Prezentare pe tema artelor plastice ale secolului XX. Pictura secolului al XX-lea - un nou limbaj de artă - prezentare la Teatrul de Artă din Moscova. Activități de învățare universală

23.02.2021

Arta secolului al XX-lea este multifațetă și ambiguă. A șocat, surprins, captivat. Pentru a-l înțelege, mai întâi trebuie să înțelegeți cel puțin direcțiile sale principale.

Constructivismul este o tendință de avangardă în arte plastice, fotografie și cinema care a apărut în anii 1920 și 1930.

Se deosebește de altele prin severitatea liniilor, concizia și soliditatea imaginii.

Avangardismul este o tendință experimentală care a apărut la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea. Depășește estetica clasică și se distinge prin simbolism.

Conceptul de „avangardism” este eclectic. Aceasta include o serie de școli din întreaga lume, care pot fi foarte diferite unele de altele.

Condițiile prealabile pentru apariția avangardismului includ regândirea de către poporul Europei a principalelor valorile vieții, precum și apariția de noi tratate filosofice și dezvoltarea activă progresul științific și tehnologic.

Muzica secolului XX a profesat aproape complet modernismul și inovația. Modernitate, impuls, expresionism - asta a determinat crearea de noi direcții.

Și dacă la începutul secolului al XX-lea accentul principal era pe muzica clasică, atunci până la sfârșitul anilor 50 oamenii au început să ridice o cortină grea și să creeze ceva care ar putea întoarce societatea cu susul în jos. Pe baza revoluției muzicale au început să apară primele subculturi.

De asemenea, teatrul s-a dezvoltat rapid. Au început spectacolele muzicale. În ciuda tendințelor moderne, publicul, totuși, nu i-a trădat pe clasici. Reînvierea teatrului a început la sfârșitul secolului al XX-lea, după sfârșitul prelungitului Război Rece.

Cinematografia la acea vreme era izbitoare prin sinteticitatea și generalizarea sa. În ciuda încercării de a sintetiza fotografia, teatrul, muzica, etnia, estetica și chiar științele exacte, în general, doar câteva tablouri, realizate în mare parte după anii 80, au meritat atenție.

Poate că motivul pentru aceasta a fost situația politică acută, precum și criză economică. Este imposibil să nu ne amintim de asemenea figuri ale cinematografiei din secolul al XX-lea precum Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Marlon Brando, Clark Gable, Grace Kelly și Charlie Chaplin.

Fotografia în secolul XX a cunoscut doar suișuri și coborâșuri. Inițial, lumea a fost cucerită de Polaroid cu dezvoltarea instantanee a fotografiilor. Dar după ce Japonia a preluat controlul, până la sfârșitul secolului, oamenii s-au familiarizat cu arta fotografiei color, sepia și, de asemenea, primul programe electronice pentru prelucrarea cadrelor.

După cum puteți vedea, arta secolului al XX-lea este ambiguă. Pe de o parte, dezvoltarea sa a fost puternic împiedicată de război și de situația politică mondială. Pe de altă parte, sfârșitul secolului trecut poate fi numit leagăn, punctul de plecare al întregii abundențe creative moderne.

Secțiuni: MHK și IZO

Clasă: 11

Tipul de lecție: combinat

Formularul lecției: lecție - îmbunătățirea cunoștințelor, formarea unei noi viziuni a problemei.

Obiective:

Formarea susceptibilității estetice la ideile despre tradițiile istorice și valorile culturii artistice în pictura rusă și străină la începutul secolelor XIX - XX.
Dezvoltarea și formarea conceptului de „dialog între privitor și artist” bazat pe lucrările lui V. Kandinsky.
Cresterea sfera emoțională elevi.

Să dezvăluie și să generalizeze principalele direcții ale tendințelor artistice în pictură la cumpăna dintre secolele XIX și XX;
Pentru a forma o imagine holistică, cu mai multe fațete, plină de diferite caracteristici individuale ale epocii;

Echipament: computer, proiector, placă demonstrativă.

Interval vizual: e pigraf pe tablă, prezentare - prezentare de diapozitive pe tema lecției.

Prezentare de diapozitive: O. Renoir „Leagăn”, Paul Gauguin „„Viziunea după predică sau lupta lui Iacov cu Îngerul”, E. Munch „Țipătul”, V. Borisov - Musatov „Lac de acumulare”, A. Matisse „Camera roșie” , S. Dali „Lebedele înfățișate în elefanți”, P. Picasso „Fetele din Avignon”, V. Kandinsky „Vaca”, „Tabelele culorilor”

Planul lecției:

I. Moment organizatoric. Prezentarea temei și sarcinilor lucrării din lecție.

II. Parte principală. Repetarea, clasificarea, generalizarea materialului acoperit.

III. Dobândirea de noi cunoștințe, pe baza analizei materialului acoperit, cunoașterea mișcării „Cubismul”, „Abstracționismul”.

IV. Rezumând lecția, teme.

În timpul orelor

Vreau să încep lecția cu cuvintele artistului Henri Matisse: „A crea înseamnă a exprima ceea ce este în tine.”

eu. Astăzi, sarcina noastră va fi să creăm un anumit portret al unei epoci din istoria artei picturale, la cumpăna dintre secolele al XIX-lea și al XX-lea, o epocă plină de căutări creative, experimente care au schimbat complet ideea de pictură și de rolul artistului în ea. În această epocă, când se naște o nouă tendință de avangardă în artă și, din păcate, încă nu este pe deplin înțeleasă de mulți și nu merită, provocând negare. La începutul lecției, vom determina gama de întrebări la care ar trebui să obținem un răspuns în timpul lecției.

Aceste întrebări le pun în fața ta pe foi de hârtie pentru ca, în timpul lecției, să le vezi mereu și să te decizi singur cu răspunsurile lor.

1. Ce direcție artistică poate fi considerată începutul avangardei?

2. Cu ce curent artistic începe străpungerea prin realitatea vizuală în lumea noii realități?

3. Cum se schimbă subiectul artistului și de ce?

4. De ce termenul „descrie” se schimbă în termenul „exprima”?

II. Mai întâi, să definim cum înțelegeți termenul „avangardă”, „avangardă”.

Avangarda, avangardismul este un nume generalizator pentru curentele din lume care au apărut la începutul secolelor XIX și XX. Se caracterizează prin noutate, curaj, direcție experimentală în artă.

Să trecem acum prin expoziția de artă, unde fiecare lucrare este selectată astfel încât să fie o piatră de hotar în direcția avangardă.

1. Primul tablou al artistului francez O. Renoir. Suntem familiarizați cu opera acestui artist și această direcție în artă. Ce vă puteți aminti?

Impresionism. Pictura „Leagăn”.

Ah, acum, mi-ar plăcea ca tu, puțin diferit, să evaluezi această lucrare. Imaginează-ți ce s-ar schimba în tehnica de scriere a artistului dacă artistul ar scrie pe un astfel de subiect într-o manieră clasică?

Hainele unui bărbat și ale unei femei ar fi scrise cu flori fără pete, iarba, frunzele ar fi scrise mai atent. Particularitatea scrisorii impresioniștilor constă în imagine lumea reala prin jocul de lumini si umbre, prin scindarea culorii in spectre.

Aceasta dă impresia lucrării „în grabă”, fără studiul ei detaliat. În acest fel, modul de scriere a direcției clasice diferă de cel al impresioniștilor.

Nu se poate decât să adauge că decizia impresioniștilor de a scrie așa cum văd eu, și nu așa cum este acceptat, devine punctul de plecare pentru plecarea de la realism de la intriga în pictură. Și dacă ne uităm acum la prima întrebare pusă la începutul lecției, răspunsul este deja clar.

Începutul mișcării de avangardă este impresionismul. O tendință în care natura este înfățișată așa cum o vede ochiul, iar superioritatea viziunii autorului față de acuratețea reproducerii lumii vizibile este deja observată. Acesta este primul pas mic într-o nouă direcție, acesta este începutul lui.

2. Paul Gauguin „Viziunea după predică sau lupta lui Iacov cu Îngerul”.

Să decidem asupra direcției artistice a acestei imagini.

Paul Gauguin este clasificat ca pictor post-impresionist.

Postimpresionişti, merg mai departe. Ei refuză să pretindă că doar ceea ce vede ochiul la un moment dat există. Paul Gauguin lucrează activ la cum să înțeleagă legile prin care sunt create senzațiile umane. Cu alte cuvinte, pentru a găsi acea graniță între realitate și irealitate, de exemplu, imaginea unei persoane și senzațiile sale. Și aceasta este lumea invizibilă, lumea ireală. Acest lucru este clar vizibil în imagine. El a arătat granița dintre realitate (enoriașii bretoni) și viziunea lor (Iacov și Îngerul).

Să ne întoarcem la întrebările noastre. La a doua întrebare tocmai s-a răspuns. În mișcarea artistică a postimpresionismului, realul și fantasticul sunt combinate, și deja se arată o descoperire în „lumea noii realități”.”.

3. E. Munch „Tipă”. Această imagine ne este deja familiară. De asemenea, suntem familiarizați cu direcția ei.

Expresionism, care înseamnă expresie.

Dacă expresie, atunci ce exprimă artistul în expresionism?

Emoții umane, în acest caz negative: frică, durere, umilință, lipsă de speranță.

Sunt emoțiile umane lumea reală sau lumea invizibilă pentru ochiul uman? Emoțiile umane, o varietate de ele, puterea ne pot apărea ca un fel de realitate? La urma urmei, întreaga noastră lecție se bazează pe o înțelegere a realității și a irealității.

Ca realitate, probabil că nu.

Pentru a face acest lucru, au început să folosească noi tehnici, care se bazează pe deformarea formei. Această tehnică a fost folosită de E. Munch când a vrut să transmită pe pânză sentimentele unei persoane speriate de moarte. Ce fel de lume devine expresionismul spectacolului?

Expresionismul este lumea „invizibilă”, în care principalul lucru sunt emoțiile umane.

Și cum explicați termenul „expresie” în raport cu expresionismul?

Probabil, emoțiile umane pot fi doar exprimate, nu descrise.

De ce încep să acorde atenție unui fenomen atât de dificil precum emoțiile?

Poate că sunt interesați de lumea interioară a omului.

Locul de naștere al expresionismului, dacă vă amintiți, a fost Germania la începutul secolului al XX-lea. Înflorirea violentă a tehnologiei, industriei pe fondul degradării fundamentelor culturale. Suprimarea individului, nu a fost niciodată o persoană atât de mică ca atunci, dorința sufletului, strigătul său de ajutor - acestea sunt principalele dominante emoționale ale expresionismului.

3. V.Borisov - „Lac de acumulare” Musatov.

Tendința simbolismului, trăsăturile sale: artiștii împing imaginea naturii în fundal, principalul lucru pentru ei este ideea lor despre lumea fanteziei lor, lumea lor invizibilă. Conceptul de „simbol” este introdus ca reprezentant al unei noi realități. Noua realitate este doar ca o reprezentare, ca o fantezie, de aceea i se permite să se schimbe, nu poate decât să amintească de un obiect real. Și simbolul nu trebuie să fie similar cu un obiect din lumea reală. Poate fi asemănător condiționat și, în consecință, înfățișat condiționat.

Concluzie: ideea contactului a două lumi - realitatea vizibilă și noua realitate, unde noua realitate este un simbol al lumii vizibile.

4. A. Matisse „Camera roșie”.

Pictura artistului francez Henri Matisse, „Camera roșie”, la prima vedere, este neobișnuită. Să încercăm să-i înțelegem caracteristicile. Culori neobișnuite, imagine plată. În ce direcție crezi că este scris?

fauvism. (sălbatic). Se caracterizează printr-o culoare deschisă, lipsă de volum. Artiștii au continuat experimentele cu culoarea, volumul, la imaginea condiționată a unui obiect în planul imaginii, au abandonat reproducerea iluzorie a spațiului tridimensional, concentrându-se pe proprietățile decorative ale suprafeței tabloului.

Tot ce s-a spus este corect. Rămâne să adăugăm puțin că termenul de „fauvism” apare datorită criticului Louis Vauxcelles.

5. P. Picasso „Fetele din Avignon”.

Ce direcție de avangardă reprezintă?

Amintiți-vă cuvintele lui P. Cezanne: „Totul în natură este modelat sub formă de minge, con și cilindru. Trebuie să învățăm să scriem pe aceste cifre simple. Dacă înveți să stăpânești aceste forme, vei face tot ce vrei” (MHK, clasa a 11-a, autor L. Rapatskaya, p. 110). Dar P. Cezanne a avut în vedere că aceste forme de bază trebuie reţinute ca principiu organizator al tabloului. Cu toate acestea, Picasso și prietenii săi au luat sfatul la propriu. Apariția numelui acestei mișcări este asociată cu criticul de artă Louis Vaucelles, care a numit noile picturi ale lui Braque „ciudații cubice”.

Prin urmare, desigur, am înțeles cu toții despre ce fel de curs vorbim acum.

Ce se poate spune despre cubism, despre trăsăturile lui de scris?

Se bazează pe experimente cu construcția de obiecte tridimensionale pe un plan. Construirea unei noi forme de artă ca urmare a unei analize geometrice a obiectului și spațiului.Concluzie elevi și profesor: Experimente cu forma.

6. S. Dali „Lebedele înfățișate în elefanți”. Să vorbim despre această imagine, pe baza a ceea ce știm despre suprarealism. Imaginea este de înțeles pentru tehnica ei de scriere. Autorul este Salvador Dali, curentul este suprarealismul.

Suprarealism. Superrealism, în care sursa de inspirație se află în subconștientul uman, bazat pe teoria lui Z. Freud. Un reprezentant proeminent este S. Dali. sens irațional. Fiecare natură (lebede, elefanți, copaci) din imagine este complet reală. Dar viața lor împreună pe pânză este o absurditate totală.

Unde am venit? În lumea înfățișată a iluziilor, în universul propriu al artistului, pe care ni l-a arătat.

III. Profesor: Pe baza mai multor opere de artă, am trasat logica dezvoltării avangardei, pornind de la impresionism până la suprarealism. Cumpărarea secolelor al XIX-lea și al XX-lea este o perioadă a descoperirilor extraordinare în domeniul artei, o perioadă a experimentelor remarcabile, o perioadă a unei noi înțelegeri a artistului ca persoană în pictură. Vreau să subliniez că această dezvoltare nu a fost liniară. Fiecare artist a ales ceea ce era mai acceptabil pentru el. La urma urmei, artiștii nu mai sunt reprezentați pe pânze, și-au exprimat ideile, gânduri, fantezii, universul tău. Alegerea direcției depindea complet de ideea pe care o concepea. Când P. Picasso a fost întrebat în ce direcție va picta următorul tablou, el a răspuns aproximativ: „În cea care exprimă cel mai bine ideea mea”. Imaginea a încetat să mai descrie, imaginea a început să exprime ideea artistului. Artistul devine treptat un creator, iar crearea unui tablou este un act de creație. Lumea vizibilă pe care pictorii secolelor trecute obișnuiau să o înfățișeze nu mai era inspirată. Artiștii au început să se inspire din „cealaltă” lume, care nu este vizibilă, dar trăiește mereu inseparabil lângă noi. Lumea sentimentelor, experiențelor, fanteziilor noastre. Dacă te gândești la cât de extinsă lumea imaginilor pe care pictorul o poate transfera pe pânză. Până la urmă, ceea ce creează artistul este limitat doar de imaginația sa personală. Prin urmare, rolul artistului se schimbă, el nu mai este un copist al lumii, „care a fost creată de Dumnezeul Prea Înalt”, el însuși este creatorul - creatorul universurilor sale. Malevici a spus: „Eu sunt începutul tuturor, pentru că lumile sunt create în mintea mea”. Lumea pe care a creat-o Dumnezeu nu este interesantă pentru ei, în plus, ei înșiși se simt ca niște zei - creatori. Și dacă acestea sunt lumi create de creatorii înșiși - artiști, atunci legile universului vor exista doar acelea pe care artistul însuși le vine. Dar aici apar multe dificultăți, în primul rând, în înțelegerea ideii de lume pe care artistul a creat-o. Acest lucru, într-o măsură mai mare, respinge publicul de la artiștii de avangardă, care sunt obișnuiți să vadă o anumită intriga literară în fiecare tablou. Pătrunderea ideii, înțelegerea expresiei acesteia în imagine este o sarcină dificilă, dar interesantă. Aș dori să citez o afirmație: „Tabloul trebuie să fie complex. Când te uiți la ea, tu însuți devii mai complicat. Când urci o scară, nu scara te ridică, ci efortul pe care îl depui.” Desigur, trebuie să faceți eforturi emoționale, intelectuale pentru a clarifica imaginea. Dar, există și un mare interes pentru asta!

Dar să ne gândim mai departe. Acele imagini din picturile artistului, de exemplu, Salvador Dali, pe care ni le arată, vor fi o realitate? La urma urmei, cum le-ar crea el însuși? A pictat el un tablou, transmițând privitorului lumea sa fantezie invizibilă? Până la urmă, imaginea pe care artistul și-o creează inițial în lumea fanteziilor sale, o vede el însuși, parcă cu o pupila înăuntru. Și ce vedem în tabloul lui pictat. Realitatea sau copia ei?

O copie, exact, ko-pi-yu!

vor fi doar copii, chiar și fantezii ale propriilor lumi, dar totuși copii. Dar dacă un artist este un creator, așa cum se înțeleg avangardiştii, iar lumea pe care o creează ar trebui să fie doar reală, nu o copie. Dar ce poate crea cu adevărat artistul însuși? Să încercăm să ne dăm seama cu un exemplu.

Pictură de M. Saryan „Natura moartă”.

Ce se arată aici?

Struguri, banane, pere.

Dacă este vorba de struguri, banane, pere, să gustăm.

Copiii ajung la concluzia că acest lucru nu se poate face, pentru că. aceasta este doar o poză cu fructe.

Aceasta înseamnă că vedem doar o imagine sau o copie a obiectelor reale. Dar acest lucru nu se potrivește cu ideea artiștilor de avangardă despre rolul lor de creatori.

Dacă imaginea este o copie, atunci ce este real aici? Vezi ce țin în mâini? (reproducere într-un cadru). Copiii trebuie să ajungă la concluzia că:

Ceea ce este real este ceea ce țin în mâini, o pânză și pictez pe ea..., adică. chiar imaginea pe care o poți ține, simți lucrul real. Adevărata realitate nu este în imaginea fructului din imagine, ci în imaginea în sine.

Ce altceva este real în imagine? În afară de pânză, ce mai vedem?

Copiii trebuie să ajungă la o concluzie

Vopsele care înfățișează în prezent fructe.

Apare o nouă logică a avangardismului: „Dacă doar culorile sunt reale într-o imagine, atunci este necesar să descriem viața acestor culori pe pânză!”

Prin urmare, care este concluzia?

Tabloul din pictură a început să fie înțeles ca un lucru material într-un mediu real. Doar vopselele sunt materiale, prin urmare, ceea ce va fi reprezentat pe un lucru material (poza) nu este atât de important (doar vopselele sunt importante), prin urmare artiștii refuză să înfățișeze altceva decât vopsele pe pânză. Dar cum să înțelegi ideea artistului? La urma urmei, ideea vine întotdeauna pe primul loc și abia apoi orice altceva... Și din nou se propune o înțelegere importantă - un dialog între privitor și artist. Să ne amintim cuvintele: Când urci pe o scară, nu ea te ridică, ci efortul pe care îl faci. La urma urmei, scara este nivelul nostru intelectual, care nu poate fi extins fără efort. Gandeste-te la asta. Lucrările avangardei nu sunt ușor de înțeles, dar asta le atrage spre sine.

Imaginea încetează să mai înfățișeze orice realitate, a devenit însăși această realitate. Prin urmare, vedem un cadru, o pânză, vopsele. „Vezi ceea ce vezi” - Imaginea ca realitate.

Și acum să vedem definiția abstractionismului pe ecran:

Abstracționismul (lat. abstractio - îndepărtare, distragere) este o direcție a artei nonfigurative care a abandonat reprezentarea formelor apropiate de realitate în pictură și sculptură. Unul dintre scopurile abstractionismului este realizarea „armonizării”, crearea anumitor combinații de culori și forme geometrice pentru a evoca diverse asocieri în contemplator, deși unele picturi arată ca punct simpluîn mijlocul pânzei. Fondatori: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova, Mihail Larionov.

Pe ecran este un tablou de V. Kandinsky „Vaca”.

Lucrare practică „Dialog între privitor și artist”. Tabelul 1 este distribuit cu un dicționar simbolic-psihologic, bazat pe lucrarea „Despre arta spirituală” de V. Kandinsky

(Imaginea provoacă nedumerire, surprindere prin neînțelesul ei).

Acum va trebui să ne ocupăm noi înșine de astfel de întrebări: „despre ce?” și „cum?”

Dar mai întâi, puțin despre biografia artistului.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (4 (16 decembrie), 1866, Moscova - 13 decembrie 1944, Franța) - un pictor remarcabil, grafician și teoretician al artelor plastice, unul dintre fondatorii abstracționismului. A fost unul dintre fondatorii grupului Blue Rider, profesor Bauhaus.

Născut la Moscova, el a primit educația muzicală și artistică de bază la Odesa, când familia sa mutat acolo în 1871. Părinții și-au asumat profesia de avocat pentru fiul lor, Vasily Vasilyevich a absolvit cu brio Facultatea de Drept a Universității de Stat din Moscova. La 30 de ani, a decis să devină artist; aceasta s-a întâmplat sub influența expoziției impresioniste de la Moscova în 1895 și a picturii „Stocuri de fân” de Claude Monet. În 1896 s-a mutat la München, unde i-a cunoscut pe expresioniştii germani. După izbucnirea primului război mondial, s-a întors la Moscova, dar, nefiind de acord cu atitudinea față de artă din Rusia sovietică, în 1921 a plecat din nou în Germania. În ultimii ani locuiește în Franța, în suburbiile Parisului.

Unul dintre probleme importante, care l-a îngrijorat pe artist: „Cu ce trebuie înlocuit obiectul?”. Lumea obiectivă din lucrările artistului este încă, într-o oarecare măsură, păstrată. Există, de asemenea, întotdeauna un anumit complot, un subtext atât de mic care trebuie găsit. Dar principalul lucru în lucrările artistului este al lui elemente de baza, care excită, potrivit artistului, „vibrații ale sufletului”. Acestea sunt: sinteza vopselei, a culorii, a formelor care sunt construite conform legilor compoziției, unde obiectivitatea (o persoană, un nor, un copac) a numit-o adevărata savoare a compoziției.

Să încercăm să aplicăm cheile noastre - indicii, mai întâi la imagine, unde încă se păstrează elementul pictural „Vaca” Lucrări practice „dialog între privitor și artist” „Vaca este considerată împreună”.

Rezultate la final.

Concluzie: Trebuie să rezumam munca noastră și să răspundem la întrebarea din lecție: „Ce fel de căutare creativă este caracterizată de pictură la începutul secolelor XIX - XX”? De unde a început această căutare creativă?

Direcția de avangardă în artă începe cu impresionism.

Postimpresionism, simbolism - o mișcare către începutul înțelegerii de către artiști a lumii invizibile.

Artiștii încep să fie interesați de lumea emoțiilor umane, a fanteziei, își creează și își exprimă propriile lumi de noua realitate pe pânză. Apar picturi abstracte. Un exemplu izbitor de pictură abstractă este pictura lui V. Kandinsky.

Lucrare practică cu lucrarea „Vaca” de V. Kandinsky

La început s-a spus că toate teoriile viziunii tale sunt acceptate, nu fii timid și te temi să spui ce este greșit. Pânzele lui V. Kandinsky, câți privitori, atâtea interpretări. Prin urmare, și noi trebuie neapărat să încercăm.

“Vacă".

- Alb - Tăcere, tăcere, începutul. Dar aici, nu alb pur, alb - roz. Culoarea este caracterizată ca începutul unei noi forțe, energie (conexiune cu roșu).
Dar mai există pete roșii-portocalii, care subliniază și mai mult primul raționament.
Galben - culoare portocalie - pământesc, uman, activ, om sanatos(femeie tânără).
Deasupra este albastru închis. Cauzează multe controverse în interpretare. Ei ajung la concluzia - despre emoțiile umane - tristețe, ("fata este tristă. Fâșia este galben-portocalie, ceea ce înseamnă că tristețea va trece în curând). Există multă tristețe și dor în viață.
Verde - pace, cu adăugarea de galben - tristețea este înlocuită cu bucuria tinereții, energia vieții viitoare
Culoarea albă a hainelor este un simbol al începutului, mai degrabă al unei noi vieți.
Culoare neagră - moarte, după care va veni viața (fată în alb).

În depărtare, pereții albi ai clădirilor, asemănătoare cu templele (cupole mici), sau mănăstiri. Combinația de negru - albastru și alb, ca supunere la o singură lege: moartea și renașterea. Culoarea albă ca simbol al purității, infinitului.

Aceste imagini par să crească dintr-o vacă. Vaca este sursa legii vieții și renașterii.

La finalul lucrării, spre comparație, am citit interpretarea picturii, preluată în revista Art, nr. 1, 2010. Băieții erau mulțumiți de munca lor.

Muzica imaginii. Culoare albă - nu se aude încă sunete, dar orchestra este gata... Tuba a început să cânte în liniște, cu un ritm de tobe în creștere. Intră violoncelul și contrabasul. Flautul cântă încet și trist, vioara îi răsună. O scurtă pauză, ca o respirație adâncă. Melodia se repetă cu mici modificări, pentru că „nu poți intra de două ori în râu”...

„LIMBAJUL CULORII” V. Kandinsky

Poziția centrală a conceptului lui Kandinsky poate fi considerată afirmația despre doi factori care determină efectul psihologic al culorii: „căldură-rece” și „luminozitate-întuneric”. Ca urmare, se nasc mai multe „sunete” posibile de culori.
1. Atitudine - galben - albastru. Galbenul "se mișcă" către privitor, iar albastru - departe de el. Galben, portocaliu roșu - idei de bucurie, sărbătoare, bogăție. Dacă adăugați albastru la galben (faceți-l mai rece, deoarece albastrul este o culoare rece), vopseaua va deveni verzuie. Este nascut senzație dureroasă de hipersensibilitate(ca o persoană iritată care este interferată). Vopseaua galbenă intensă îngrijorează o persoană, înțepătează, afectează sufletul. Dacă te răcești galben, atunci afectează o criză de nebunie strălucitoare. Artista compară această culoare cu risipa nebună a culorilor din toamna trecută. Galbenul este pământesc, nu are adâncime.

2. Albastru. "Sky Paint" - chemare la infinit. Mișcarea de la persoană la centru. Albastru profund - pace, coborât la negru - tristețe. Albastru deschis - indiferență, indiferență.

Verde - culorile galben și albastru sunt paralizate în el - pace: nici bucurie, nici tristete, pasiv. Dacă adaugi verde galben, verdele este din ce în ce mai tânăr , mai multa distractie. Și, dimpotrivă, împreună cu albastru - seriozitate, chibzuință. Când se luminează (adăugând alb) sau se întunecă (negru), verdele „își păstrează caracterul elementar de indiferență și pace” (p. 48). Albul sporește aspectul „indiferență”, în timp ce negrul sporește aspectul „calm”.

alb pentru Kandinsky - un simbol al lumii, unde toate culorile, toate proprietățile materiale și substanțele au dispărut. Această lume stă atât de sus deasupra omului, încât nu vine nici un sunet de acolo. Albul este o mare tăcere, un zid rece, fără sfârșit, pauză muzicală, încetare temporară, dar nu definitivă. Această tăcere nu este moartă, ci plină de posibilități și poate fi înțeleasă ca „nimic” care precede începutul și nașterea.

Negrul- „nimic” fără posibilități, nimic mort, liniște eternă fără viitor, pauză și dezvoltare completă. Aceasta este urmată de nașterea unei lumi noi. Negrul este sfârșitul, un foc stins, ceva nemișcat, ca un cadavru, liniștea trupului de după moarte, cea mai mută vopsea.

Hainele albe exprimă bucurie pură și puritate imaculată, în timp ce hainele negre exprimă cea mai mare, cea mai profundă tristețe și moarte. Albul și negrul găsesc (precum galbenul și albastrul) un echilibru între ele în gri. Este, de asemenea, vopsea silențioasă și nemișcată. Kandinsky numește gri „ liniște de neconsolat". Mai ales se referă gri închis, care acționează și mai neconsolat și mai sufocant.

Roșu. Culoare vie, vitală, agitată. Exprimă maturitate curajoasă, putere, energie, determinare, triumf, bucurie (în special roșu deschis)

Cinnabru - pasiune care arde uniform, putere încrezătoare în sine, „flacări” în sine. O culoare deosebit de iubită de oameni. Adâncirea roșului duce la scăderea activității sale. Rămâne însă o incandescență interioară, o premoniție a activității viitoare.

Violet. Sunet dureros, ceva stins și trist și este asociat cu sunetul fagotului și al flautului

Portocale - severitatea roșii.

Și V. Kandinsky a comparat și culoarea cu sunetul instrumentelor muzicale. Culoarea galbenă este sunetul trompetei, albastrul deschis este flautul, albastrul închis este violoncelul, albastrul intens este orga, verdele este tonurile medii ale viorii; roșu - fanfară; Violet - fagot și flaut;

Despre exemple antice de pictură chineză putem afla numai din săpăturile arheologice. Câteva exemple de astfel de desene au supraviețuit până în zilele noastre. Gu Kaizhi este, de asemenea, considerat fondatorul „guohua” (literal „pictură națională”). Mai târziu au început să înfățișeze desene realizate pe mătase și hârtie. După Revoluția Culturală, are loc o renaștere a picturii chineze. Anii Revoluției Culturale au provocat daune ireparabile picturii chineze. În timpul dinastiei Qin și Han s-a dezvoltat pictura în frescă.

„Culoarea albă ca simbol” - Subiect: Este culoarea albă un simbol al luminii sau al tristeții în ritualurile rusești? Toate culorile sunt împărțite în „cald” și „rece”, „grele” și „ușoare”. Am oferit o rochie elegantă neagră și albă. Scop: Studiul simbolismului albului într-un eveniment de doliu. Dar de ce numai alb? Muncă de cercetare. Instituția de învățământ municipală MOU „Școala secundară Popovkinskaya”. Viața a fost prezentată de oamenii antici ca o succesiune de nașteri și decese.

„Clasicismul în artă” - Condiții istorice clasicism. Portretul lui Lopukhina. 1797. Clasicismul -. Răspândirea ideilor iluminismului. Întărirea statului, monarhie absolută. Sistemul imaginilor: o împărțire clară în caractere necondiționat pozitive și negative. Canoanele poetice au fost formulate de N. Boileau („Arta poetică”, 1674). Scriitori clasici. Este necesar să ne întoarcem la etern, neschimbător (interesul pentru antichitate ca standard exemplar). De la vechea „imitație a naturii” la „imitarea naturii frumoase”. Clasicism. Sankt Petersburg: Catedrala Kazan. Raționalism (din filosofia iluminismului, R. Descartes).

„Abylkhan Kasteev” - În 1930, a avut loc prima călătorie a lui Abylkhan Kasteev la Moscova. Din anii 1930 până în anii 1940 a lucrat la realizarea unei mari serii de acuarele „Viața veche și nouă”, care reflectă gândurile artistului despre trecutul „de părăsire”. Abylkhan Kasteev a primit titlul de lucrător de artă onorat al RSS Kazahului. N.K. Krupskaya. În 1937 a fost acceptat ca membru al Uniunii Artiștilor din URSS. Artistul a murit pe 2 noiembrie 1973 la Alma-Ata.

„Artiștii secolului al XVI-lea” - Lucrarea a fost realizată de studenții Liceului nr. 7 9 B din clasa lui Khushvakhtov Guldasta Fedorova Kristina. Brueghel Peter. Conţinut. Charles de Solier, Sir de Morret 1535, Galeria, Dresda. pictor german, desenator, gravor, teoretician al artei. Cranach Lucas. Pieter Brueghel Turnul Babel, 1563 Kunsthistorisches Museum, Viena. Lucca Madonna, 1430, Institutul de Artă Staedel, Frankfurt pe Main. Durer Albrecht.

„Dezvoltarea realismului” - apartenența la partid. Realism secolul al XVIII-lea. Concretitatea. Romane realiste semnificative în secolul al XVIII-lea au creat: Principiile realismului. Realism. realism critic. Principiile realismului critic. De regulă, muncitorii și țăranii au devenit eroii operelor realiste socialiste. A.S. Pușkin, L.N. Tolstoi, F.M. Dostoievski, A.P. Cehov. realism socialist. Realismul în artă. Lillo în Franța - Diderot în Germania - G. E. Lessing, tânărul F. Schiller. Eroii operelor trebuie să fie din popor.

Constructivismul Unul dintre stiluri este Constructivismul, metoda avangardă sovietică în arte plastice, arhitectură, fotografie și decorative și aplicate artă, care a fost dezvoltată în 1920 în prima jumătate a anilor 1930. Unul dintre stiluri este Constructivismul - metoda avangardă sovietică în arte plastice, arhitectură, fotografie și arte decorative și aplicate, care a fost dezvoltată în anii 1920 și prima jumătate a anilor 1930.

Avangardism Avangarda (fr. Avant-garde „detașament avansat”) este o denumire generalizată pentru tendințele artei europene apărute la cumpăna dintre secolele XIX și XX, exprimate într-o formă polemico-combate. Avangarda se caracterizează printr-o abordare experimentală a creativității artistice care depășește estetica clasică, folosind mijloace de exprimare originale, inovatoare, subliniate de simbolismul imaginilor artistice. Avangarda (fr. Avant-garde „detașament avansat”) este o denumire generalizată pentru tendințele artei europene apărute la cumpăna dintre secolele XIX și XX, exprimate într-o formă polemică-combat. Avangarda se caracterizează printr-o abordare experimentală a creativității artistice care depășește estetica clasică, folosind mijloace de exprimare originale, inovatoare, subliniate de simbolismul imaginilor artistice. Conceptul de avangardă este în mare măsură eclectic în esența sa. Acest termen se referă la o serie de școli și tendințe în artă, având uneori o bază ideologică diametral opusă. Conceptul de avangardă este în mare măsură eclectic în esența sa. Acest termen se referă la o serie de școli și tendințe în artă, având uneori o bază ideologică diametral opusă.

Condiții preliminare Condițiile preliminare pentru apariția tendințelor de avangardă în arta și literatura europeană pot fi considerate o tendință generală de regândire paneuropeană. proprietate culturală. Ultima treime a secolului al XIX-lea a fost caracterizată de apariția unor noi lucrări filozofice care regândesc aspectele morale și culturale ale civilizației. Condițiile prealabile pentru apariția tendințelor avangardiste în arta și literatura europeană pot fi considerate o tendință generală de regândire a valorilor culturale europene comune. Ultima treime a secolului al XIX-lea a fost caracterizată de apariția unor noi lucrări filozofice care regândesc aspectele morale și culturale ale civilizației. În plus, dezvoltarea progresului științific și tehnologic nu a făcut decât să împingă omenirea să schimbe percepția asupra valorilor civilizației, a locului omului în natură și societate, a valorilor estetice și morale și etice. În plus, dezvoltarea progresului științific și tehnologic nu a făcut decât să împingă omenirea să schimbe percepția asupra valorilor civilizației, a locului omului în natură și societate, a valorilor estetice și morale și etice.

Muzica rusă Muzica secolului XX - desemnare generala grupuri de tendințe în artă de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XIX-lea Secolul XX, în special Modernismul, acționând sub motto-ul modernității, inovației. Aceste curente includ și expresionismul, constructivismul, neoclasicismul, precum și dodecafonia, muzica electronică etc. Muzica secolului al XX-lea în ansamblu - o imagine colectivă Muzica secolului al XX-lea - desemnarea generală a unui grup de tendințe în arta de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XIX-lea. Secolul XX, în special Modernismul, acționând sub motto-ul modernității, inovației. Aceste curente includ și expresionismul, constructivismul, neoclasicismul, precum și dodecafonia, muzica electronică etc. Muzica secolului al XX-lea în ansamblu - o imagine colectivă

Reprezentanți Un reprezentant izbitor al teatrului modern este Teatrul Lenkom. Toată lumea cunoaște acest teatru astăzi - de la moscoviți și vizitatori până la spectatori înveterați. Un astfel de teatru nu poate fi ignorat, pentru că este un teatru de vedete. Un reprezentant proeminent al teatrului modern este Teatrul Lenkom. Toată lumea cunoaște acest teatru astăzi - de la moscoviți și vizitatori până la spectatori înveterați. Un astfel de teatru nu poate fi ignorat, pentru că este un teatru de vedete.

Teatrul secolului XX La Moscova au apărut noi teatre. Acolo, Serghei Eisenstein, Serghei Yutkevich, Serghei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass și multe alte viitoare personalități marcante au făcut pașii de primă etapă. arta sovietică. Noi teatre au apărut la Moscova. Acolo, Serghei Eisenstein, Serghei Yutkevich, Serghei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass și multe alte viitoare figuri marcante ale artei sovietice au făcut primii pași.

Cinematografie Cinematografia ca formă de artă diferă de altele prin caracterul său sintetic. Sintetizează proprietățile estetice ale literaturii, teatrului, artelor plastice, fotografiei, muzicii, realizărilor în optică, mecanică, chimie, fiziologie. Popularitatea cinematografiei constă în combinația sa inerentă și varietatea mijloacelor expresive. Cinematograful, care a apărut la începutul secolului al XIX-lea și al XX-lea, a apărut sub influența nevoilor societății de a-și înțelege istoria, viața și activitatea și s-a dezvoltat în conformitate cu cultura secolului al XX-lea, prin urmare stilurile și tendințele sale corespund la principalele stiluri de artă ale secolului al XX-lea. Cinematografia ca formă de artă diferă de altele prin caracterul ei sintetic. Sintetizează proprietățile estetice ale literaturii, teatrului, artelor plastice, fotografiei, muzicii, realizărilor în optică, mecanică, chimie, fiziologie. Popularitatea cinematografiei constă în combinația sa inerentă și varietatea mijloacelor expresive. Cinematograful, care a apărut la începutul secolului al XIX-lea și al XX-lea, a apărut sub influența nevoilor societății de a-și înțelege istoria, viața și activitatea și s-a dezvoltat în conformitate cu cultura secolului al XX-lea, prin urmare stilurile și tendințele sale corespund la principalele stiluri de artă ale secolului al XX-lea.

Reprezentanți de seamă În primele decenii de la înființare, cinematograful ca formă de artă și-a câștigat doar popularitatea. În anii 1920, cinematograful a devenit nu numai o formă de artă populară și la modă, ci și o industrie de film: s-au format multe studiouri de film și o rețea de distribuție a filmului. În acest moment, au fost create capodoperele cinematografiei timpurii, încă tăcute, „Cuirasatul Potemkin” al lui S. Eisenstein, „Marea Paradă” de K Vidor cu Ch. Chaplin, „Lăcomia” de E. Stroheim. Opera regizorilor D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev se conturează tocmai în această epocă.Al treilea deceniu al secolului XX intră în istoria cinematografiei ca început al erei sunetului. cinema, ceea ce îl face și mai masiv. SUA domină industria filmului mondial. Adaptările comerciale ale filmelor muzicale de pe Broadway au fost foarte populare în această perioadă. Dar se creează și adevărate opere de artă: „Timpurile noi” de Ch. Chaplin, „Strugurii mâniei” de J. Ford, „Pâinea noastră zilnică” de K-Vidor. În URSS, pe ecrane sunt lansate capodopere ale cinematografiei ruse „Merry Fellows”, „Volga-Volga” și „Circus” de G. Aleksandrov, „Chapaev” de la frații Vasiliev și alții. În primele decenii de la înființare, cinematograful ca formă de artă și-a câștigat doar popularitatea. În anii 1920, cinematograful a devenit nu numai o formă de artă populară și la modă, ci și o industrie de film: s-au format multe studiouri de film și o rețea de distribuție a filmului. În acest moment, au fost create capodoperele cinematografiei timpurii, încă tăcute, „Cuirasatul Potemkin” al lui S. Eisenstein, „Marea Paradă” de K Vidor cu Ch. Chaplin, „Lăcomia” de E. Stroheim. Opera regizorilor D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev se conturează tocmai în această epocă.Al treilea deceniu al secolului XX intră în istoria cinematografiei ca început al erei sunetului. cinema, ceea ce îl face și mai masiv. SUA domină industria filmului mondial. Adaptările comerciale ale filmelor muzicale de pe Broadway au fost foarte populare în această perioadă. Dar se creează și adevărate opere de artă: „Timpurile noi” de Ch. Chaplin, „Strugurii mâniei” de J. Ford, „Pâinea noastră zilnică” de K-Vidor. În URSS, pe ecrane sunt lansate capodopere ale cinematografiei ruse „Jolly Fellows”, „Volga-Volga” și „Circus” de G. Aleksandrov, „Chapaev” de la frații Vasiliev și altele.