informations détaillées sur les candidatures.

Il existe plusieurs définitions mutuellement complémentaires exprimées par diverses sources :

1. Exposition est une démonstration publique de réalisations dans le domaine de l'économie, de la science, de la technologie, de la culture, de l'art et d'autres domaines de la vie publique. Le concept peut désigner à la fois l'événement lui-même et le lieu de cet événement.

2. Exposition- il s'agit d'une forme spécifique de communication marketing (publicité et relations publiques, promotion des ventes), dans laquelle, dans une zone équipée relativement petite, des échantillons de nouveaux produits sont présentés à la vente ou des services sont proposés en vue de leur vente ultérieure.

Sur le plan organisationnel, l'exposition est un événement programmé spécifique avec un temps limité, tenu dans un lieu pré-annoncé et préparé, avec une certaine fréquence de tenue. Plusieurs acteurs sont impliqués dans l'événement :

Exposants - fabricants (fournisseurs) présentant leur produit sur différents types de stands ;

Visiteurs - consommateurs potentiels (acheteurs) du type de produit présenté ;

Organisateurs d'expositions (personne morale, autorité ou organisme public, en règle générale, supervisant ce type d'activité industrielle) ;

Opérateur d'exposition (organisateur - une personne morale fournissant des services pour la préparation et la tenue de cette exposition, pour laquelle ce type d'activité est une activité commerciale).

Les expositions sont classées :

Par couverture des participants :

local,

nationale,

international,

Mondiale (universelle, couvrant toutes les branches de l'activité humaine, et spécialisée, dédiée à un seul domaine de l'activité humaine).

Par couverture des domaines d'activité humaine :

Général;

Industrie.

Par secteur d'activité :

Artistique;

Éducatif public;

Industriel;

Agricole.

Par durée :

Périodique (temporaire);

Permanent;

Unique (lié à un événement spécifique).

Expositions d'art - expositions publiques d'œuvres des beaux-arts et des arts graphiques, notamment sculptures et peintures, dessins, aquarelles, gravures sur cuivre, acier et bois, etc. Houd. des expositions sont organisées périodiquement par des académies d'art, des écoles de dessin, des sociétés d'artistes.Les soi-disant "expositions permanentes" servent principalement les objectifs de l'industrie de l'art. Toutes les expositions d'art sont destinées à servir de médiateur entre l'artiste et le public, représentant les marchés sur lesquels la relation entre la demande et l'offre dans le domaine des beaux-arts est déterminée. Les expositions organisées par les académies et les sociétés d'artistes poursuivent également un autre objectif plus élevé : clarifier les tendances particulières qui se développent dans les beaux-arts et dans les goûts du public, et ainsi répondre à la fois au public et aux artistes eux-mêmes.

Une exposition, comme un musée, implique une exposition, un détachement, un dépassement de la perception habituelle, de l'essence quotidienne des choses, un nouveau point de vue sur le sujet, ses significations culturelles et sa place dans l'image du monde. L'objet de l'attention du musée est retiré d'un contexte et transféré dans un autre. L'exposition dans le musée et l'espace d'exposition fonctionne comme une sorte de

cadre (cadre, bordure) qui définit l'espace d'une œuvre d'art. Décrivant le sens du cadre dans la composition d'un texte littéraire, Yu.M. Lotman écrit : « Un cadre dans un tableau, une rampe dans un théâtre, le début ou la fin d'une œuvre littéraire ou musicale

son espace - autant de formes différentes de la régularité générale de l'art : l'œuvre est le modèle définitif du monde infini.

Historique de l'exposition

L'histoire de l'exposition d'art a une longue histoire d'existence et de développement et provient de collections appartenant à des personnes dotées d'un pouvoir séculier ou spirituel, ou possédant des ressources financières importantes. Dans l'Antiquité et au Moyen Âge du Xe siècle, les expositions au sens moderne n'existaient pas. Pour la première fois un petit groupe d'artistes organisa une exposition de leurs œuvres à Paris en 1648. Cette exposition fut soumise à toutes sortes de persécutions ; les artistes se voient interdire d'exposer des tableaux à la vente, et les œuvres de certains d'entre eux sont même confisquées. La même année, le gouvernement approuve l'Académie de peinture et de sculpture et interdit « de l'entraver de quelque manière que ce soit ». La lutte entre l'académie, qui disposait de très maigres fonds, et les riches ateliers d'artisans se poursuivit cependant jusqu'en 1653, jusqu'à ce que Lebrun réussisse à placer l'académie sous le patronage de Mazarin, puis du roi lui-même, qui en approuva la charte et nomma pensions aux artistes. Depuis cette époque, X. expositions d'académiciens sont obligés d'exposer annuellement leurs peintures sous peine d'expulsion de l'académie.

Les expositions modernes proviennent des musées français, dont les fondateurs sont les cardinaux français Mazarin et Colbert. La Société des Arts, fondée en 1754 dans le but d'encourager les arts, l'artisanat et le commerce, a joué un rôle important dans l'organisation de l'exposition. La tâche était vraiment grandiose - rassembler sous un même toit les produits de l'industrie et de l'art de différents pays et peuples. Pour accomplir une telle tâche, il fallait un espace sans précédent, qui devint lui-même l'un des principaux attraits de l'exposition. Les Britanniques ont presque instantanément créé - en seulement six mois (et selon certaines sources - en 17 semaines) - le célèbre "Crystal Palace" au centre de Londres, à Hyde Park, qui a acquis une renommée bien au-delà des frontières de l'Angleterre.

La commande pour la construction de l'exposition a été présentée avec 245 des projets les plus divers du futur bâtiment. Mais les artistes eux-mêmes et le public ont ressenti l'inadéquation des formes et des matériaux traditionnels pour résoudre une tâche entièrement nouvelle. Et puis Joseph Paxton s'est avancé, proposant une architecture d'un fer et d'un verre. Tout le monde était stupéfait, et les architectes d'Europe étaient simplement indignés que cet impudent Paxton - pas un architecte ou un artiste, mais un jardinier ordinaire - au lieu d'un palais majestueux allait construire «une sorte de bouchon de verre», «serre» . .. Cela ne devrait pas être permis à certains ignorants, quand il y a du vrai art et de vrais maîtres. Le bâtiment, construit comme pavillon d'exposition, était un immense édifice en terrasse à trois nefs, constitué d'une charpente ajourée en fer remplie de verre. L'ensemble du bâtiment mesure 564 mètres de long et 125 mètres de large, avec une surface couverte de 100 000 mètres carrés. Il est peu probable que d'autres pays puissent alors se le permettre. Même à Paris, l'ensemble de l'exposition aurait très probablement été hébergé dans une sorte de bâtiment en pierre, ce qui signifie qu'il aurait été de taille très modeste, ne correspondant pas à la grandeur de l'événement prévu. De plus, l'architecture fondamentalement nouvelle, le style «verre et métal», né lors de la construction du Crystal Palace, était organiquement inacceptable pour les écoles d'architecture et d'art d'autres pays.

En effet, le Crystal Palace faisait très penser à une serre. Ayant de l'expérience dans la création d'immenses serres pour les palmiers d'outre-mer, D. Paxton a proposé une solution simple et originale et a introduit avec audace le métal et le verre dans la conception du Crystal Palace, augmentant les cadres de fenêtre à des tailles sans précédent. Des exemples d'utilisation de structures métalliques et de revêtements remplis de verre étaient déjà connus à cette époque. Mais pour que toute la façade d'un immense bâtiment public soit en verre, c'était une première !

Heureusement, le nouveau bâtiment a été érigé exactement comme le "jardinier ignorant" l'avait prévu, et le public l'a accepté avec enthousiasme. Il incarnait juste le désir des habitants de la brumeuse Albion pour la lumière, car toute la structure, tout son intérieur sans fin était imprégné de flots de lumière solaire.

Le Crystal Palace a été l'une des premières structures dans lesquelles les éléments unifiés désormais communs ont été adoptés : l'ensemble du bâtiment était constitué de cellules identiques assemblées à partir de 3 300 colonnes en fonte de même épaisseur, 300 000 feuilles de verre identiques, le même type de ossature bois et poutres métalliques. Des éléments préfabriqués de dimensions standard ont été préfabriqués dans la quantité requise, de sorte qu'il ne restait plus qu'à les assembler sur le chantier.

C'est ici que dans l'architecture de l'exposition, il y a eu un passage du pittoresque et de la décoration à l'ingénierie, qui est devenue la principale tendance dans le développement de l'architecture du XXe siècle. Dans la conception du palais, le principe d'une charpente métallique a été utilisé - piliers en fer et cadres remplis de verre, module de piliers porteurs de 24 pieds (environ 720 cm), installation de blocs préfabriqués.

Le palais est devenu un bâtiment historique, anticipant de nouvelles méthodes de construction. Le palais n'avait pas de cloisons internes et son intérieur était une immense salle. L'architecte a fait très attention aux arbres de Hyde Park, dont la coupe était interdite par le Parlement : deux ormes centenaires se sont avérés être simplement recouverts par le bâtiment du palais. Le célèbre philosophe, historien et écrivain russe A.S. Khomyakov, qui a visité l'exposition, a écrit à ce sujet: "Ce qui est construit doit avoir du respect pour ce qui a grandi." Les contemporains considéraient le Crystal Palace comme une merveille de l'art architectural de cette époque. Plus tard, le grand L. Corbusier écrira : « Je ne pouvais détacher les yeux de cette harmonie triomphante.

V.V. Stasov, le grand critique russe, a reconnu l'Angleterre, habituée à être considérée comme un "pays classique de l'anti-artisme", comme le pionnier d'un nouveau mouvement, voyant dans le Crystal Palace un prototype de l'architecture du futur, une nouvelle merveille du monde qui a éclipsé « les tristes pyramides des morts égyptiens et les colisées des romains ». Le géant de Londres, construit pour y convoquer tous les peuples du monde, pour voir tout ce que l'humanité a créé de grand, de brillant, à toutes ses extrémités éparses. Un grand objectif a donné naissance à un grand travail.

Depuis la seconde moitié du XIXe siècle, les conditions économiques, le niveau technique et le potentiel ont commencé à changer, mais le contexte esthétique de l'époque a changé lentement, presque imperceptiblement. Les normes esthétiques du classicisme étaient déjà complètement détruites. L'intérieur, uni par un même style de culture, n'existait plus. Dans les expositions, comme dans un miroir, toute la diversité de l'architecture européenne se reflétait, et dans tout - un éclectisme débridé.

En commençant par le "Crystal Palace", tous les pavillons d'exposition des expositions ultérieures ont pris l'apparence de "palais". Ils s'appelaient justement - "Palais de l'Agriculture", "Palais de l'Electricité", etc., des palais de toutes sortes, de toutes les époques, dans tous les matériaux - du métal et du verre aux céréales et aux légumes.

Les premières expositions d'expositions industrielles étaient un spectacle curieux. Les ingénieurs, créant des modèles d'exposition expérimentaux de locomotives à vapeur, de chaudières locomobiles, de pompes et de faucheuses à foin, ont tenté de leur donner certaines formes architecturales de style baroque, gothique, conçues pour d'autres fonctions et apparues à des époques complètement différentes, elles étaient abondamment recouvertes d'ornements par moulage, gaufrage, etc. .d.

L'art de l'exposition s'est amélioré d'exposition en exposition. Peu à peu, les exigences fondamentales pour le pavillon d'exposition, pour la présentation des produits, se forment.

À la fin du siècle, le style Art nouveau a eu une grande influence sur les expositions, évinçant l'insouciance de l'éclectisme par son rationalisme. L'influence Art nouveau s'est manifestée lors de l'exposition de Paris de 1900. Dans l'industrie du spectacle d'exposition, des « palais optiques » avec des labyrinthes de miroirs (transformés plus tard en salles de rire), des maréoramas représentant un tour du monde (panorama émouvant), des mises en scène avec des figurants en costumes nationaux de différents pays, Les globes de Galeron (un modèle géant rotatif du ciel avec une lampe de poche stéréoscopique magique). Au salon de Chicago, une foule immense contemple des boules de celluloïd miraculeusement suspendues dans les airs (soutenues par un jet d'air des freins à air Westinghouse), à une fontaine à grains mue par un moteur électrique, on voit les premiers exemples d'un affichage dynamique de un produit industriel. Le Crystal Palace de Joseph Paxton à Londres et la Tour Eiffel de l'ingénieur Alexandre Gustave Eiffel à Paris, construits pour l'Exposition Universelle de 1889 (123 mètres de haut) sont devenus des symboles d'expositions universelles, symboles des réalisations technologiques de la fin du XIX - début du XX siècle. L'industrie des expositions a connu un développement rapide au cours du XXe siècle, conformément au développement de l'industrie, de la science et de la technologie.

Maréorama

L'émergence de l'institution du musée en Russie, en tant que collection d'art au sens moderne, remonte dans la plupart des cas à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. C'est au cours de cette période que les musées connus aujourd'hui sous le nom de Galerie nationale Tretiakov, le Musée national des beaux-arts de Moscou, l'Ermitage d'État et le Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg ont été organisés. Les objets d'art qui composent les collections de ces musées et d'autres actualisent leurs qualités esthétiques à l'aide du phénomène de l'exposition, qui apparaît au spectateur sous la forme d'un espace artistique particulier qui existe conformément à son organisation interne, sous l'influence de l'environnement architectural spécifique du musée, des objets exposés, de leurs supports et de l'intention conceptuelle. http://dic.academic.ru/dic.nsf/brokgauz_efron/111257/%D0%A5%D1%83%D0%B4%D0%BE%D0%B6%D0%B5%D1%81%D1%82 %D0%B2%D0%B5%D0%BD%D0%BD%D1%8B%D0%B5

L'exposition comme principe d'organisation d'une exposition d'art

Le phénomène de l'exposition se manifeste par une certaine forme d'organisation, due à certains principes, dont le plus significatif est considéré comme « l'exposition », étroitement liée à la visibilité, qui permet de fixer l'exposition comme un événement. L'originalité et l'originalité de l'apparition de nombreuses expositions réussies sur divers sujets se distinguent simplement par une apparence visuelle particulière, une base conceptuelle clairement «lisible» et des solutions d'exposition expressives. La présence naturelle dans l'espace de l'exposition de toutes ses composantes est déterminée par le système de "l'ordre", compris comme une séquence d'images artistiques actualisées dans l'exposition qui est effectivement perçue dans une combinaison explicable. Cette séquence fournit une "lecture" du design conceptuel, selon laquelle s'exerce l'action d'"exposition" comme principe organisateur. Certains chercheurs (T.P. Kalugina) interprètent le principe d'"exposition" en relation avec divers types d'organisation visuelle et sémantique de l'exposition comme "regroupement de problèmes", "ligne académique", "exposition en bref".

Alors "groupe à problème" a lieu lors de la création d'expositions monographiques, lorsque l'œuvre d'un maître célèbre réapparaît dans une telle disposition visuelle qui attire l'attention sur des aspects jusque-là inconnus de la réflexion sur son langage artistique. "Ligne académique" présente une image chronologiquement cohérente de toute longue étape du développement de l'art avec un large éventail de noms qui déterminent l'exhaustivité de la période représentée. "Exposer en point de mire" en tant que manifestation spéciale du principe d'exposition, est typique de l'exposition exclusive d'une seule œuvre d'art dans son unicité artistique. À partir de ces exemples de mise en œuvre du principe d'exposition, on peut voir que dans chaque cas, l'emplacement des objets exposés est déterminé à la fois par la solution de tâches spécifiques et par le respect de la structure visuelle de l'exposition.

Ainsi, sous le concept d'"exposition", on peut considérer le placement d'un objet exposé sur son support (stand, mur, socle, dans une vitrine) dans une telle localisation spatiale qui assurerait sa perception avec la manifestation optimale de sa valeur artistique. et qualités sémantiques.

"Ligne académique" est un complexe d'exposition, composé de presque tous les types de beaux-arts stockés dans la collection du musée, et reflète une image holistique du développement de l'art. En tant que forme d'exposition, la « rangée académique » domine les deux autres, déterminant largement l'unité stylistique de l'apparence du musée. Le "Academic Row" est mis à jour dans l'existence d'un concept de musée tel que "l'exposition permanente". L'amélioration de la solution stylistique de l'exposition permanente n'est pas seulement une tâche importante de la période actuelle, mais aussi un facteur de la stratégie à long terme du musée. "Ligne académique" gravite vers la subordination et la cohérence avec le caractère de l'intérieur. L'utilisation de l'infrastructure d'exposition dans ce cas est minime et souvent les stands, les vitrines, les socles reçoivent une uniformité stylistique avec la décoration architecturale de l'intérieur. En elle-même, la "série académique" se différencie par son appartenance à un type d'art particulier, c'est-à-dire qu'au sein d'un même environnement muséal, plusieurs expositions permanentes peuvent exister en parallèle. Au Musée d'État russe, il s'agit d'une exposition d'art populaire, à l'Ermitage d'État, il y a des expositions d'art primitif, antique et décoratif et appliqué, de numismatique et d'art de l'Orient; au Musée Pouchkine im. COMME. Pouchkine (Moscou), vous pouvez voir l'exposition de moulages de la sculpture médiévale et renaissance. Dans tous les cas ci-dessus, les expositions "espèces" complètent la principale historique et chronologique.
"Exposer en point de mire" montre une œuvre d'art unique (principalement picturale), présentée à l'aide d'un ensemble de techniques d'exposition, sous une forme isolée accentuée. « Exposer en bref » démontre le principe de l'exposition dans sa manifestation la plus prononcée et est souvent rencontré dans la pratique de l'exposition du Musée de l'Ermitage comme une « exposition d'un seul tableau ». Il convient de noter ici la présentation des arômes causés par les fleurs et les fruits représentés dans l'une des expositions les plus célèbres de l'Ermitage - Le joueur de luth du Caravage, le Carré noir de Kazimir Malevich, l'Annonciation de Jan van Eyck, la Vénus du Titien devant un miroir.

"Groupe à problèmes" est la forme la plus dynamique de présentation du matériel artistique, occupant un espace séparé dans l'environnement muséal et limité par des délais. Son existence dans la pratique muséale est associée au concept d'"exposition temporaire". Dans la construction de l'éventail visuel de l'exposition, le « groupement problématique » utilise beaucoup plus souvent, à côté des techniques traditionnelles, des techniques d'affichage d'avant-garde.

L'exposition Jack of Diamonds in the Russian Avant-Garde a créé une image du nouvel art russe, inextricablement liée aux racines esthétiques nationales, tout en repensant d'une manière nouvelle les réalisations de la peinture européenne de la fin du XIXe siècle. Ces techniques étaient les suivantes : organisation dans les salles du musée à l'aide de boucliers placés dans des rebords d'une surface « brisée » pour exposer des peintures ; rejet de l'éclairage au plafond et utilisation de l'éclairage directionnel ; inclusion dans l'offre visuelle de l'exposition d'œuvres d'art populaire en tant que prototypes esthétiques.

Lors de la création d'expositions complexes avec un grand nombre d'œuvres de différents types, conçues pour révéler un «grand» sujet, il y a des cas où même des expositions sélectionnées «ciblées» ne transmettent pas adéquatement l'idée de l'exposition, quelle que soit leur hauteur. qualité artistique peut être. De telles expositions exigent une multidimensionnalité sémantique, inaccessible par les possibilités d'exposition de la « rangée académique » ou de « l'exposition en bref ».

Exposition « Saint-Pétersbourg. Portrait de la ville et des citoyens » a résolu la tâche extrêmement difficile de présenter un phénomène culturel tel que « l'âme de Saint-Pétersbourg », associée à son 300e anniversaire. L'ensemble du complexe de l'exposition était divisé en deux parties : la vue et l'événement. Le matériel d'exposition de l'exposition était inhabituellement hétérogène et, avec son langage artistique, devait créer une certaine intrigue, révélant des concepts associés à jamais au nom de la ville tels que « nuits blanches », « Venise du nord », « Prospekt Nevsky », « berceau de la révolution », « blocus », « capital culturel » et autres. Chacun de ces concepts a été présenté dans la sélection des pièces les plus caractéristiques liées à son sujet. Ces concepts sous forme de blocs d'exposition ont été placés dans tous les espaces spatiaux et thématiques de l'exposition, sans nécessairement avoir une « reliure » rigide. Au niveau sémantique, une telle exposition incarnait visiblement le lien des époques depuis l'époque de Pierre le Grand jusqu'à nos jours et permettait de voir d'une manière totalement nouvelle à la fois la gravure du début du XVIIIe siècle avec les premiers plans d'urbanisme pour St. réalisme socialiste officiel et underground informel. «L'âme de Pétersbourg» est apparue comme une grâce particulière, coulant de siècle en siècle, perceptible dans tous les «types de Pétersbourg», d'un colporteur de rue à un batteur de travail communiste, d'un dignitaire royal à un compositeur moderne. L'« âme de Saint-Pétersbourg » a également spiritualisé son paysage, qu'il s'agisse du panorama majestueux de la Neva ou de la périphérie ouvrière.

L'inclusion d'une séquence vidéo dans le champ visuel de l'exposition était une technique d'exposition qui donnait à l'exposition une qualité sémantique « stéréoscopique ». Dans la section "iconographique", une vidéo a été projetée montrant la ville sous la forme de "Venise du Nord", inextricablement liée à l'élément eau. Des actualités documentaires ont été diffusées dans la section consacrée au blocus de Leningrad. Dans les deux cas, la série vidéo complétait et interagissait avec la série visuelle. Dans le premier cas, les lieux reconnaissables de Saint-Pétersbourg dans une interprétation picturale ou graphique sur les murs des salles ont commencé à "échanger des places" avec la réalité virtuelle "d'écran" du tournage vidéo, dans le second, les actualités du blocus ont fait le travail artistique de ces années un document.

L'exposition comme principe d'organisation permet une présentation à part entière des œuvres conservées en permanence dans le fonds. De telles œuvres peuvent être inférieures dans leur qualité artistique aux œuvres de l'exposition permanente, qui déterminent le "visage" du musée, cependant, elles présentent un intérêt en raison de leur faible étude et de leur inaccessibilité au public. Montrer des œuvres "de fonds" permet de diversifier les formes traditionnelles du travail du musée, d'ouvrir légèrement les portes toujours fermées des réserves.

Le «fonds ouvert» du Musée d'État russe, en tant que forme d'exposition, a résolu ces problèmes et a montré l'une des sections de la collection de sculptures d'un montant supérieur à celui autorisé pour la construction traditionnelle de l'exposition. La sculpture a été placée sur des racks similaires à ceux de stock, qui n'assurent fonctionnellement que la capacité et la sécurité maximales du matériau et n'impliquent pour lui aucune représentativité et focalisation sur ses mérites artistiques. La sculpture sur les étagères était séparée du public par une barrière transparente et ne pouvait pas avoir de contournement circulaire, ce qui créait des limitations dans sa perception, mais le transfert des fonctions de stockage du bureau au lieu d'exposition a fait de ces fonctions un objet d'affichage et a rendu il est possible de voir un monde de musée spécial caché aux yeux des étrangers.

Des techniques d'exposition qui créent l'image d'un environnement muséal spécifique, transférées dans les salles, ont également été utilisées lors de l'exposition des nouvelles acquisitions (1998). L'exposition, représentant un large éventail d'acquisitions muséales de nombreux types d'œuvres d'art dans toute sa diversité, a été décidée comme un stockage à grande échelle qui se déroulait dans les salles. Les expositions ont été placées sur des équipements spéciaux "de stock" - des panneaux de treillis pour la peinture, à travers des supports de cadre pour la sculpture, à côté du matériel d'exposition traditionnel: socles, panneaux, vitrines. Cette technique a créé l'image du musée comme une entité vivante et renouvelée, reliant le passé et le présent, le spécifique et le traditionnel.

Les expositions organisées à l'Ermitage d'État sont marquées par la plus haute qualité du matériel présenté, de la portée et de l'échelle. Chacun d'eux a une interprétation convaincante de l'exposition, qui se manifeste par des techniques de présentation expressives. L'exposition « Faberge : Lost and Found » (2004) présentait des bijoux fabriqués par Carl Faberge et d'autres artisans pour la famille impériale.

La tâche d'exposition consistait en une présentation digne des joyaux légendaires, qui sont de nouveau retournés dans leur maison ancestrale. Le problème de telles expositions est la petite échelle des expositions, qui ont été placées dans des vitrines-cubes transparentes, qui fixent la proportionnalité de l'environnement spatial. Chaque vitrine-cube avait un éclairage directionnel et offrait des conditions optimales pour la perception des objets exposés dans une pièce sombre. La conception de l'éclairage de l'exposition a créé l'image d'une grotte mystérieuse avec des trésors scintillant dans le crépuscule. L'effet était renforcé par des boucliers recouverts d'un matériau sombre, qui formaient un mur continu le long du périmètre de la salle, entièrement tapissé de fausses plantes à tiges pendantes. Les panneaux d'affichage présentaient également des images agrandies des œuvres exposées dans des vitrines à proximité.
Conclusions. La valeur d'une exposition d'art dans les conditions de la culture moderne est grande, et la bonne technologie pour leur conception est la clé du succès. Sur l'exemple de l'analyse des principaux concepts spatiaux proposés par les philosophes étrangers et nationaux, on peut voir que l'exposition est un type d'espace particulier, artistique.
Au niveau actuel de développement des expositions, il devient possible de regrouper de nombreux cas d'existence d'espaces d'exposition dans des bâtiments spécifiques de la ville en certains types, révélant leurs caractéristiques fondamentales. Le facteur le plus important dans l'organisation de l'environnement d'exposition est le principe d'exposition, qui détermine sa perception visuelle et sémantique. L'exposition permet également de résoudre les problèmes de formation d'un paysage culturel en adaptant des bâtiments urbains " non centraux " pour qu'ils fonctionnent comme un environnement d'exposition. Actuellement, l'exposition devient l'une des étapes de la formation du marché de l'art, offrant les conditions de son fonctionnement à part entière en tant qu'institution culturelle moderne. L'exposition permet aux moyens d'activités curatoriales de réaliser des projets artistiques socialement significatifs.

Organisation de l'exposition

comprend plusieurs éléments connus sous le nom de "Règle 4 R":

1. Planification d'une exposition.

2. Attirez les visiteurs.

3. Personnel.

4. Obtention et analyse des résultats.

Planification d'exposition

Afin d'organiser correctement une exposition et d'obtenir finalement le maximum de résultats, vous devez d'abord décider : dans quel but l'organisons-nous ?

1. La première étape pour organiser une exposition est de la définir sujet. Peut-être s'agit-il d'une exposition d'un artiste ou des tendances de l'art contemporain. Commencez par une idée.

2. Sélectionnez une date pour organiser une exposition. Assurez-vous qu'il n'y a pas d'événements similaires ces jours-là.

3. Les organisateurs. Allez-vous vous en occuper seul, allez-vous impliquer les autorités de la ville ou du district, ou allez-vous trouver des partenaires ? Précisez immédiatement qui fera quoi, ainsi que les problèmes financiers, et s'il ne s'agit pas de vos proches, concluez un contrat écrit. Pour organiser l'exposition, essayez de trouver des financements supplémentaires - il peut s'agir d'entreprises et d'investisseurs privés. Les grandes expositions coûtent généralement beaucoup d'argent, mais elles offrent une énorme opportunité d'augmenter le prestige de l'organisation qui parraine l'événement.

4. Publicité. Lorsqu'il s'agit d'organiser une exposition, vous devez absolument créer du matériel promotionnel - brochures et catalogues. Planifiez le contenu du catalogue et essayez de trouver des experts en art qui écriront des textes pour celui-ci. Approuvez la conception de tous les matériaux liés à votre exposition - catalogue, bannières, cartes postales, calendriers, etc. Désormais, les brochures, dépliants et livrets seront imprimés pour vous par n'importe quelle imprimerie. Assurez-vous qu'il y a toutes les informations nécessaires pour ceux qui veulent vous retrouver après l'exposition. Une petite feuille claire d'informations de base est tout ce dont vous avez besoin ! De plus, vous devrez dépenser de l'argent en publicité, ce qui attirera les visiteurs de l'exposition. Dans environ un mois, des publicités lumineuses devraient apparaître dans les journaux de la ville et à la télévision locale. Des affiches devront également être accrochées dans les rues. Vous devez également distribuer des dépliants dans les endroits bondés et faire de la publicité sur Internet. Les articles et les messages sur les pages thématiques, encore les sites thématiques, les forums et les réseaux sociaux, ainsi que les listes de diffusion et la publicité contextuelle fonctionnent mieux sur le réseau.

5. Créer un espace d'exposition. Classement des principaux types d'espaces d'exposition :

1) "profil", c'est-à-dire spécialement conçus et construits à des fins d'exposition ou fonctionnant pendant longtemps dans cette capacité, adaptés à ces fins, mais non initialement destinés à ces fins ;
2) "aléatoire", y compris les espaces d'exposition en plein air.

Tous les types d'espaces d'exposition répertoriés ont un système de «lieux» - points d'accent, corrélés avec des projections de divisions rythmiques de l'espace. Un tel système de points d'accent sera déterminé dans chaque type d'espace d'exposition par la présence d'éléments architecturaux, d'unités fonctionnelles ou (espaces d'exposition ouverts) par les objets exposés eux-mêmes et leurs supports.

Vous aurez peut-être besoin de l'aide d'un professionnel pour mettre en place des installations artistiques ou positionner de très grandes peintures. Organisez l'espace de manière à ce qu'il soit pratique pour les visiteurs de s'y déplacer et à ce que toutes les expositions puissent être vues. Le mouvement de l'information de l'exposant au visiteur se compose de trois étapes : À la première étape, elle est sélectionnée - la formation du scénario de l'exposition. Lors de la deuxième étape, les informations sélectionnées sont revêtues de la forme dans laquelle elles seront transférées au visiteur (sous la forme sujet-banc de l'exposition, sous forme de cérémonie, d'entreprise, de qualification, de consultation, d'éducation, de publicité et de divertissement événements; dans les formes électroniques de l'exposition). À la troisième étape, l'information est transmise, reçue, perçue et comprise, visant à «l'effet post-exposition», qui est l'objectif principal de la tenue d'expositions. L'utilisation d'une variété de thèmes et de scénarios d'exposition se reflète dans les différentes échelles de l'exposition, ses expositions et équipements constitutifs, notamment :

a) Éléments de banc d'objet de l'exposition - composants volumétriques-spatiaux (expositions et stands) de l'organisation de l'espace d'exposition.

b) Éléments électroniques de l'exposition - moyens multimédias de présentation d'informations visuelles, graphiques, textuelles, audio et vidéo, y compris des composants interactifs.

6. Créer panneaux d'informationà tous les métiers. Le texte explicatif complet comprend non seulement le titre, mais répond également aux questions générales des téléspectateurs. Ainsi, les visiteurs de l'exposition pourront mieux appréhender ce qui est présenté.

7. Horaire programme d'exposition et rédiger un communiqué de presse sur l'événement. Envoyez-le à la presse artistique et aux magazines de voyage. Il est possible que exposition non seulement les résidents de votre ville voudront visiter.

8. Pensez à ce que ce sera vernissage de l'exposition. Souvent, un événement est organisé lors de la soirée d'ouverture : un court métrage (par exemple, une interview de l'auteur), une performance d'un groupe musical ou simplement un mot d'introduction des auteurs, des commissaires et de toutes les personnes intéressées. Organisez un événement pour célébrer l'ouverture de l'exposition et observez que de plus en plus de gens se lancent dans des idées d'art, grâce à vous et à l'exposition organisée par vous. Une option intéressante pour intéresser les visiteurs - animer des master class. Attribuez une place à un artisan qui créera des choses sous les yeux des visiteurs et enseignera en même temps à tous ceux qui le souhaitent des astuces simples.

chambre. Trouver un endroit. Ils dépendent de la taille de l'exposition prévue, de sa direction et même de la période de l'année, car en été, vous pouvez faire beaucoup de choses juste en plein air. Maintenant, la plupart des musées organisent diverses expositions temporaires, donc si vous aimez la couture ou l'artisanat populaire, vous pouvez négocier avec eux. Une exposition assez décente peut être organisée dans le hall de l'hôtel, dans la maison de la culture ou dans le nouveau centre commercial, où tous les espaces n'ont pas encore été loués. En général, maintenant dans n'importe quelle ville, il y a suffisamment de locaux gratuits qui sont loués, parfois pour la vente de chaussures, parfois pour les foires à la fourrure.

Spécialité HAC RF17.00.04
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1.1 L'histoire de la formation des principes d'exposition.

1.2 Analyse des spécificités et des fonctions de l'exposition en tant que système.

1.3 Classement des expositions d'art contemporain.

Chapitre 2. Exposition d'œuvres d'art et d'artisanat en tant qu'objet de perception artistique.

2.1 Niveaux de perception artistique de l'exposition.

2.2 Perception de l'exposition en tant que structure visuo-spatiale.

2.3 Exposition d'œuvres d'art et d'artisanat comme objet d'analyse de l'histoire de l'art.

Chapitre 3. Propriétés d'exposition des objets d'art et d'artisanat.

3.1 Œuvres d'art et d'artisanat en tant qu'objets d'exposition.

3.2 Propriétés spécifiques et caractéristiques expressives des matériaux d'art et d'artisanat.

3.3 Facteurs de perception visuelle des objets d'art et d'artisanat.

Chapitre 4. Spécificité des expositions d'œuvres d'art et d'artisanat.

4.1 Systématisation des conditions d'exposition spécifiques f. oeuvres d'arts décoratifs et appliqués.

4.2.Méthodologie d'organisation de l'exposition d'œuvres d'art et d'artisanat.

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Conclusion de la thèse sur le thème "Beaux-arts et arts décoratifs et architecture", Toropova, Elena Olegovna

1. L'interaction de l'espace et de la forme, les caractéristiques de la forme selon le degré de son activité et le contact d'exposition des matériaux entre eux doivent être considérés comme des conditions spécifiques pour l'exposition d'œuvres d'art décoratif et appliqué.

2. Les qualités du matériau lui-même sont déterminées par la tectonique, la texture et la texture ; les qualités nécessaires à l'exposition sont déterminées par des caractéristiques visuelles, c'est-à-dire la densité du flux lumineux, la sensation de poids et l'associativité figurative.

3. Les principes de classification des propriétés d'exposition des matériaux peuvent être leur densité dans le flux lumineux, le poids visuel et l'associativité figurative. La densité du flux lumineux dépend de la texture du matériau, de la sensation de poids - de la texture, l'associativité figurative de la lecture d'une chose est déterminée par la tectonique.

4. Presque tous les matériaux sont comparables sous certaines conditions concernant la notion d'exposition.

5. Dans l'espace du hall d'exposition, on distingue les zones de perception active et passive. Conformément au concept de l'exposition, le degré d'activité de l'exposition augmentera si des formes d'objets actifs sont situés dans les zones actives. Si les formes d'objets passifs sont situés dans des zones actives et que les formes actives sont dans des zones passives, alors l'exposition devient un milieu moyen en tous points.

6. Les facteurs influençant l'activité d'une exposition sont le caractère associatif de sa forme ; la quantité de décor, sa masse et sa gravité spécifique dans la perception de l'objet ; l'impact d'une exposition à proximité (le rapport du matériau, l'associativité de la forme et de la taille).

7. Le processus d'organisation d'une exposition comprend plusieurs étapes: développement du concept de l'exposition, sélection des expositions, élaboration d'un plan thématique et d'exposition, y compris l'organisation d'une composition formelle, l'organisation artistique de l'espace et des objets conformément à le concept (découpage de l'espace en zones, définition des dominantes et organisation des ensembles, équipements d'éclairage et d'information).

8. Les proportions des œuvres et l'espace de la salle, le rythme du placement des œuvres et des pauses entre elles, le niveau de l'horizon et l'angle d'observation, le mouvement du spectateur sont des éléments de lecture de l'exposition. La tâche de l'exposant est de les organiser de manière à former une idée de l'intégrité de l'exposition, qu'il serait possible d'inspecter au moindre coût mental.

9. Lors de la division visuelle de l'espace, il est important de mettre en évidence les zones de perception active et de faire des pauses entre elles pour reposer les yeux conformément aux schémas de perception des proportions. Le volume d'exposition doit être proportionné en fonction des valeurs anthropométriques.

10. Le rythme de placement des œuvres dans l'exposition est d'une grande importance pour la perception d'une œuvre séparée, pour la perception de tout l'espace de la salle, pour déterminer l'itinéraire, la vitesse, le temps et l'activité de l'ensemble du visionnage. Le rythme fixe la dynamique des sensations, la tâche de l'expositionniste est de le programmer conformément au concept de l'exposition. Le rythme donné est un moyen d'harmonisation dans la composition de la salle.

1. Lors de l'exposition, il faut partir des caractéristiques de l'exposition et de l'ensemble dans son ensemble. Les relations de composition dans le regroupement des objets d'exposition sont formées sur la base des modèles de perception de la forme élémentaire et de l'arrière-plan. La fermeture des contours, la similitude structurelle et la proximité spatiale affectent l'ampleur des forces de liaison.

2. Le système visuel économise son travail sur l'analyse des informations, économise l'énergie mentale et s'efforce d'obtenir un confort psychologique. L'inconfort dans l'exposition est causé par le manque de clarté apaisante de la construction de la composition, la restructuration fréquente de l'appareil visuel, la composition déséquilibrée et déséquilibrée des zones d'exposition individuelles. Par conséquent, il convient de prendre en compte l'existence d'un certain nombre de régularités dans la perception de la composition dans le travail sur l'exposition de l'exposition.

CONCLUSION

L'exposition d'œuvres d'art et d'artisanat est un moyen de communication spécifique, elle présente directement au spectateur une œuvre d'art réalisée par l'homme. L'énergie matérialisée de l'esprit créatif de l'artiste, ancrée dans les œuvres d'art décoratif et appliqué, se révèle dans l'exposition de l'exposition. À l'ère de l'émergence de la réalité virtuelle qui remplit l'espace informationnel des communications humaines, une telle exposition demeure une source vivante et un environnement de communication directe et d'expérience esthétique. Le rapport modifié des espaces de perception réels et virtuels rend pertinent le fonctionnement des expositions d'œuvres d'art et d'artisanat, et donc la compréhension scientifique de tous les problèmes qui y sont associés.

À la suite de cette étude, les conclusions suivantes ont été tirées :

1. L'exposition est un système unique qui comprend une exposition ou des expositions, un espace spécialement structuré et des éléments de l'environnement qui assurent l'intégrité conceptuelle et figurative de l'exposition. Il se caractérise par ses qualités de conception, d'esthétique, d'information, d'art, étant à la fois un moyen d'exposition d'œuvres d'art et une œuvre d'art indépendante. L'exposition remplit ses fonctions de moyen de communication, d'information et de détente.

2. Cet article propose une classification des expositions selon le principe d'organisation du point de vue de la communication visuelle et identifie les types suivants : intrigue-figurative, documentaire-informationnelle, activité créative.

3. Il est nécessaire de construire le processus d'observation de l'exposition par le spectateur, en tenant compte de la nature de l'interaction entre la forme des expositions et l'espace, la présence de zones spatiales actives et passives dans la salle d'exposition, en connaissant les schémas de perception de l'espace, du temps et de la forme. Sur cette base, l'article propose une hypothèse sur le changement du degré d'activité d'exposition à partir de la localisation des formes de sujet actives dans les zones spatiales actives ou passives de l'exposition.

4. Considérant la question des caractéristiques associatives de la forme, nous pouvons distinguer les types qui dénotent le calme, l'excitation, l'anxiété, l'agressivité. Dans les tableaux "Effet visuel d'interaction de formes unidimensionnelles" et "Effet visuel d'interaction de deux formes de tailles différentes", les possibilités de création d'ensembles à partir d'objets avec différentes associativités de formes sont déterminées.

5. Les propriétés, possibilités et qualités systématisées des matériaux pour les œuvres d'art et d'artisanat sont résumées dans le tableau "Propriétés des matériaux pour l'artisanat d'art".

6. Les qualités du matériau des œuvres d'art et d'artisanat sont déterminées par la tectonique, la texture et la texture, et ses qualités d'exposition sont déterminées par les caractéristiques visuelles suivantes :

Densité dans le flux lumineux,

Sentir le poids

associativité figurative.

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240. Classification des expositions selon les caractéristiques diamantiques essentielles du point de vue de la communication visuelle1. passif contemplatif

241. Informations visuelles. Étain jspozntsn.1. Parcelle MAIS" figuratif

242. Documentaire et informationnel1. Tsé. malade et content

243. Atteindre un état émotionnel, un thème, une intrigue.

244. Atteindre le plus grand contact informationnel, chose et soi.1. La co-création du spectateur, son inclusion dans le processus de l'art. Artefact.1. Activement contemplatif 1. Interactif1. Formes d'organisation

245. Équilibre, équivalence de l'élément et de l'espace.

246. Éléments actifs, autosuffisants, espace passif.

247. Créer un environnement pour le spectateur et son acte créatif.

248. Espace pour une interaction active. Exposition en tant qu'œuvre d'art.1. Exemples1. Créatif? lisitl

249. ZONES DE PERCEPTION ACTIVE DANS L'ESPACE DU SALLE D'EXPOSITION

250. Série associative de formes sujet

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Théâtralisation de l'espace muséal comme forme d'interaction avec les visiteurs 2006, candidate aux études culturelles Shchepetkova, Irina Anatolyevna

Biennales et festivals comme forme d'actualisation de l'art contemporain : sur l'exemple des projets de la Fondation Graphisme Contemporain 2009, candidate de critique d'art Fedina, Evgenia Vladimirovna

Les spécificités de la conception d'un stand pour des expositions industrielles 2010, candidat des sciences techniques Seryakov, Vadim Alexandrovich

Conclusion de la thèse sur le thème "Beaux-arts et arts décoratifs et architecture", Toropova, Elena Olegovna

Liste de références pour la recherche de thèse candidat de l'histoire de l'art Toropova, Elena Olegovna, 2003