Showforum télécharger la présentation sur la créativité. Le concept de créativité. Créativité dans les activités éducatives

B2310a. George Bernard Spectacle Bernard Spectacle Bernard Spectacle Bernard Spectacle

Spectacle Bernard. "Pigmalion" (élève 10-...

10-Dans la classe ZOSh n ° 2 Khotska Inna George Bernard Spectacle- un éminent dramaturge anglais, critique de théâtre, hromadsky ... de nombreux n "s". Parmi les œuvres, écrites par B. Spectacleà la Première Guerre mondiale, la plus grande ... 1917). Les puants ont ouvert une nouvelle période de créativité Spectacle. Le tournant de la création d'écriture pour le dramaturge...

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M.Kiev Uch.Yusipovich I.V. George Bernard SpectacleÉminent dramaturge anglais, critique et grand enfant de cette jeunesse. L'enfantillage de Budinok, de né Bernard Spectacle George Bernard Spectacleétant né en 1856 près de Dublin, ... Londres chantait spiv. 15e Bernard Spectacle succombant à la maladie du père et à la folie du cul...

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George Bernard Spectacle« Apple Cart » : analyse actuelle « Apple Cart expose… des extravagances politiques ». Objectivement, la nouvelle forme était due à deux circonstances : la satire Spectacle désormais tourné contre le système politique et le système étatique de l'Angleterre capitaliste...

"Développement des capacités créatives des élèves" - Comment se déroule la formation de l'activité créative des élèves dans les conditions scolaires? De la compétence à la créativité. Merci gentille femme! Percevoir l'ambiguïté des choses; 12. Concours au niveau de l'école, de la ville, de la république, hors de la république ; Il y avait un client à proximité. De retour au garage, nous avons trouvé un bocal et y avons versé du lait.

"Enfants surdoués" - création d'un système de gestion pour le travail avec des enfants surdoués dans le territoire de Krasnoïarsk ; conduire événements de masse avec des enfants surdoués; création d'un environnement éducatif enrichi dans le domaine de l'éducation de base et complémentaire pour le développement des surdoués dans le territoire de Krasnoïarsk ; participation d'enfants surdoués du territoire de Krasnoïarsk à des compétitions, compétitions, olympiades, tournois en dehors du territoire de Krasnoïarsk.

"Développement de la douance" - L'influence des facteurs et des conditions sur le développement de la douance. Facteurs de développement de la douance. Le domaine de la libre créativité et de l'innovation. La possibilité d'atteindre un résultat si la ressource pour le développement est suffisante, c'est-à-dire sous condition de «stress possible» Le niveau où le début de la formation de ZUN et de néoplasmes psychologiques est possible.

"Le travail de l'école avec les enfants surdoués" - 2 sens. Je direction. Augmenter le nombre d'enfants ayant des dons intellectuels et créatifs. Plan de calendrier projet. Problème du projet : ressources du projet. Objectifs du projet : Les principales activités pour la mise en œuvre des orientations du projet. Résultats attendus du projet. 3 sens. Travailler avec des enseignants pour améliorer leurs compétences dans le travail avec des enfants surdoués.

"Travailler avec des enfants surdoués" - Développement et expansion des intérêts cognitifs des élèves. Section tasses. Le système est un système d'évaluation unifiée d'une évaluation complète. Création de conditions propices au développement optimal de la douance. Étapes d'une stratégie de travail avec les enfants surdoués. Profil des cours spéciaux. Conférence d'histoire locale. Les principales formes de périscolaire Activités éducativesÉlèves.

« Travailler avec les surdoués » - Très important : Dans les domaines conceptuels, les surdoués en mathématiques se manifestent plus tôt que les autres. 4 personnes sur 11 préparent l'examen de biologie.La douance dans l'activité musicale se manifeste surtout tôt, puis dans le dessin. Problèmes des enfants surdoués. Préparation aux examens dans les matières du cycle des sciences naturelles.

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La présentation sur le MHK sur le thème: "Créativité de M. A. Vrubel" a été préparée par: Zavyalova Ksenia et Andreeva Anastasia

Mikhail Aleksa ndrovich Vroubel est un artiste russe exceptionnel du tournant des XIXe et XXe siècles, un maître des possibilités universelles, qui a rendu son nom célèbre dans presque tous les types et genres de beaux-arts : peinture, graphisme, sculpture décorative, art théâtral. Il était connu comme l'auteur de peintures, de panneaux décoratifs, de fresques et d'illustrations de livres.

L'épouse de l'artiste (1898) Nadezhda Ivanovna Zabe la Vrubel (20 mars (1er avril) 1868, Kovno - 21 juin (4 juillet) 1913, Saint-Pétersbourg) - chanteuse russe, soprano. "Lors d'une des répétitions", se souvient Zabela plusieurs années plus tard, "pendant une pause (je me souviens d'être debout dans les coulisses), j'ai été étonné et même quelque peu choqué par le fait qu'un monsieur a couru vers moi et, en me baisant la main, s'est exclamé :" Voix charmante!" T. S. Lyubatovich, qui se tenait ici, s'est empressé de me présenter: "Notre artiste Mikhail Aleksandrovich Vrubel", et m'a dit à part: "Une personne très expansive, mais tout à fait décente." Vroubel a toujours été si sensible au son de sa voix. Il pouvait à peine me voir alors - il faisait noir sur scène, mais il aimait le son de sa voix. C'est ainsi qu'ils se sont rencontrés. En 1896, Nadezhda Zabela a épousé Mikhail Vrubel, qui a laissé un certain nombre de ses portraits. Ensemble, ils ont vécu le reste de leur vie.

La création la plus remarquable de Vroubel à l'époque de Kiev était des croquis à l'aquarelle des peintures murales de la cathédrale de Vladimir. rayonnante, comme entourée du bleu sans fond du ciel, "Ange avec un encensoir et une bougie", étourdissante de la puissance d'un sentiment tragique. Le rythme solennel des plis des vêtements, les lignes strictes, la simplicité monochrome des relations de couleurs, le laconisme ultime de la composition aident à exprimer la profondeur et la grandeur de l'image. "Ange avec un encensoir et une bougie" 1887

En 1901, le fils tant attendu est né, il s'appelait Savva. De grands yeux bleus et une fente labiale. Pour un admirateur de la beauté de Vroubel, ce fut un véritable coup dur. Dans la laideur de son fils, l'artiste a vu un mauvais présage. C'est à cette époque qu'il plongea dans l'élément du "Démon", défiant Dieu. Vrubel a commencé à passer de la dépression, dont il souffrait, à un état maniaco-excité. Le célèbre psychiatre Bekhtere a trouvé en lui le développement d'une paralysie progressive. L'artiste sentait approcher la folie et avait très peur de lui. En 1903, la petite Savva meurt et Vroubel lui-même demande à être envoyé à l'hôpital. Il ne pouvait plus lutter seul contre la maladie. Il n'a pas pu échapper aux griffes de la neurasthénie et de la folie. Il imagine constamment le diable, qui aurait déformé ses peintures.

Ce célèbre portrait, peint d'un invité de l'hôtel, où Vroubel lui-même vivait à l'époque, qui est arrivé de Sibérie, est rempli d'une atmosphère de mystère et de mystère. Ce sentiment est créé à la fois par l'exécution technique elle-même et par la construction de l'intérieur approprié, l'expression sur le visage de la "diseuse de bonne aventure" et des "ornements" exquis ("Ornementation et architecture", a déclaré l'artiste, "c'est notre musique "). Si vous croyez aux dérapages de Vroubel lors de conversations avec des amis, alors la femme qui a servi de modèle était amoureuse de lui. D'une manière ou d'une autre, cette image est caractérisée par un étrange mystère. "Diseuse de bonne aventure" (1895)

La princesse cygne. 1900 Écrit sur la base de l'image scénique de l'héroïne de l'opéra de N. A. Rimsky. Korsakov "Le conte du tsar Saltan" basé sur l'intrigue du conte du même nom de A. S. Pouchkine. Rubel a créé des croquis pour les décors et les costumes, et sa femme NI Zabela-Vrubel a chanté le rôle de la princesse Swan. Ses photographies dans le rôle d'une princesse ont été conservées, ce qui montre que l'artiste s'est suffisamment éloignée de la nature lors de la création de son œuvre. La princesse de la toile de Vroubel est mystérieuse et énigmatique, son visage est triste. Sur la photo, une princesse. Un cygne sur fond de crépuscule descendant sur la mer, une étroite bande de coucher de soleil à l'horizon et une ville lointaine.

Cette image est également associée à la ferme de N. Ge in Lilac (1900) dans la province de Chernihiv, où en mai 1900 Vroubel a vu des fourrés de lilas en fleurs. Je les ai vus et émerveillés. Le lilas est devenu le thème de l'œuvre la plus complexe de l'artiste, dans laquelle il a tenté d'exprimer son credo philosophique et le désir même de surmonter l'écart entre forme-apparence et essence-sens. Ce désir, et pas du tout un accomplissement (acquisition de sens), a toujours été cher à l'artiste. Il considérait toute acquisition égale à la mort, car elle rend tout mouvement et développement ultérieurs impossibles. Dispersant des fleurs de lilas sur la toile, comme pour "gonfler" un nuage de couleurs flamboyantes, Vrubel joue magistralement le thème avec des variations, et le nom de ce thème est "la transformation du Chaos en Cosmos". Dans l'ensemble, "Lilas" était la conception du langage pittoresque du symbolisme. Soit dit en passant, elle a réconcilié Vrubel avec A. Benois, qui, de son propre aveu, a senti, debout devant le tableau, l'odeur des fleurs printanières. L'un des contemporains de l'artiste plus tard (lorsque Vroubel est devenu aveugle) a écrit: "La nature l'a aveuglé parce qu'il a scruté de trop près ses secrets."

Princesse des Rêves (1896) Un panneau décoratif est un tableau destiné à décorer de façon permanente ou temporaire une partie d'un mur ou d'un plafond, c'est-à-dire qu'il construit un espace de vie d'une certaine manière, l'influence, fait vivre les habitants de cet espace selon à leurs propres lois. Si nous n'oublions pas que le but principal du symbolisme était de construire la vie selon les lois de l'art, selon les lois de la beauté absolue, alors nous pouvons comprendre pourquoi Vroubel était si attiré par le travail sur les panneaux décoratifs, pourquoi il acceptait facilement les commandes pour leur création. Le panneau "Venise", 1893 (page suivante) a été commandé par l'artiste au jeune couple Dunker (Elizaveta Dmitrievna était la nièce de Fet) pour leur nouvelle maison à Moscou. Vroubel l'a écrit sur la base des impressions d'un voyage avec la famille Mamontov en Italie en 189192. , mais l'effet décoratif qu'il professait s'est avéré si agressif dans ce travail que les clients ont rejeté le panneau. En substance, une histoire ordinaire pour Vrubel. Quelque chose de similaire s'est produit avec le panneau "Princess of Dreams", réalisé pour l'exposition panrusse à Nizhny Novgorod.

"Pearl" 1904 "Pearl" - est une sorte de galaxie, capturant l'œil dans une spirale profonde dans la bouche d'un puits. Ici thème pictural est identique à la méthode même d'observation de la nature et à la méthode d'organisation du processus créatif de Vroubel : « se noyer dans la contemplation des subtilités ». voir le monde comme "un monde de détails merveilleux qui s'harmonisent sans cesse". Subtilité, détail, détail - mots clés et les concepts dans les caractéristiques de Vroubel de sa propre façon de "converser avec la nature". Tout comme, selon une métaphore bien connue, le monde entier se reflète dans une goutte d'eau, de même dans la "Perle" de Vroubel, l'idée est incarnée que dans un coquillage, si vous le mettez à votre oreille, vous pouvez entendre le bruit , grondement et bruits de l'abîme océanique.

Sur la base de la rébellion contre le positivisme, l'art essentiellement néo-romantique de Vroubel s'est également développé. L'ère symboliste a souligné dans la vie de Vrubel le "sceau de la folie et du destin" - l'obsession de l'image du démon. Il poursuit sans relâche le maître, fait signe avec l'insaisissabilité de son apparence, le fait revenir encore et encore sur lui-même, choisit de plus en plus de nouveaux matériaux et techniques pour son incarnation. Comme d'habitude, l'artiste est récompensé par des possibilités créatives illimitées. Mais la rétribution est inévitable - il souffre d'une terrible maladie, la mort d'un enfant, la folie, la mort. La plausibilité de la légende a été largement facilitée par les délires de culpabilité et de remords qui ont tourmenté le malade Vroubel ces dernières années. "On croit que le Prince de la Paix a posé pour lui. - Il y a quelque chose de profondément véridique dans ces images terribles et belles, excitantes jusqu'aux larmes. Son Démon est resté fidèle à sa nature. Lui, qui est tombé amoureux de Vroubel, l'a néanmoins trompé Ces séances étaient une moquerie et une taquinerie complètes. Vroubel a vu "Le Démon" 1890 maintenant une, puis une autre caractéristique de sa divinité, puis les deux à la fois, et à la poursuite de cet insaisissable, il a rapidement commencé à se diriger vers l'abîme, vers lequel sa passion des damnés la poussait, sa folie était logique la fin de son démonisme

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DÉBUT DE VIE

Le 15 juillet 1606, à Leiden, le riche meunier Harmen Gerrits et sa femme Neeltge Willems van Zeitbroek eurent un sixième enfant, nommé Rembrandt. Le moulin n'était pas loin du Rhin qui traversait la ville, alors Harmen Gerrits commença à s'appeler van Rijn, et toute la famille reçut cet ajout au nom de famille. Parents donnant Rembrandt une bonne éducation voulait qu'il devienne un scientifique ou un fonctionnaire. Il étudie à l'école latine, puis à partir de 1620 à l'université de Leyde, qu'il quitte sans la terminer. L'envie de dessiner, qui se manifeste depuis l'enfance, l'a conduit à l'atelier du peintre local Jacob van Swanenburg, qui a enseigné à Rembrandt les bases du dessin et de la peinture, l'a initié à l'histoire de l'art. Après avoir étudié avec lui pendant trois ans, Rembrandt s'installe à Amsterdam en 1623 et poursuit ses études avec le célèbre peintre Pieter Lastman (1583-1633). Mais la formation n'a duré que six mois. En 1624, Rembrandt retourna à Leyde et là, avec son ami Jan Lievens, ouvrit son propre atelier de peinture.

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L'œuvre de Rembrandt, empreinte du désir d'une compréhension profondément philosophique de la vie, du monde intérieur d'une personne avec toute la richesse de ses expériences spirituelles, marque l'apogée du développement de l'art hollandais du XVIIe siècle, l'un des sommets de la culture artistique mondiale. Le patrimoine artistique de Rembrandt est exceptionnellement diversifié : il a peint des portraits, des natures mortes, des paysages, des scènes de genre, des peintures sur des thèmes historiques, bibliques, mythologiques, était un maître inégalé du dessin et de la gravure. Rembrandt apprend des artistes du passé et de ses contemporains, maîtrise la technique de la peinture et de la gravure. Il étudie l'art de l'Italie à partir de moulages, de gravures, de copies et perçoit le principe humaniste de l'art italien. Le style baroque, né au XVIIe siècle, a également eu une grande influence sur son œuvre, mais la sophistication, le faste et la théâtralité accentuée de ce style étaient loin des recherches de Rembrandt. Il était un admirateur de l'œuvre de Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1510), le fondateur du courant réaliste de la peinture européenne du XVIIe siècle. Déjà dans les portraits de Rembrandt de la période de Leiden, l'intérêt de l'artiste pour le monde intérieur de l'homme est visible. Se concentrant sur la révélation de l'état d'esprit de la personne représentée, il omet les détails secondaires. Fin 1631, Rembrandt, célèbre portraitiste et auteur de peintures historiques, s'installe à Amsterdam, la plus grande ville commerçante.

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PETITES VICTOIRES

En 1634, Rembrandt épousa la fille de l'ancien maire de Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, une noble et riche patricienne. Après s'être marié, il achète une grande maison. Meubler la maison avec des choses luxueuses, l'artiste crée une riche collection, qui comprenait des œuvres de Raphaël, Giorgione, Durer, Mantegna, van Eyck, des gravures d'après les œuvres de Michel-Ange, Titien. Rembrandt a collectionné des miniatures persanes, des vases, des coquillages, des bustes antiques authentiques, de la porcelaine chinoise et japonaise, du verre vénitien, des tissus orientaux coûteux, des costumes de diverses nations, des tapisseries et des instruments de musique. Dans les années 30, Rembrandt était un artiste prospère, prospère et riche, ce qui se reflète dans ses œuvres.

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Dans de nombreux tableaux, il représente sa femme bien-aimée Saskia. Le célèbre Autoportrait avec Saskia à genoux (1635, Dresde, State Art Gallery) se distingue en particulier. Il se montre comme un joyeux cavalier avec un verre de vin, qui embrasse Saskia à moitié tournée, qui est assise sur ses genoux, dos au spectateur. L'image est pleine de vitalité, d'énergie et empreinte d'amour pour sa femme. L'autoportrait rompt audacieusement avec les canons artistiques, se distingue par l'immédiateté vive de la composition, la manière libre de peindre, la majeure, emplie de lumière, la gamme colorée. REMBRANDT ET SASKIA

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PEINTRE POPULAIRE

C'est l'époque où Rembrandt perfectionne sa technique de peinture et de graphisme, donnant à ses créations la plus grande expressivité et profondeur. Étudiant les méthodes traditionnelles d'écriture et les approches de la divulgation des sujets, dans son travail, il s'écarte de plus en plus de ces traditions. Au lieu de traits lisses et glacés, qui sont appliqués en fines couches de peintures transparentes et translucides sur une couche dense de peintures et créent une seule surface picturale de la toile, il peint des images avec des traits nets et pâteux, abandonnant progressivement les détails détaillés. Au début des années 1940, Rembrandt était un peintre populaire et très bien payé. Au cours des années 1930, il peint environ 60 portraits commandés. Il a une quinzaine d'élèves. L'un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt de cette période est Danae (1636-1646, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage).

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"DANAYA"

Après avoir placé l'héroïne mythologique dans une luxueuse alcôve d'une riche maison hollandaise bourgeoise, il prescrit magistralement un dais de velours, des oreillers élégamment brodés, admire les rayons de lumière dorée qui inondent le Danai de vagues douces. Il s'agit d'une incarnation vivante des vues esthétiques de l'artiste, pour ainsi dire, il entre dans une controverse avec les grands maîtres de la Renaissance : il a exécuté la figure nue de Danaé, loin des idéaux classiques, avec une immédiateté réaliste audacieuse, et opposée la beauté de la spiritualité et de la chaleur à la beauté sensuelle-corporelle idéale des images des maîtres italiens du sentiment humain.

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TRAGÉDIES FAMILIALES

Il a commencé à travailler sur l'image pendant une période de bonheur familial, au zénith de la gloire. Mais dans les années suivantes, beaucoup de choses ont changé : trois des enfants de Rembrandt meurent, quelques mois après la naissance du dernier fils, Titus, l'épouse bien-aimée de Saskia est décédée, et bientôt il perd sa mère et ses sœurs. L'un des derniers portraits de sa femme était le dernier portrait de Saskia.

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Au début des années 40, Rembrandt a reçu une commande du capitaine de l'équipe de fusiliers Frans Banning-Cock pour un grand portrait de groupe de l'équipe pour le hall principal du nouveau bâtiment de la Amsterdam Rifle Guild. La célèbre Ronde de nuit est créée (1642, Amsterdam, Rijksmuseum) (3,87–5,02 m). Un détachement de 18 personnages est un seul groupe cohérent entouré de citadins. Des flèches sortent de l'arche du bâtiment vers la place illuminée, sous un drapeau agité. Le portrait de groupe prend le caractère d'une sorte de tableau historique dans lequel Rembrandt incarne son idée des idéaux civils. Les avis des contemporains sur le tableau étaient partagés : certains virent immédiatement le chef-d'œuvre, d'autres, dont les clients, trouvèrent que le tableau ne répondait pas aux traditions d'un portrait de groupe. Par conséquent, elle a été pendue dans un autre endroit, plus petit, qui ne lui était pas destiné, coupant la toile de tous les côtés, ce qui violait la composition de l'image. Malgré cela, elle est un exemple inégalé de portrait de groupe, où chaque personnage se voit attribuer une caractéristique psychologique aiguë.

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"La ronde de nuit", Rembrandt, 1642, Rijksmuseum

Une composition héroïquement exaltée avec une scène de la Guilde des fusiliers au signal d'alarme, un tableau historique qui évoque les souvenirs de la lutte de libération du peuple néerlandais.

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Les années 50 et 60 sont marquées par la création de chefs-d'œuvre exceptionnels, ainsi que par l'approfondissement du conflit de l'artiste avec les autorités. Le mécontentement des autorités a été causé par le fait que Hendrikje Stoffels, une ancienne servante de la maison Rembrandt, devient sa concubine. L'artiste ne pouvait pas l'épouser officiellement, car. selon la volonté de Saskia, Rembrandt, en concluant un nouveau mariage, serait privé du droit d'être le tuteur de l'héritage de son fils Titus. L'église a persécuté Hendrickje pour sa relation, non consacrée par le mariage. Rembrandt dépeint à plusieurs reprises Hendrickje, elle devient son modèle. Portrait d'Hendrickje Stoffels, 1657

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Au centre de l'œuvre de Rembrandt se trouve l'homme, son monde intérieur, sentiments et joies. donnant grande attention portraits, il s'attache à révéler l'univers spirituel de ses modèles. Rembrandt reçoit des commandes de peinture si rares à cette époque : Aristote méditant devant le buste d'Homère (1653, New York, Metropolitan Museum of Art). Au milieu des années 1650, Rembrandt a acquis une compétence de peinture mature. Les éléments de lumière et de couleur, indépendants et même partiellement opposés dans les premières œuvres de l'artiste, fusionnent désormais en un seul ensemble interconnecté. La masse de peinture lumineuse rouge-brun, tantôt clignotante, tantôt s'estompant, frémissante, renforce l'expressivité émotionnelle des œuvres de Rembrandt, comme si elle les réchauffait d'un sentiment humain chaleureux.

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LA FAILLITE

En 1656, par une décision de justice, la mairie d'Amsterdam déclara Rembrandt débiteur insolvable, un inventaire des biens fut dressé et, en 1656-1658, il fut vendu. La valeur réelle de la propriété de l'artiste était plusieurs fois supérieure à la taille de ses dettes : la collection était évaluée à 17 000 florins. Cependant, elle n'a été vendue que pour 5 000, la maison a été évaluée à la moitié de son coût d'origine. Mais tous les créanciers n'étaient pas satisfaits. Et le tribunal a statué que toutes les peintures qui seront créées par l'artiste doivent être vendues pour rembourser les dettes, le tribunal a également privé Rembrandt du droit de propriété, à l'exception des objets portables et des fournitures de dessin, ce qui signifiait une existence mendiante. La famille Rembrandt déménage dans le quartier le plus pauvre d'Amsterdam. Titus, après la ruine de son père, afin de rendre sa propriété totalement inaccessible aux créanciers de Rembrandt, rédige un testament dans lequel il lègue toute sa fortune à sa sœur Cornelia, et nomme Rembrandt comme tuteur avec le droit d'utiliser l'argent . Malgré la situation difficile, Rembrandt continue d'écrire.

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Rembrandt Van Rijn. AUTOPORTRAIT

En 1660, Titus et Hendrickier ouvrent une boutique d'antiquités, où Rembrandt est engagé par un expert. Et bien que, par une décision de justice, les tableaux nouvellement peints par Rembrandt devaient être mis à la disposition des créanciers, le contrat d'engagement de travail permettait à l'artiste de transférer ses œuvres chez un antiquaire. Cela a permis à la famille d'augmenter ses revenus et d'acheter une maison. Une fois de plus, l'artiste se tourne vers des autoportraits, vers des peintures sur un thème biblique.

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En 1663, Hendrickje meurt, laissant une boutique d'antiquités à Titus et un petit héritage à Rembrandt. Rembrandt devient le tuteur de sa fille Cornelia. Après une pause créative de deux ans, il peint plusieurs tableaux célèbres : David et Uriah, 1665, Jewish Bride, 1665, Family Portrait. Mais la véritable apothéose de toute l'œuvre de Rembrandt fut le tableau Le retour du fils prodigue (1668-1669, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage). À plusieurs reprises, l'artiste s'est tourné vers ce sujet (des esquisses et des croquis se trouvent déjà dans les années 30). Sur une immense toile (260 × 205 cm), une figure agenouillée d'un fils qui est retourné au refuge de son père est représentée de dos. Sa figure incarne le remords d'un homme qui a franchi le chemin tragique de l'apprentissage de la vie. Le visage sage et spiritualisé du vieux père, sanctifié par une grande bienveillance, acceptant et pardonnant à son fils, est un chef-d'œuvre de Rembrandt, un maître qui sait pénétrer dans l'âme de ses personnages et montrer toutes leurs expériences sur toile. C'est une image de souffrance et de grand amour.

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Rembrandt a créé de merveilleuses œuvres dans presque tous les genres, a utilisé une variété de techniques d'écriture (peinture, dessin, gravure). Le plus grand maître, il a influencé de nombreux artistes célèbres. L'auréole de gloire autour du nom de Rembrandt ne s'est pas estompée et après sa mort, il a reçu une véritable reconnaissance comme l'un des peintres les plus remarquables de tous les temps. Selon les nuances psychologiques des portraits, l'artiste appartient aux meilleurs portraitistes du baroque ("Portrait de Saskia", "Night Watch"). L'œuvre de Rembrandt a eu un impact significatif sur le développement des beaux-arts mondiaux. Au total, Rembrandt a créé plus de 250 peintures, 300 estampes et 1 000 dessins. Une comédie musicale a même été mise en scène à Amsterdam sur la vie du grand artiste Rembrandt, qui a créé Danae, The Night Watch et The Return of the Prodigal Son. Dans la performance, le peintre apparaît devant le public avec tous ses avantages et ses inconvénients. En Hollande, le 15 juillet, jour de l'anniversaire de Rembrandt, est célébré comme une fête nationale. En février 1668, Titus épousa Magdalena van Loo, mais mourut peu après. Cela a porté un coup écrasant à Rembrandt, et le 8 octobre 1669, il meurt dans les bras de sa fille Cornelia.

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