Qu'est-ce qu'un paysage en photographie. Paysage. Composition et lumière dans le paysage. Composition en photographie de paysage

Introduction

Dans la créativité artistique "la richesse et la diversité des genres de discours sont illimitées, car les possibilités d'une activité humaine diversifiée sont inépuisables ...". Ces mots peuvent bien être attribués à la créativité photographique.

Les genres suivants ont été établis en photographie : paysage, nature morte, photographie de mariage, portrait, photographie d'architecture, intérieur, photographie de genre, reproduction, essai photographique, photographie panoramique.

Il découle de la grande variété de genres que certaines personnes aiment prendre des photos d'un type, d'autres préfèrent prendre des photos d'autres types de photographie. À mon avis, la place la plus pertinente et la plus intéressante de la photographie aujourd'hui est occupée par un genre tel que le paysage. Et quelle personne n'aime pas le paysage ? Tout le monde l'aime. Il n'y a pas un tel artiste photo qui ne s'essaierait pas dans ce genre. Aucun d'entre eux ne peut résister à la tentation de capturer sur une photographie une belle vue ou ces changements dans le paysage qui ont surgi à la suite de travaux gigantesques sur la transformation de la nature. Chaque personne n'est pas opposée à mettre une photo avec une belle vue sur le coucher du soleil près de l'ordinateur ou à accrocher une photo avec un paysage de montagne au mur.

J'ai choisi les caractéristiques de la photographie de paysage comme thème de ma dissertation. Le paysage en photographie est un genre indépendant dans lequel le sujet principal est la nature sous la voûte céleste : forêt, jardin, champ, prairie, steppe, étang, marécages, plaines, collines, montagnes. Le concept de « paysage urbain » fait référence à l'espace architectural.

Et est-ce difficile ? Pour la première fois de commencer à photographier un paysage, il peut sembler que ce genre est simple et accessible à tous. En fait, le genre du paysage est l'un des types de photographie les plus difficiles à digérer. A mon avis, créer cadre debout, qui peut être montré à d'autres, le photographe doit travailler longtemps, et parfois même se lever à cinq heures du matin et parcourir des centaines de kilomètres. Pour faire un bon paysage, il faut avant tout aimer la nature, comprendre et ressentir sa beauté, avoir un goût artistique et être doué pour les techniques photographiques. Le paysage est avant tout votre histoire sur la nature et sa beauté, car le paysage peut montrer que la nature est simple, touchante et d'une beauté captivante, ou il peut révéler sa formidable puissance. Tout ce qui à première vue semble beau dans la nature n'est pas intéressant pour une image de paysage. Parfois la beauté est apparente, comme un instant fugace. Et vice versa, vous êtes parfois surpris que l'image la plus ordinaire et la plus ordinaire de la nature dans l'image puisse apparaître comme une beauté incroyable. Ainsi, dans mon mémoire, je voudrais révéler la beauté de la photographie d'hiver, la couleur du paysage marin du soir.

Le paysage hivernal est inhabituel pour le relâchement de la couverture neigeuse, son jeu d'étincelles sous la lumière du soleil et les arbres éponge enneigés.

La beauté du paysage du soir réside dans l'illumination des nuages, dans le reflet de la lumière brune à la surface de la mer. Ces paysages ont été peints par de nombreux artistes des siècles passés, et même maintenant, ils attirent par leur caractère inhabituel.

La photographie vous apprend à regarder, observer et voir le monde qui vous entoure, et pas seulement avec deux yeux, mais aussi de manière monoculaire, c'est-à-dire. tout comme le montre l'objectif.

Il n'est guère possible de maîtriser l'art de la photographie de paysage en voyageant en voiture ou en moto. Parfois, dans la poursuite de l'intrigue avec un mouvement rapide, nous perdons notre concentration. Seules les beautés extérieures brillent devant nous, et en même temps nous manquons la vie de la nature, dans laquelle la terre, le ciel, les nuages, les arbres forment les combinaisons les plus expressives. Il vaut mieux être seul avec la nature. Une promenade tranquille avec des arrêts fréquents donnera au photographe l'occasion de ressentir profondément la nature, de se sentir comme une partie de celle-ci, de comprendre ses secrets, de révéler des images d'une beauté immaculée. Ce n'est que dans un tel état qu'il est possible de découvrir la grandeur illimitée de l'univers dans une goutte de rosée sur une feuille.

La capacité de tout voir comme pour la première fois, sans le lourd fardeau de l'habitude, n'appartient qu'à l'artiste, qu'il soit peintre ou photographe.

1. Revue de littérature

1.1 L'histoire de la création d'un paysage artistique

Paysage (Paysage français, de pays - pays, région) - un genre dans lequel l'objet de l'image est la nature. Il est d'usage de renvoyer au paysage l'image des grands espaces, quel que soit leur « remplissage de sujet ». Il peut être urbain, industriel, mais le plus souvent le paysage est une image de la nature.

Le type de paysage le plus important et le plus ancien est l'image d'une nature vierge, la campagne. C'est le sens originel du mot français "paysage" et de l'allemand "Landschaft" (l'image du village, l'image de la terre), qui depuis trois siècles sont solidement ancrés dans notre langue. Le paysage industriel, émergeant à la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle, ainsi que le paysage urbain, constituent des directions distinctes dans le développement de la peinture de paysage.

Paysage de l'Europe médiévale

Comme il est écrit dans le livre de V.N. Stasevitch "Paysage. Image et réalité », : « Dans l'Europe médiévale, l'art de représenter la nature a connu pendant longtemps un certain déclin. Représentant la récolte des raisins, le jardin d'Eden ou la fin du déluge, l'artiste européen médiéval s'est limité à une désignation décorative de la nature, ne se souciant d'aucune similitude visuelle avec le monde naturel.

Les conquêtes du réalisme antique, venues à la peinture médiévale, semblent s'effacer et renaître dans des motifs décoratifs ou des désignations extrêmement conventionnelles de la scène. Ceci est particulièrement caractéristique de l'art byzantin. Au XIVe siècle, un certain tournant vers le réalisme est perceptible dans l'art de ce pays. En conséquence, l'image de la nature devient plus concrète.

L'influence de l'art byzantin s'est étendue à l'Italie et à une partie du continent européen au nord des Alpes. Les principes connexes de représentation des arbres, des montagnes et d'autres éléments de la nature se retrouvent dans l'art d'Europe occidentale, y compris dans les fresques des artistes du trecento italien - la période qui a précédé la Renaissance.

Les paysages des miniatures européennes du XVe siècle sont des images lyriques de lieux familiers à l'artiste, transmettant souvent très précisément l'apparence d'un paysage particulier et de structures architecturales.

Depuis le début de la Renaissance, les artistes se sont préoccupés des questions de perspective linéaire et aérienne. Une image en perspective est utilisée même en relief, ce qui acquiert un caractère pittoresque qui n'est pas caractéristique de la sculpture. L'intérêt pour l'espace réel a servi d'impulsion à la découverte des lois de la perspective

Paysage de Hollande au XVIIe siècle

Comme il est écrit dans N.M. Sokolnikova, : « Au 17e siècle, la Hollande connut une poussée de renouveau spirituel. Dans ce pays, des genres artistiques tels que la nature morte et le paysage, qui suggèrent la capacité du spectateur à apprécier l'art sans réminiscences religieuses, historiques ou héroïques, gagnent du terrain. Ici, pour la première fois, le paysage réaliste en tant qu'image d'une zone spécifique a été largement reconnu. Ici la mer devient le héros des tableaux. Après tout, c'était un véritable soutien de famille pour le pays des marins et des pêcheurs.

Tout comme les artisans se sont spécialisés dans la fabrication d'un certain type d'objet, les artistes se sont spécialisés dans différents types de paysage. L'un a préféré peindre la mer, un autre - les arbres, le troisième - les coins urbains. Les artistes ont créé leurs peintures pour le marché. Ce stimulus prosaïque, combiné à un goût et à un talent excellents, a produit des résultats étonnants. Les paysages marins d'Adrian van Velde sont si excellents en termes de précision de la représentation de la nature, au sens de la lumière et de la couleur, que les critiques d'art plus tard ont commencé à penser que l'artiste n'avait pas peint ses peintures d'après nature.

Non moins importants sont les mérites artistiques des œuvres d'Albert Cuyp, Jan van Goyen, Solomon van Ruisdael.

Les maîtres hollandais du milieu du siècle se caractérisent par la peinture dans des tons proches, dans des écailles brun-argent ou jaunâtre-argent. Ces tons attirent les artistes avec l'opportunité de transmettre l'air saturé d'humidité de la Hollande (Meindert Gobbema, Philip Wouwerman, Claes Berchem, etc.). Les artistes aimaient peindre un ciel couvert, lorsque la faible lumière du soleil pénètre à travers une fine couche de nuages ​​et enveloppe uniformément la nature.

Riz. 1. "Vue de Delft". Vermeer Delft

Les véritables perles de la peinture peuvent être appelées le paysage de Vermeer de Delft "Vue de Delft" (Fig. 1). Dans ce document, «l'artiste a représenté ce moment un jour d'été où il venait de pleuvoir. Les rayons du soleil, perçant les nuages ​​argentés, n'ont pas encore séché les toits, et les gouttes de pluie scintillent sur le feuillage des arbres, sur les murs des maisons et sur les flancs des bateaux. L'ensemble de l'image scintille et tremble avec de nombreuses nuances colorées, des reflets lumineux.

Le dessin des structures architecturales dans les paysages de Vermeer de Delft est si fiable et la composition est si naturelle que l'on suppose que l'artiste a peint des images de la nature en regardant par la fenêtre. C'était inhabituel à cette époque.

Mais les peintres paysagistes hollandais ne se limitaient pas à des "portraits" fiables de leur terre natale. Il y avait des artistes "italianistes", ou "romanciers" qui peignaient des paysages italiens ou suivaient les tendances du paysage italien "composé" (Klas Berchem, Jan Asseleim, Jan Bot, etc.). Un grand maître de l'entrepôt romantique était Hercule Seghers, suivi dans l'interprétation de la nature par Jacob van Ruysdael et Harmensz van Rijn Rembrandt. Dans les paysages de ces artistes, le réalisme hollandais se conjugue avec un début romantique. Du motif réaliste d'un vieux cimetière ou d'un groupe d'arbres, les artistes ont extrait le pouvoir dramatique de la tension spirituelle à travers des oppositions tonales, colorées et linéaires. Tel est le « Cimetière juif » (Fig. 2), plein de mystère, d'éclairs inquiétants, ou le sombre et exotique « Swamp » (Fig. 3) de Jacob Ruisdael.

Ces artistes étaient beaucoup moins préoccupés par la finition soignée d'une chose que par sa signification philosophique et son effet psychologique lorsqu'ils la contemplaient. Il est caractéristique que le thème des excellents croquis et dessins de paysage de Rembrandt n'était pas les rues et les cours propres et confortables des villes néerlandaises, mais les huttes paysannes, les vieilles maisons, les ponts de campagne.

Paysage du baroque et du classicisme

Et c'est ainsi qu'il est décrit dans l'encyclopédie "Avanta +. Volume5”, : Une attitude différente vis-à-vis de l'image de la nature s'observe chez l'artiste flamand Peter Paul Rubens. L'art de Rubens s'est formé sous la forte influence du baroque. Le baroque est une direction artistique sujette à l'exagération, dans laquelle une attitude réaliste envers le monde objectif coexiste librement avec la fiction. Il est originaire d'Italie et s'est répandu dans toute l'Europe.

Riz. 2. "Cimetière juif". Jacob Ruisdael

Riz. 3. "Marais". Jacob Ruisdael

Artiste au talent exceptionnel, Rubens prend la tête de l'école flamande et transfère les principes du baroque à la représentation de la nature. Lorsque dans ses œuvres ultérieures l'artiste se tourne vers l'image de la nature flamande, il peint une image héroïque, idéale, collective. D'où la portée panoramique caractéristique de ses peintures, issues des traditions du XVIe siècle.

Mais le paysage du XVIIe siècle, ce n'est pas seulement la Hollande et la Flandre. Ce genre a reçu une solution caractéristique dans l'art de France, notamment dans l'œuvre de Nicolas Poussin, Claude Gellet et Claude Lorrain. Les paysages de Poussin et de Lorrain présentent tous les signes nécessaires du classicisme : un équilibre ordonné, une répartition savante des volumes, des masses tonales et picturales de la composition, des fragments de colonnes antiques, des statues, et même des structures entières rappelant l'antique. architecture, nécessaire du point de vue du classicisme. On y trouve des motifs mythologiques et bibliques empruntés aux monuments littéraires du monde antique et du Moyen Âge et introduits dans le paysage comme une dotation pour sa renaissance et son orientation sémantique.

Le paysage classique est dit "historique", pour son lien avec des sujets de l'histoire ancienne et médiévale. Contrairement au paysage baroque avec son héroïsme élémentaire, le paysage classique a l'harmonie et la clarté de la nature. Un paysage classique est un paysage composé, mais composé sur la base de l'exploration artistique de la réalité.

paysage réaliste national

En France, dans les années 30 du XIXe siècle, une école d'artistes prenait forme - les créateurs du paysage national. Georges Michel fut l'un des premiers à se tourner vers l'image de la nature nationale. La nature de la France « de tous les jours », avec ses bouleaux, ses peupliers, devient le thème des tableaux de Camille Corot. Il aimait peindre les états de transition du soir et du matin, en évitant les contrastes vifs.

Un groupe de contemporains de Corot - Théodore Rousseau, Léon Dupré, Charles-François Daubigny, Constant Troyon, Narciss Diaz de la Peña, qui n'étaient pas satisfaits du système rationnel du paysage académique - ont décidé d'une expérience rappelant celle de Constable. Ils ont commencé à peindre les bosquets, les champs, les marigots entourant Paris. Parfois, ils travaillaient ensemble, rencontrant au village de Barbizon Théodore Rousseau. Le résultat de leurs efforts était une composition naturelle et réaliste du paysage.

Paysage du 20ème siècle

Le XXe siècle a introduit quelque chose de complètement nouveau dans l'histoire du paysage, en rupture avec les traditions séculaires de représentation de la nature. C'est le cubisme dont les premiers représentants furent les artistes français Georges Braque et Pablo Picasso. Le cubisme repose sur une analyse constructive purement spéculative des formes, leur division en éléments arbitrairement assumés ou l'absolutisation de leur sens géométrique. Les paysages cubistes sont peut-être moins liés à la réalité paysagère que les paysages des siècles passés.

1.2 Paysage artistique en Russie

En Russie, le XIXe siècle dans l'art du paysage commence par la conquête progressive de positions réalistes. Comme en Europe, cela s'est traduit par le développement du plein air et du motif national. Au début du siècle, de nombreuses traditions du paysage classique étaient encore préservées. Des artistes russes se sont rendus en Italie pour des paysages.

Cependant, les artistes de la génération de Sylvester Shchedrin n'étaient pas satisfaits du schéma statique du paysage classique avec ses arbres sans nom. Dans un souci de transmettre la vie de la nature, ils introduisent dans leurs œuvres des effets de lumière romantiques, s'éloignent de la composition « scénique » et de la couleur brune, s'efforcent de capter la lumière du soleil et la spécificité de la nature.

Un pas colossal dans cette direction a été fait par Alexander Andreevich Ivanov (Fig. 4). Ses peintures se caractérisent par la pureté et le naturel de la couleur, la richesse des relations ton-couleur. Ivanov, comme ses autres contemporains, était attiré par la nature par les signes de l'éternel et non par l'éphémère.

Riz. 4. “Olives près du cimetière d'Albano. Jeune mois » A.A. Ivanov

Le calme épique de l'image idéale prévaut même dans les cas où les artistes russes ont pris le paysage national comme base et se sont efforcés de dépeindre leur nature natale telle qu'elle est. Tels sont les paysages d'A.G. Venetsianov, ses élèves G.V. Soroka, I.S. Krylov et d'autres fondateurs du paysage national russe, qui ont vu l'étendue et la beauté de la nature russe "indéfinissable".

Parmi ces artistes, le phénomène originel était représenté par les frères G.G. et I.G. Chernetsov, les premiers artistes de la Volga. Dans l'intention de peindre un panorama des deux rives du fleuve, ils ont voyagé de Rybinsk à Astrakhan sur une barge spéciale et ont créé de nombreux croquis et croquis originaux. L'un d'eux est "Vue des montagnes Syukeyevsky sur la Volga dans la province de Kazan" (Fig. 5).

Ainsi est-il dit dans le livre de V.P. Rotmistrov "Paysage russe", : "Le véritable développement artistique systématique de la nature russe a commencé dans la seconde moitié du XIXe siècle, dans le travail des artistes des années 60. La nature russe, discrète et "pas idéale" - plaines marécageuses, coulées de boue fondante, plaines monotones - est devenue le personnage principal des paysages des Wanderers. Les artistes russes ont finalement "découvert" leur patrie et ont cessé d'aller en Italie pour la beauté. Ils ont découvert la beauté de la manifestation naturelle de la vie et ont perdu le besoin de rechercher la nature "idéale".

Riz. 5. "Vue des montagnes Syukeyevsky sur la Volga dans la province de Kazan" G.G. et I.G. Chernetsovs

Au milieu du XIXe siècle, l'esthétique idéalisante du romantisme et du classicisme a commencé à s'estomper dans le passé. Le rôle de premier plan dans l'art russe commence à acquérir un paysage national.

Le concept même de « paysage national » implique le « portrait » d'une certaine spécificité géographique, caractéristique de la Hollande, de la France ou de l'Angleterre. Pour les artistes russes, la zone médiane de la Russie est devenue une telle nature pendant longtemps. Mais, contrairement aux Européens, les maîtres russes donnent souvent une signification sociale aux motivations nationales.

Les principes du réalisme critique ont affecté le caractère du paysage russe. Les motifs lugubres sont inhérents aux images de la nature, non seulement dans les peintures de V.G. Perov ("Voir l'homme mort") ou I.M. Pryanishnikov "Employé" (Fig. 6), où le paysage a le sens d'un accompagnement à l'image des aspects négatifs de la vie russe.

Riz. 6. Messagerie instantanée "vide" Prianishnikov

Caractéristique du paysage national russe est également l'attrait pour l'épopée, en un sens l'image idéale de la terre russe, glorieuse pour ses richesses forestières, ses vastes champs et ses rivières puissantes (I.I. Shishkin).

Le début du paysage lyrique russe est généralement associé à l'œuvre d'A.K. Savrasov et son tableau bien connu "Les tours sont arrivées". Il est difficile de citer un autre exemple du paysage du début des années 70, dans lequel le thème du printemps serait résolu avec une telle complétude et un tel caractère concret. Cette image de la nature russe est si vraie qu'il semble que le paysage soit radié de la nature, comme si toute la Russie s'y inscrivait. Exprimé avec une pénétration subtile humeur printanière. Le paysage peut à juste titre être qualifié de lyrique. Dans le même temps, l'esprit du romantisme est vivant dans les autres œuvres de Savrasov - "Country Road" ou "Rye".

Les paysages dynamiques du talentueux artiste F.A. Vasiliev. Dans le tableau «Marais dans la forêt. Automne » (fig. 7).

Riz. 7. "Marais dans la forêt." F. Vasiliev

Le soleil a percé à travers l'espace des nuages ​​d'automne et ses rayons ont éclaboussé le marais de la forêt. Les arbres, les herbes semblaient scintiller d'or précieux, l'humidité de la pluie récente scintillait. La nature sourit un instant. Bientôt le soleil se couchera, le crépuscule viendra, le ciel sombre deviendra gris, égal et indifférent, les oiseaux s'envoleront. L'artiste, pressé de capturer un bref état de la nature, jette l'or des arbres d'automne avec des coups énergiques, sans se soucier du dessin détaillé des détails.

Une tâche différente a été confiée à l'enseignante Vasilyeva I.I. Chichkine. Shishkin croyait qu '"une image de la nature devrait être sans imagination". Il n'y a pas d'illusion complète dans les paysages de Chichkine. Les couleurs ici sont plutôt conventionnelles et loin d'atteindre la richesse que l'on observe dans la faune. Les peintures ensoleillées de Shishkin ne sont pas dépourvues de poésie, un sens de la grandeur épique de la nature.

I.A. Kuindzhi, un artiste épique-romantique, croyait qu'un artiste devait peindre un paysage «par cœur», en s'appuyant entièrement sur l'imagination créatrice. D'une pleine impression de naturel, ses paysages se distinguent par un équilibre réfléchi. Souvent, l'artiste introduit dans l'image une image presque stéréoscopique de détails tridimensionnels au premier plan. Ils servent à souligner davantage l'illusion et la portée de l'espace.

Le paysage marin est moins courant dans l'art russe. Rien d'étonnant à cela : la mer est moins caractéristique de la Russie que les plaines, les forêts et les fleuves. Cependant, presque tous les grands artistes russes ont peint la mer. I. K. Aivazovsky a parcouru un long chemin du poème romantique au poème réaliste convaincant "La mer Noire" (Fig. 8) ou les magnifiques "Waves".

Riz. 8. "Mer Noire" I.K. Aivazovsky

Sans effets romantiques soulignés, A.P. Bogolioubov.

Au cours des dernières décennies du passé et au début de notre siècle, le paysage épique s'est poursuivi dans le travail de maîtres aussi célèbres que l'élève de Savrasov I.I. Lévitan, N. K. Roerich, A.M. Vasnetsov. Et pourtant, la place dominante était occupée par un paysage intimiste et lyrique.

Déjà dans les études de paysage par I.N. Kramskoy, on peut remarquer des signes d'une attitude différente à l'image de la nature. Ivan Nikolaïevitch, artiste intelligent et clairvoyant, trouvait que l'expérience des maîtres français avait des mérites incontestables. « Il faut absolument aller vers la lumière, les couleurs et l'air », écrit-il en 1874, inspiré par les œuvres qu'il a vues à Paris.

Le paysage joue aussi souvent un rôle sémantique égal dans les peintures d'autres genres : dans les portraits de V.A. Serov, peintures d'intrigue de M.V. Nesterov, croquis de K.A. Korovina, A. S. Stepanov, et plus tard dans les travaux de B.M. Koustodiev, K.F. Yuona, M.V. Doboujinski, K.A. Somov et de nombreux autres artistes russes.

1.3 Le paysage comme genre photographique

Comme il est écrit dans le livre d'A.V. Afanasiev "Histoire de la photographie": Le genre du paysage a commencé à prendre forme dès la naissance de la photographie. La première photographie au monde, prise par N. Niepce en 1826, est un paysage (Fig. 9).

Riz. 9. "Vue des toits de la ville" N. Niepce 1826

Avec l'avènement du daguerréotype, de nombreux photographes ont commencé à photographier des monuments architecturaux de renommée mondiale et d'autres sites célèbres de l'Antiquité (un certain nombre de ces images ont été publiées dans le livre Travels of the Daguerréotype). La grande taille, les volumes locaux et l'immobilité des objets architecturaux ont contribué à la propagation large et rapide du paysage architectural, tandis que les images de la faune pour la photographie de cette époque avec ses longues expositions et ses matériaux photographiques imparfaits (faible sensibilité) étaient très difficiles à réaliser. . En cause, le mouvement des feuilles et des brins d'herbe au vent, la fragmentation des détails du paysage (branches, troncs), les jeux d'ombres et de lumières difficiles à restituer. Par conséquent, les premières images du paysage se distinguaient par une forme généralisée, l'absence de détails et de détails inutiles. Dans le même temps, déjà les premiers maîtres paysagistes, suivant les traditions de la peinture, ont appris à transmettre une certaine humeur, une perception personnelle de la nature dans les motifs de paysage. En ce sens, le développement du genre paysage a été fortement influencé par l'impressionnisme, dont les meilleurs représentants ont perfectionné l'art de transmettre l'impression des motifs de la nature. Les travaux des photographes russes N. Andreev, P. Klepikov, N. Svishchov-Paola, S. Ivanov-Alliluev se sont distingués par cela (Fig. 10).

Riz. 10. "L'homme dans la nature" Ivanov-Alliluev

La poursuite de l'évolution du genre paysage a été associée à de nouvelles opportunités pour un équipement photographique plus avancé et au développement des principes créatifs de la photographie. Après une longue période de représentation de la nature en termes généraux, véhiculant l'impression générale de ses peintures des années 1930. photos de paysage deviennent plus détaillés, y compris les moindres détails de paysages et d'objets d'une époque précise. Des éléments du genre paysage sont organiquement combinés avec les caractéristiques d'un reportage, les photographies reçoivent une orientation journalistique. Cela était particulièrement caractéristique de maîtres innovants tels que A. Stiglitz (USA) et M. Dmitriev. L'image est devenue une preuve documentaire d'un fragment de paysages naturels représenté par le maître lituanien I. Kalvyalis (Fig. 11), elle a commencé à inclure des motifs écologiques de l'attitude d'une personne envers environnement, soumis à des impacts anthropiques désastreux (paysages de V. Filonov).

Riz. 11. "Remblai du Neman" I. Kalvyalis

Dans le genre du paysage moderne, des variétés telles que les paysages industriels, urbains et architecturaux ont connu un développement significatif, dans lequel de nouveaux thèmes et motifs, des évaluations esthétiques sont apparus. Le paysage industriel occupe une place importante dans les travaux de A. Rodchenko, B. Ignatovich, A. Shaikhet, M. Alpert, A. Skurikhin et d'autres.

Une caractéristique importante du paysage moderne est devenue une variété de points de vue sur la nature capturée. Devenu disponible pour photographier des paysages qui s'ouvrent à haute altitude (avec montgolfière, avions, engins spatiaux, stations interplanétaires), incl. paysages de la lune et des planètes système solaire. De plus, à la lumière de nouvelles connaissances sur la nature, de nouvelles attitudes à son égard, le regard du photographe est devenu plus perspicace, perspicace, plus large, ce qui lui permet de transmettre plus profondément sa vision artistique du monde à travers des images de la nature et de réfléchir en eux de nombreux autres phénomènes, problèmes, idéaux socialement significatifs.

1.4 Caractéristiques de la photographie de paysage

La photographie de paysage peut être divisée en périodes de photographie : été, hiver, automne, montagne, au coucher du soleil. Cette séparation est due à des caractéristiques naturelles. Les caractéristiques naturelles comprennent : à quelle heure la photographie est effectuée, la température, le paysage de la région.

Comme il est écrit dans le livre de L.D. Kursky, Ya.D. Feldman "Manuel illustré pour l'enseignement de la photographie", : "La principale caractéristique de la photographie de paysage est constructive. Contrairement à une nature morte, aucun ajustement n'est possible ici. Il est impossible, par exemple, de supprimer un versant de montagne qui interfère avec la composition d'ensemble, il est impossible de modifier l'emplacement de l'ensemble. Ainsi, le travail sur la composition de l'intrigue se limite à une seule technique de choix d'un point de prise de vue et de choix d'un objectif avec la focale souhaitée. Il peut y avoir plusieurs de ces points, et chacun d'eux a sa propre particularité, sa propre individualité. Chaque paysage a plusieurs plans : proche, lointain et moyen. Leur apparition est associée à une réduction de l'échelle des objets reculant dans les profondeurs de l'espace, vers la ligne d'horizon. Comparer les échelles de formes linéaires est la perspective linéaire d'une image photographique.

L'éclairage est un élément essentiel de la prise de vue. La lumière est l'une des sources les plus déterminantes de nos sensations. Il est considéré comme le principal moyen de créer une œuvre photographique artistique. L'individualité du paysage dépend principalement de l'unité et de l'intégrité qu'un effet d'éclairage bien choisi donne à la nature. La lumière permet de voir le monde réel existant. Dans le même temps, l'originalité et l'attractivité de l'éclairage jouent un rôle important, car cela se produit à différents moments de la journée: à l'aube, le matin, à midi, l'après-midi, au coucher du soleil.

Riz. 13. Aube. Nuages ​​en couches»

L'aube se caractérise par des brouillards ou des stratus légèrement étalés (Fig. 13), un éclairage doux sans ombre, dans lequel la forme des objets devient vague et ils semblent flous. La faible évaporation de l'humidité matinale embrume légèrement les distances, et selon la profondeur de l'espace, la perspective aérienne s'exprime par une brume à peine perceptible.

La plus fertile pour la prise de vue en extérieur est la lumière du matin, lorsque le ciel est transparent et non couvert de nuages ​​épais. Le matin, la saturation des couleurs est faible et varie d'une saturation des couleurs négligeable à neutre.

L'heure de midi est caractérisée par une lueur particulièrement brillante du soleil. Tombant verticalement, ses rayons créent un contraste élevé de clair-obscur et des contours de lumière nets sur les surfaces horizontales des branches. Pour la photographie de paysage, l'effet de la lumière de midi est considéré comme moins expressif.

La seconde moitié de la journée et l'approche du coucher du soleil sont les plus propices à la prise de vue en extérieur. Les rayons obliques du soleil allongent les ombres tombantes, ses rayons se posent horizontalement sur le sol, modelant doucement les contours des arbres et des bâtiments. Coucher et lever du soleil, lorsque l'espace est rempli d'une douce lumière diffuse, - le meilleur temps admirer la nature. Son apparence même ressemble à un paysage pittoresque. La brume, qui absorbait auparavant une partie des rayons rouges et dispersait les bleus, se dissolvant, peint l'horizon en rose ou en rouge, et la partie supérieure du ciel reste toujours bleue, et on y observe des transitions étonnamment douces de différentes nuances de couleurs ( figure 14).

Riz. 14. "Coucher de soleil. Mer"

2. partie expérimentale

2.1 Caractéristiques de la photographie d'un paysage d'hiver

Tournage en heure d'hiver a quelques difficultés : à cette période de l'année le soleil est bas, les heures de clarté sont courtes. Les scènes extérieures peuvent être tournées du lever au coucher du soleil pendant seulement quelques heures de midi, et pour les tournages en forêt, ce temps est réduit au minimum, notamment dans les clairières ou les clairières étroites. Le gel sévère et un petit nombre de jours ensoleillés favorables à cet effet ne contribuent pas à la prise de vue de paysages hivernaux.

Prendre des photos en hiver est techniquement plus difficile qu'à tout autre moment de l'année. On pense qu'un paysage d'hiver par temps ensoleillé a un grand intervalle de luminosité, qui ne peut pas être reproduit sur l'image sans perdre des détails dans les hautes lumières ou dans les ombres de l'image. Vous pouvez gérer cela en maintenant une compensation d'exposition positive, d'environ +/-0,7.

La deuxième difficulté de la prise de vue hivernale est la reproduction de la texture des surfaces enneigées sur la photo. Ceci est réalisé en choisissant les types d'éclairage, de filtre de lumière et de valeur d'exposition les plus favorables. La texture de la neige est bien reproduite avec un éclairage latéral, semi-rétroéclairé ou feu de camp. En raison de la position basse du soleil en hiver, de longues ombres obliques apparaissent à partir de chaque irrégularité de la neige, contribuant à révéler sa structure sur l'image. La lumière frontale est regrettable, car avec un tel éclairage, la texture de la neige n'est presque pas détectée. La texture des surfaces enneigées est également mal restituée en éclairage diffus en raison de l'absence de clair-obscur, il ne faut donc pas photographier un paysage d'hiver par temps nuageux.

La surface de la neige au premier plan ne doit pas être plate, intacte. La neige semble beaucoup plus naturelle sur les photographies lorsqu'elle est desserrée et que des traces, une piste de ski ou un sentier battu y sont visibles (Fig. 16).

Le bon rapport de lumière et d'ombre sur la neige, assurant la reproduction naturelle de sa surface, est possible avec le bon choix de filtre. Avec un ciel bleu sans nuages, les filtres de lumière jaune clair et jaune-vert (Zh-1.4X et ZhZ-1.4X) sont le plus souvent utilisés. Les filtres plus denses de ce groupe sont utilisés moins fréquemment, principalement en présence d'un grand nombre de nuages ​​blancs dans le ciel. Le filtre de lumière orange augmente le contraste de la lumière et de l'ombre sur la neige, aggravant ainsi la nature de sa reproduction dans les images. Les filtres orange et rouge ne sont utilisés dans la photographie d'hiver que lorsqu'il est nécessaire de souligner la blancheur et l'épaisseur du givre sur les branches d'arbres, les fils, qui dans ce cas sont projetés sur un ciel sombre, presque noir. Le filtre de lumière bleue G-1.4X ne trouve presque aucune utilité dans de telles enquêtes, car, en abaissant le contraste de la lumière et de l'ombre sur la neige, il aggrave son développement dans les images.

Lorsque vous photographiez des paysages comprenant des plaques de glace qui scintillent au soleil, un filtre polarisant peut être d'une grande aide, avec lequel vous pouvez réduire l'éblouissement. Dans certains cas, ce filtre de lumière peut également être utilisé pour assombrir le ciel sans craindre d'augmenter le contraste du clair-obscur.

Pour que la neige devienne blanche et non grise sale, il est également important d'ajuster la balance des blancs. Habituellement, une feuille de papier blanc est utilisée à cet effet, mais en hiver, elle conviendra à cette fin, et l'essentiel est qu'une congère blanche fraîche ne contienne aucun corps étranger. Mais une telle installation ne sera vraie que pour l'éclairage dans lequel elle a été réalisée, et chaque fois que vous changez de lieu et de lumière, l'équilibre doit être reconstruit - sinon la neige sera toujours grise et les visages bleus.

Le givre et les gouttes gelées sur les branches noires, au contraire, sont éblouissantes les jours ensoleillés. Pour que le givre ne se confonde pas avec un arrière-plan délavé, vous devez le photographier en contraste avec une zone ombragée ou un objet sombre, et le givre est encore plus beau sur un ciel bleu vif.

Pour la prochaine séance photo avec des vues d'hiver, il est préférable de choisir l'heure avec les conditions météorologiques les plus appropriées. Il peut s'agir d'une journée ensoleillée ou d'un ciel couvert avec des nuages ​​de neige sombres, ce qui ajoutera du drame à la photo.

Riz. 15. "Paysage du soir"

Sur la fig. 15 montre un paysage du soir. Le but était de décrire comment la texture de la neige est reproduite. La prise de vue a été réalisée à l'extérieur dans la soirée. La photo a été prise avec un appareil photo Canon 450D. J'ai réglé l'ouverture sur 5,6 et réglé la vitesse d'obturation sur 1/125. La composition du plan est un peu fausse, le premier plan est vide. L'éclairage a été utilisé en noir et blanc, la texture de la neige est palpable, mais pas suffisamment développée. La photo a un ton sombre, la neige sur l'image a une teinte grisâtre, ce qui indique un mauvais choix d'exposition.

Riz. 16. "Parc d'hiver"

Sur la fig. 16 montre un parc d'hiver. Le but est de reproduire la texture de la neige parmi les arbres. La prise de vue a été réalisée à l'extérieur pendant la journée. Cette photo a été prise avec un Canon 450D. Un filtre polarisant a été utilisé pour réduire l'éblouissement dans la neige. Afin de créer la composition correcte de l'image, j'ai décidé de placer la route au premier plan et de nombreux arbres enneigés en arrière-plan. Contrairement à la photo précédente, ce cliché a un ton clair. Pour rendre la texture de la neige, j'ai utilisé un éclairage rétro-diagonal, grâce auquel la neige sur la photo a une bonne élaboration.

Sur la fig. 17 montre des arbres. Le but est de montrer des arbres enneigés. Un appareil photo Canon 450D a été utilisé pour prendre la photo. Les arbres ont été photographiés par une journée ensoleillée en utilisant un éclairage rétro-diagonal. Deux arbres sont représentés au premier plan, donnant au cadre un aspect symétrique. Le ciel bleu avec une transition rose pâle rend le cadre expressif. Un filtre de lumière orange a été utilisé pour souligner la blancheur et l'épaisseur du givre sur les branches des arbres. La prise de vue a été effectuée de loin à l'aide d'un zoom. J'ai réglé l'ouverture sur 5,6, la vitesse d'obturation 1/250. Les branches des arbres sont clairement dessinées, ont un aspect enneigé.

Riz. 17. "L'hiver. Des arbres"

Riz. 18. "Rivière gelée"

Sur la fig. 18 montre un paysage d'hiver. Le but est de montrer la nature enneigée. Il y a plusieurs plans sur la photo. Le premier plan peut être appelé un endroit où une mangeoire à oiseaux est représentée. Sans elle, la photographie serait moins intéressante. Grâce à ce chargeur, l'image acquiert une "inspection circulaire". Le deuxième plan, ce sont les arbres qui équilibrent la composition de la charpente. Le pont, pour ainsi dire, relie deux groupes d'arbres sur les côtés droit et gauche. Les arbres derrière le pont complètent la structure prévue de la charpente. Je trouve que le cadrage est équilibré, il est parfait. Cette photo a été prise avec un Canon 450D avec un filtre polarisant pour adoucir les étincelles dans la neige. La prise de vue des arbres a été effectuée de loin à l'aide d'un zoom. J'ai réglé l'ouverture sur 5,6, la vitesse d'obturation était de 1/125. La photo est de bonne qualité. Les branches des arbres sont clairement dessinées. L'image est correctement équilibrée.

Riz. 19. "Paysage fluvial"

Sur la fig. 19 montre un paysage fluvial hivernal. Le but est de montrer le paysage fluvial. Un Canon 450D a été utilisé pour ce cliché. La photographie de paysage a été réalisée à midi. Pour montrer l'ensemble du panorama de la rivière, j'ai choisi un point de prise de vue en hauteur. J'ai réglé l'ouverture sur 5,6, la vitesse d'obturation 1/125. L'intrigue de la photo est intéressante: il y a une rivière gelée, un talus enneigé et des arbres d'hiver. D'une part, ce cadrage est composé correctement, mais d'autre part, quel est le gros inconvénient, la photo a un ton sombre. Ce moins montre à quel point il est important de choisir la bonne exposition lors de la prise d'une photo.

2.2 Caractéristiques de photographier le paysage marin du soir

Le matin et le soir, l'éclairage du paysage côtier est optimal pour la photographie. Le coucher du soleil est considéré comme plus coloré que le lever du soleil.

Un coucher de soleil avec une grande surface d'eau peut être coloré. Une mer calme reflétera le ciel, formant une image miroir; des ondulations à la surface de l'eau briseront cette réflexion, préservant la lueur chaude de l'eau et traçant une traînée de lumière de l'horizon au premier plan. Le coucher du soleil est mieux capturé d'un point de vue plus élevé. Il peut s'agir du sommet d'une falaise côtière ou d'une jetée.

La photographie au coucher du soleil peut être difficile. Le plus difficile d'entre eux est la définition de l'exposition. Si vous utilisez une exposition pour la luminosité du soleil, le résultat sera une image du soleil uniquement, et tout le reste, y compris les nuages, restera complètement sombre. Et si vous déterminez l'exposition par la luminosité du ciel, le soleil se révélera «brûlé» et ne ressemblera pas à une boule dorée que vous vouliez photographier, mais à une masse blanche. Par conséquent, un compromis est nécessaire. Une méthode consiste à prendre la valeur moyenne de deux lectures d'exposition - la luminosité du soleil et la luminosité du ciel au-dessus. Une autre méthode pour déterminer l'exposition à partir de la luminosité moyenne pondérée d'un cadre consiste à prendre la lecture de l'exposition avec le soleil sur l'un des bords du viseur. Avec cette position du soleil, il n'y aura pas de défauts de luminosité et de contraste. Les paramètres d'exposition obtenus dans ce cas sont alors réglés manuellement jusqu'à ce que la caméra soit déplacée vers la position de travail correspondant à la composition choisie du cadre. Quelle que soit la méthode de mesure de l'exposition utilisée, lors de la prise de vue de cette scène, il est conseillé de dupliquer les prises de vue avec un bracketing d'exposition, car une différence d'un arrêt sur l'échelle d'ouverture peut complètement changer l'ambiance de l'image.

Dans cette situation, l'ouverture contrôle plus que la simple exposition. Si vous utilisez une petite ouverture, vous obtenez quelque chose de similaire à l'effet d'une étoile dans l'image du soleil. Plus l'ouverture est petite, plus cet effet est fort. Étant donné que la lumière directe du soleil pénètre dans l'objectif avec ce type de prise de vue, il existe un risque d'éblouissement dû à l'éblouissement. Vous pouvez travailler avec n'importe quel objectif, mais si le sujet est centré autour du soleil, utilisez l'objectif le plus long possible. Lorsque le soleil est bas dans le ciel, le niveau de lumière est également faible et vous devrez utiliser une vitesse d'obturation lente, à laquelle il est impossible de tenir fermement les téléobjectifs dans vos mains. Par conséquent, lors de la prise de vue en plein soleil, un trépied est utile.

Les grandes surfaces d'eau sont mieux photographiées d'un point de vue élevé. Dans ce cas, l'image de l'eau occupe la majeure partie de la zone du cadre, tandis qu'à un point de prise de vue bas, la partie principale du cadre sera occupée par le ciel. Pour souligner l'immensité de la zone d'eau, ils incluent dans le cadre une image d'un bateau, un navire, ce qui aide à identifier les relations d'échelle. Parfois, leurs reflets dans l'eau contribuent davantage transmission précise conditions de surface et météo.

Au coucher du soleil, la tonalité de couleur globale change littéralement à chaque minute. Plus le soleil descend, plus sa lumière est rouge, et bien avant qu'une personne ne remarque ce changement de couleur, la matrice l'enregistre comme une transition du jaune épais à l'orange puis au rouge. La même chose, mais dans l'ordre inverse, se produit au lever du soleil.

Dès que le soleil est descendu sous l'horizon, le ciel devient rapidement bleu foncé avec une bande d'aube rouge le long de l'horizon. Une demi-heure après la disparition complète du soleil, si la nuit est claire, tout le ciel sera rempli d'une rémanence chaude. C'est exactement le moment où vous devez installer un objectif standard et commencer à prendre des photos. Les vitesses d'obturation seront longues, mais cette fois, l'exposition peut être déterminée de manière fiable par la luminosité du ciel lui-même, car cette lueur est uniforme et il n'y a pas de disque solaire dans le cadre pour affecter la lecture de l'exposition. La même lueur apparaît dans le ciel avant l'aube. Ces deux moments valent la peine d'être capturés par une caméra et sont souvent beaucoup plus intéressants que le lever et le coucher du soleil eux-mêmes.

Riz. 20. "Mer"

Sur la fig. 20 montre un paysage marin. Le but est de montrer un coucher de soleil par une journée ensoleillée. La prise de vue a été réalisée à l'extérieur dans la soirée. La photo a été prise avec un appareil photo Canon 450D. Un filtre à lumière ultraviolette a été utilisé. J'ai réglé l'ouverture sur 5,6, la vitesse d'obturation 1/250. On peut dire que l'horizon divise le cadre en deux, mais sur cette photo c'est justifié. De cette image, vous ne pouvez pas "couper" le haut ou le bas. La présence de stratus dans l'image rend la photo expressive. Aussi l'expressivité de l'image donne un chemin ensoleillé. Je pense que la photo est bien équilibrée.

Sur la fig. 21 montre un paysage marin. Le but est de montrer le ciel au coucher du soleil. La photographie représente principalement le ciel éclairé par la couleur rouge du soleil couchant. Il y a des éléments de couleur rouge-bleu dans le ciel, ce qui indique le temps ensoleillé de cette journée.

Riz. 21. Coucher de soleil écarlate

Le ton écarlate du coucher de soleil peut dire: le soleil va bientôt dépasser l'horizon et la nuit viendra. Ce paysage a été photographié en extérieur le soir. La photo a été prise avec un appareil photo Canon 450D. Un filtre de lumière rouge a été utilisé. J'ai réglé l'ouverture sur 8, vitesse d'obturation 1/1000. La photo est de bonne qualité. La mer sur la photo est sombre presque noire. Le soleil est juste au-dessus du niveau de la mer et il y a beaucoup de nuages ​​sur la photo, ce qui donne à la photo un aspect coloré. Le cadre est correctement équilibré. L'objectif visé a été atteint avec succès.

Riz. 22. "Soirée brune"

Sur la fig. 22 montre un paysage marin. Le but est de montrer le coucher du soleil. La prise de vue a été réalisée à l'extérieur dans la soirée. La photo a été prise avec un appareil photo Canon 450D. Un filtre de lumière rouge a été utilisé. J'ai réglé l'ouverture sur 5,6, la vitesse d'obturation 1/500. La photo est de bonne qualité. Le ciel est rose, la mer est principalement rouge foncé et la présence de nuages ​​rend le cadre expressif. Avec ce cliché, j'avais l'intention de montrer un ciel coloré au coucher du soleil. J'ai fait la composition du cadre, quels objectifs je poursuivais. Je ne voulais pas montrer les vastes étendues de l'océan, le personnage principal ici est le ciel. Il y a beaucoup de nuages ​​dessus, et le disque du soleil, et des reflets jaune clair - tout cela indique que la composition du cadre est correctement construite. L'objectif a été atteint. Le coucher de soleil est coloré.

Riz. 23. "Soirée pluvieuse"

Sur la fig. 23 montre la mer après la pluie. Le but est de montrer un coucher de soleil par temps couvert. Oui, cela est bien montré: la brume, qui absorbait auparavant une partie des rayons rouges et diffusait les bleus, se dissolvant, peint l'horizon en rose ou en rouge, et la partie supérieure du ciel reste toujours bleue, et des transitions étonnamment douces de divers des nuances de couleurs y sont observées. La prise de vue a été réalisée à l'extérieur dans la soirée. La photo a été prise avec un appareil photo Canon 450D. Un filtre à lumière jaune a été utilisé. J'ai réglé l'ouverture sur 5,6, la vitesse d'obturation 1/125. La photo a été prise une heure après la pluie. La présence de nuages ​​noirs dans le ciel indique la pluie passée. Le personnage principal ici est le ciel pour cette raison j'ai préféré montrer l'horizon insignifiant.

Riz. 24. "Paysage marin"

Sur la fig. 24 montre un paysage marin. Le but était de montrer un coucher de soleil par une journée ensoleillée. La prise de vue a été réalisée à l'extérieur dans la soirée. La photo a été prise avec un appareil photo Canon 450D. Un filtre à lumière ultraviolette a été utilisé. J'ai réglé l'ouverture sur 5,6, la vitesse d'obturation 1/250. Bien que l'horizon divise le cadre en deux, il est justifié sur cette photo. Rien ne peut être coupé de cette image. Le coucher de soleil a une teinte violet clair, ce qui donne à l'image une expressivité inhabituelle.

résultats

En résumé, je voudrais noter que lors de la prise de vue sur la neige, la texture est mieux transmise par le côté, le semi-contre-jour et le contre-jour. En raison de la position basse du soleil en hiver, de longues ombres obliques apparaissent sur chaque bosse de la neige, contribuant à révéler sa structure sur l'image.

Il est important que la photographie ne soit pas réalisée par temps nuageux, car avec un éclairage diffus, la texture de la neige sera à peine mise en lumière, sinon vous risquez de gâcher l'image au sens artistique.

Il est conseillé d'utiliser divers filtres de lumière comme technique visuelle. Pour accentuer le ciel bleu sans nuages, les filtres jaune clair et jaune-vert doivent être utilisés plus souvent. Si vous souhaitez accentuer la blancheur et l'épaisseur du givre, vous devez utiliser des filtres orange et rouge. Pour atténuer les reflets très brillants de la neige qui scintille au soleil, vous pouvez utiliser un filtre polarisant.

Le meilleur moment pour photographier un paysage marin au coucher du soleil est l'été. Pendant cette période, il y a plus de nuages ​​​​qui améliorent l'expressivité de l'intrigue. Les nuages ​​perçoivent la lueur rouge du soleil, complétant l'image avec une palette de lumière en constante évolution. Très souvent, lorsque le soleil est derrière les nuages, ses rayons brillent dans toutes les directions, créant une image particulièrement impressionnante.

Si vous le souhaitez, vous pouvez améliorer l'impression en plaçant divers sujets au premier plan avec une grande surface d'eau à partir de l'image. Ainsi, une mer ou un lac calme reflétera le ciel, formant une image miroir ; des ondulations à la surface de l'eau briseront cette réflexion, préservant la lueur chaude de l'eau et traçant une traînée de lumière de l'horizon au premier plan.

Bibliographie

1. V.N. Stasevitch "Paysage. Peinture et réalité "M. : "Impulse", 2006 - 184 p.

2. Encyclopédie « Art. Tome 5". M. : « Avanta+ », 2001 - 547 p.

3. V.P. Rotmistrov "Paysage russe". Moscou : Avangard, 1999 - 205 p.

4. J. Wade "Technique photographie de paysage". M. : "Mir", 1989 - 200 p.

5. AA Tikhonov, Techniques d'éclairage photographique. Minsk.: "OOO New Knowledge", 1999 - 143 p.

En photographie, un paysage n'est pas seulement une prise de vues et non une reproduction conforme au protocole de l'un ou l'autre coin de la nature. Pas étonnant qu'on dise qu'un photographe paysagiste doit être moins botaniste que poète ! Et si nous parlons de créer une photographie artistique, nous avons le droit d'exiger de son auteur une sélection précise du matériel, la fidélité dans la compréhension du matériau et le sens de la créativité artistique. Véracité, poésie, pittoresque de l'image photographique (Ivanov - Alliluev, 1971).

Un paysage artistique créé au moyen de la photographie devrait évoquer chez le spectateur les mêmes sentiments profonds qu'un paysage réalisé au moyen de la peinture. Et il existe de nombreuses œuvres de ce type qui répondent à ces exigences élevées en photographie (Ivanov - Alliluev, 1971; Levkina, 2013).

La photographie de paysage moderne est très diversifiée. Le paysage a été préservé et se développe, dans lequel ses auteurs suivent les exemples d'exemples classiques de la peinture. Ici, bien sûr, on ne peut pas parler d'imitation irréfléchie et de simple répétition des techniques et des effets trouvés par les peintres. La photographie ne perd pas son indépendance, les spécificités de la modernité. Mais les analogies dans les intrigues et les structures picturales demeurent, elles sont assez évidentes. Ces paysages sont intéressants en ce qu'ils développent le goût artistique, démontrent des compétences en peinture et évoquent des représentations associatives chez le spectateur (Ivanov-Alliluyev, 1971 ; Levkina, 2013).

Caractéristiques de la photographie de paysage

On pense généralement que les paysages peuvent être photographiés dans toutes les conditions météorologiques, de la lumière du soleil au flash d'orages, et la chose la plus importante dans la photographie de paysage est de se lever tôt pour attraper la lumière du matin, car le ciel du matin est le plus clair et le plus clair. le plus transparent (Harman, 2011) .

La caractéristique la plus importante dans photographie de paysage est l'absence d'une science de la photographie de paysage artistique. Il n'y a pas de livre dans le monde de la littérature photographique appelé The Art of Landscape Photography. La raison est simple : l'art de la photographie est si multiforme et complexe que cette science s'avère être une métascience. Comme il est écrit dans le livre de L.D. Kursky, Ya.D. Feldman "Manuel illustré pour l'enseignement de la photographie": "La principale caractéristique de la photographie de paysage est constructive. Contrairement à une nature morte, aucun ajustement n'est possible ici. Il est impossible, par exemple, de supprimer un versant de montagne qui interfère avec la composition d'ensemble, il est impossible de modifier l'emplacement de l'ensemble. Ainsi, le travail sur la composition de l'intrigue se limite à une seule technique de choix d'un point de prise de vue et de choix d'un objectif avec la focale souhaitée. Il peut y avoir plusieurs de ces points, et chacun d'eux a sa propre particularité, sa propre individualité. Chaque paysage a plusieurs plans : proche, lointain et moyen. Leur apparition est associée à une réduction de l'échelle des objets reculant dans les profondeurs de l'espace, vers la ligne d'horizon. La comparaison des échelles de formes linéaires est la perspective linéaire d'une image photographique (Belov, 2012).

L'éclairage est un élément essentiel de la prise de vue. La lumière est l'une des sources les plus déterminantes de nos sensations. Elle est considérée comme le principal moyen de créer une œuvre photographique artistique (Dyko, 1977).

L'individualité d'un paysage dépend principalement de l'unité et de l'intégrité qu'un effet lumineux bien choisi confère à la nature (Belov, 2012 ; Dyko, 1977 ; Wade, 1989).

La lumière permet de voir le monde réel existant. Dans le même temps, l'originalité et l'attractivité de l'éclairage jouent un rôle important, car cela se produit à différents moments de la journée: à l'aube, le matin, à midi, l'après-midi, au coucher du soleil. En outre, la période de l'année, la température, le paysage de la région sont importants lors de la photographie. En conséquence, nous pouvons conclure qu'un photographe de paysage a beaucoup de problèmes inhabituels et difficiles à résoudre (Belov, 2012).

Tout d'abord, le paradoxe suivant l'attend : étant directement à ce point de l'espace d'où s'ouvre un paysage époustouflant, une personne munie d'un appareil photo ressent un effet puissant et polyvalent de la nature environnante. Son regard couvre simultanément 180 degrés de perspective, et s'il regarde autour de lui, alors tous les 360. Sur la photographie, la perspective est généralement limitée à 60 degrés avec une focale typique de 28 mm (Ilyinsky, Petunina, 1993 ; Belov, 2012 ).

Deuxièmement, le photographe est touché par les images visuelles, sonores et olfactives. Quelque chose se passe constamment autour : les oiseaux chantent, les fleurs sentent, le ruisseau murmure, le vent souffle. Les sensations tactiles jouent également un rôle important dans la perception générale : sous nos pieds, nous sentons des pierres pointues, des racines d'arbres et d'autres paysages accidentés, nous pouvons toucher l'écorce rugueuse ou lisse des arbres, nous pouvons faire rouler une boule de neige dans nos paumes (Wright , 2010 ; Wade, 1989).

La matérialité du paysage est bien visible au premier plan, la texture est bien visible à un mètre ou deux du photographe : brins d'herbe, cailloux, feuilles d'arbres sont dessinés en détail. Le paradoxe réside dans le fait qu'au lieu de cette multitude de perceptions et de sensations délicieuses, le résultat photographique sera une sorte de photographie banale ou une image plate sur le moniteur, ne véhiculant qu'une infime partie de tout ce qui a été ressenti au moment de la prise de vue. (Belov. 2012; Morozov, 1985).

Une autre des grandes difficultés auxquelles est confronté le photographe paysagiste est la disparition de la troisième coordonnée. Dans le paysage, la profondeur de l'espace est généralement de plusieurs kilomètres! Et dans l'image, l'image est aplatie, elle devient bidimensionnelle. Comment restituer une image tridimensionnelle de la nature ? La perspective linéaire nous y aidera (Lapin, 2005).

Perspective vient du mot latin perspicere, regarder à travers. Les modèles de perspective linéaire ont été développés par de nombreux artistes de la Renaissance. Il s'agit notamment de Léonard de Vinci et d'Albrecht Dürer. Par exemple, Léonard de Vinci a établi les modèles de base de la réduction d'image. La science de la représentation d'objets spatiaux sur un plan ou sur n'importe quelle surface en fonction de ces réductions apparentes de leur taille, des changements dans les contours de la forme et des rapports lumière et ombre observés dans la nature. En d'autres termes, c'est : une manière de représenter des corps en trois dimensions, véhiculant leur propre structure spatiale et leur emplacement dans l'espace.

Fig.19.

Fig.20.

La perspective de l'apparition de la science à la Renaissance, car à cette époque fleurissait le courant réaliste dans les arts visuels. Le système créé pour transmettre la perception visuelle des formes spatiales et de l'espace lui-même sur le plan a permis de résoudre le problème auquel sont confrontés les architectes et les artistes. Beaucoup d'entre eux ont utilisé du verre pour déterminer la perspective, sur laquelle ils ont encerclé l'image en perspective correcte des objets requis (Lapin, 2005).

À beaux-Arts et des photos peut-être applications diverses perspective, qui est utilisée comme l'un des moyens artistiques qui améliorent l'expressivité des images. Selon le but de l'image en perspective, la perspective comprend les types suivants: perspective linéaire directe, perspective linéaire inversée (Morozov, 1985).

Perspective linéaire directe. Une sorte de perspective calculée à partir d'un point de vue fixe et supposant un seul point de fuite sur la ligne d'horizon. Les sujets se réduisent proportionnellement à mesure qu'ils s'éloignent du premier plan. La perspective directe a longtemps été reconnue comme le seul véritable reflet du monde dans le plan de l'image. Compte tenu du fait que la perspective linéaire est une image construite sur un plan, le plan peut être situé verticalement, obliquement et horizontalement, selon le but des images en perspective (Fig. 21) (Kursky, Feldman, 1981).

Fig.21.

« Bosquet de bouleaux ».

Un exemple de transfert d'espace sur cette photo est représenté par une perspective linéaire. Le chemin dans la bouleau et le fossé diminue et se rétrécit proportionnellement à mesure qu'il s'éloigne du premier plan. Les arbres deviennent également plus petits à mesure qu'ils s'éloignent.

Perspective linéaire inversée. Un type de perspective utilisé dans la peinture byzantine et ancienne russe, dans lequel les objets représentés semblent augmenter à mesure qu'ils s'éloignent du spectateur, l'image a plusieurs horizons et points de vue, et d'autres caractéristiques. Lorsqu'ils sont représentés en perspective inversée, les objets se dilatent à mesure qu'ils s'éloignent du spectateur, comme si le centre des lignes de fuite n'était pas à l'horizon, mais à l'intérieur du spectateur lui-même. La perspective inversée forme un espace symbolique intégral, orienté vers le spectateur et suggérant son lien spirituel avec le monde des images symboliques. Étant donné que dans des conditions normales, l'œil humain perçoit une image en perspective directe plutôt qu'en perspective inversée, le phénomène de perspective inversée a été étudié par de nombreux spécialistes (Fig. 22) (Belov, 2012 ; Levkina, 2013).

Fig.22.

Quel rôle joue la perspective en photographie ? La perspective linéaire - joue un rôle énorme dans le travail du photographe. En photographie, pour obtenir une perspective linéaire dans une image proche du réel, on utilise des objectifs dont la distance focale est approximativement égale à la diagonale du cadre. Pour renforcer l'effet de la perspective linéaire, des objectifs grand angle sont utilisés, qui rendent le premier plan plus convexe, et pour adoucir, des objectifs à longue focale sont utilisés, qui égalisent la différence de taille des objets éloignés et proches (Lapin. 2005) .

Malgré la nature bidimensionnelle de la photographie, le sens du volume dans l'image affecte sa perception, il est donc important d'utiliser des techniques de perspective qui peuvent aider à obtenir une perception tridimensionnelle de la photographie (Lapin, 2005).

Il existe plusieurs façons dont la perspective linéaire se manifeste dans une photographie. Tous sont basés sur la composition d'une photographie et les caractéristiques de la vision humaine (Lapin, 2005 ; Morozov, 1985).

L'une des lois évidentes de la perspective linéaire est que les objets paraissent plus petits à mesure que nous nous en éloignons. Pour apprendre à appliquer cette loi, il suffit de trouver un lieu de prise de vue avec des objets répétitifs, par exemple : une rangée d'arbres, des poteaux ou un long mur, des marches et des rampes d'escaliers dans les parcs (Fig. 23) (Belov. 2012 ).

Fig.23.

Pour que la perspective linéaire s'affiche sur l'image, vous devez vous approcher très près du premier objet de cette rangée afin qu'il paraisse énorme sur la photo. Si cet effet est obtenu, le reste des objets de la rangée répétitive apparaîtra beaucoup plus petit, ce qui renforcera l'impression de profondeur (Fig. 24) (Lapin, 2005 ; Belov, 2012).

Fig.24.

Une autre méthode d'expression de la perspective consiste à utiliser des lignes s'étendant profondément dans l'image pour transmettre le volume de l'image. Les objets qui forment deux lignes convergentes sont bien adaptés à cette méthode (par exemple, Chemin de fer). Pour améliorer cet effet, vous devez choisir un point de prise de vue bas. Au bas du relevé, les lignes apparaîtront très larges et tendront fortement dans la profondeur de l'image vers le point de fuite (Fig. 25) (Harman, 2011 ; Wade, 1989).

Riz. 25.

L'une des meilleures façons d'afficher une perspective linéaire dans une photo consiste à inclure des objets de différentes tailles. Par exemple, d'un point de vue particulier, les personnes sur la photo apparaîtront très petites, et si elles se tiennent au pied d'une montagne, le spectateur comprendra à quel point cette montagne est énorme. De la même manière, vous pouvez utiliser des arbres, des animaux, des voitures ou d'autres objets dont la taille relative est très différente de celle des montagnes ou d'autres paysages spacieux (Kursky, Feldman, 1981, 1991).

Toutes ces méthodes sont le fruit de l'observation du photographe. Dans la vraie vie, la perspective linéaire est perçue à travers la distance. Si vous utilisez différents plans dans une photographie, en insistant sur le fait que l'un des objets est plus proche de l'appareil photo et l'autre est plus éloigné, alors l'image semblera tridimensionnelle (Belov. 2012 ; Lapin, 2005).

Sur la base de ce qui précède, nous pouvons tirer la conclusion suivante: il est nécessaire de sélectionner la composition des plans de manière à ce qu'une réduction de ces dimensions soit perceptible dans le cadre. Bonne façon pour souligner l'expressivité de la profondeur de l'espace - utilisez un objectif grand angle, tandis que le degré de réduction des objets dans le cadre augmente considérablement: la taille de l'arbre en arrière-plan est déjà fortement réduite et, dans le troisième plan, l'objet complètement se transforme en point. Ce phénomène crée l'illusion d'éloignement et de profondeur de l'espace (Morozov, 1985 ; Belov. 2012 ; Dyko, 1977).

La technique suivante pour photographier un paysage consiste à utiliser les possibilités de la perspective couleur-ton, la couleur (Wade, 1989).

Chacun de nous connaît un phénomène naturel lorsque, parallèlement à une diminution de la forme des objets (avec une augmentation de la distance entre l'objet et l'observateur), les contrastes de couleurs diminuent également. L'art photographique moderne a atteint une telle perfection que ses meilleures œuvres, profondes dans la pensée, originales dans les solutions visuelles, ont acquis les caractéristiques d'un véritable art. Ces œuvres permettent de parler de l'écriture originale des artistes photographes, du style de leur travail, des recherches dans le domaine de la créativité artistique et d'une catégorie aussi importante arts visuels, comme la couleur (Buimistru, 2010 ; Ivanov-Alliluev, 1971).

Le concept de «couleur» est venu à la photographie de la peinture, où la couleur est comprise comme la nature de la relation de tous les éléments de couleur de l'image, la cohérence des couleurs et leurs nuances. L'expression externe de la couleur est le pittoresque et la couleur des combinaisons de couleurs. Mais la signification des solutions de couleur réside dans leur utilisation pour exprimer un contenu, idée principale auteur. Par conséquent, l'apparition de certaines couleurs et de certains tons sur le plan de l'image est toujours motivée et opportune, et elles sont utilisées pour une représentation véridique, expressive et émotionnellement impressionnante de la réalité. Exactement à

dans ce domaine naît la vraie beauté de la couleur, sa valeur artistique (Buimistru, 2010).

Le photographe travaille la coloration des photographies en couleur d'une manière complètement différente de l'artiste-peintre. Mais ils n'ont qu'un seul but, et résultat final, obtenu par divers moyens, a beaucoup en commun. Le photographe et l'artiste s'efforcent de transmettre la vérité de la vie, de révéler le sujet de manière pittoresque et expressive. Les deux fonctionnent avec les couleurs, réalisent l'harmonie des couleurs, la richesse et la cohérence des nuances de couleur (Ivanov-Alliluyev, 1971).

Les couleurs et les tons du sujet de la prise de vue ne nécessitent aucune preuve particulière pour affirmer que les couleurs et les tons du sujet sélectionné sont à la base de la coloration de la future image photographique (Wright, 2010 ; Wade, 1989).

La chaîne de montagnes (Fig. 26, 27, 28) à l'horizon semble être une transition de couleur bleutée vers le ciel, au contraire, les couleurs vives, et surtout les contrastes de lumière et d'obscurité, prédominent à côté de l'observateur. Lorsqu'elle est supprimée, la couleur "rétrécit" pour ainsi dire, donnant quelque chose comme l'ambiance principale de l'image. Par exemple, regardez un arbre : en raison de la couleur, sa cime semble presque uniforme, bien que les formes détaillées individuelles deviennent de plus en plus distinctes. Si nous louchons un peu les yeux, ces formes détaillées deviendront plus claires et les contrastes de lumière et d'obscurité seront plus forts. Notre œil rapproche la vue d'ensemble. La même chose se produit lors de l'étude d'un paysage dans lequel, avec l'augmentation de la profondeur de l'espace, une couleur bleu clair au loin se mélange à toutes les valers de couleur (réfraction des couleurs avec le bleu et le blanc) (Buimistru, 2010 ; Wade, 1989).

Fig.26.

Fig.27.

Riz. 28.

Il s'avère qu'à l'aide de couleurs et de constructions géométriques sur le plan de l'image, vous pouvez représenter tout l'espace (Belov, 2012).

Comme mentionné ci-dessus, dans la section sur la perspective, les objets deviennent plus petits à mesure que la distance augmente. Il s'avère que les objets perdent également leur luminosité de couleur ; il semble que les objets au loin soient enveloppés d'une brume bleue. Au fur et à mesure que vous vous rapprochez du spectateur, les contrastes de couleurs deviennent plus forts, les contrastes de lumière et d'obscurité sont plus clairement définis, des contrastes supplémentaires "suppriment" les contrastes de tons chauds et froids. Il s'ensuit que les couleurs rouge, orange, jaune (couleurs chaudes) agissent comme des approximations optiques. Les verts froids, les bleus sont comme des neutres et les bleus sont comme des lointains. Par conséquent, le ciel bleu ou les distances gris tourterelle sont toujours perçus comme des objets distants, la verdure occupe régulièrement le plan médian, mais ce qu'il faut placer au premier plan doit être réfléchi. Il peut s'agir de pierres rouges et brunes, rouges

ou des fleurs jaunes ou d'autres objets dans le jeu de couleurs nommé. Il s'avère que le premier plan est chaud, le milieu est neutre et l'arrière est froid (Buimistru. 2010, Belov. 2012).

Mais le plus décisif ici est l'observation de la situation d'image correspondante, en raison d'un changement uniforme de luminosité, par exemple, la transition du bleu au blanc, une impression supplémentaire de profondeur spatiale dans le cadre apparaît. Éloignement (Belov, 2012 ; Morozov, 1985).

De ce qui précède, nous pouvons conclure que la perspective tonale est l'un des moyens importants de transmettre l'espace dans une photographie et en même temps une composante importante de la couleur globale d'une œuvre photographique. Ainsi, les paysages ne deviennent pas plats, mais semblent plutôt plus volumineux. La profondeur de l'espace apparaît (Dyko, 1977 ; Buimistru, 2010).

Un bon éclairage est également d'une grande importance pour la beauté du cadre. Cela pose le problème de la mesure de l'exposition, donc pour la sécurité

les paysages complexes, qui ont une grande latitude de luminosité, doivent être photographiés avec correction : d'abord avec la bonne exposition, puis, juste au cas où, avec deux surexpositions et deux sous-expositions. Pour une raison quelconque, les photographes amateurs aiment photographier des paysages de 11 h à 15 h dans un éclairage de midi. Le soleil est en même temps presque verticalement au-dessus de la tête du photographe et fournit l'éclairage le plus défavorable du paysage. Les professionnels ne tournent qu'à la lumière du matin - de 7 h à 11 h ou le soir de 15 h à 19 h (à ces heures, le soleil donne un bel éclairage latéral) (Kharman, 2011 ; Morozov, 1985).

Le contre-jour qui se produit avec les rayons du soleil couchant est d'une efficacité impressionnante. Afin de régler correctement la vitesse d'obturation de l'ouverture, le posemètre est recouvert d'un objet - laissez-le capturer le reste de l'espace, à l'exception du rayon de soleil (Morozov, 1985; Wright, 2010; Wade, 1989).

Conclusion : l'utilisation compétente de la lumière par un photographe peut créer un chef-d'œuvre en photographiant le paysage le plus ordinaire, et une utilisation inepte peut ruiner les plus beaux paysages. La lumière exprime l'ambiance de la nature, qui est facilement transmise au spectateur. La lumière du soleil donne une humeur joyeuse, le temps nuageux provoque des sentiments mineurs et de la réflexion, et la lumière diffuse dans le brouillard évoque une agréable sensation de mystère (Belov, 2012).

En plus de tout ce qui précède, dans le paysage, comme dans tout autre genre de photographie, la composition du cadre est d'une grande importance. Pour créer une composition harmonieuse du cadre, vous devez tout d'abord choisir un bon point de prise de vue ou déplacer légèrement la caméra sur le côté afin d'obtenir un effet inattendu en capturant de nouveaux objets dans le cadre. Les règles de base de la composition sont basées sur les particularités du regard d'une personne, un spectateur, qui se déplace à travers le cadre de gauche à droite, s'arrêtant devant le bord. Les règles principales mettent en évidence l'essentiel dans le cadre. Avant de prendre une photo, vous devez considérer calmement le paysage et choisir l'objet principal sur lequel se concentre l'attention du photographe. Le photographe détermine pour le Saami quelles images et phénomènes de la vie de la nature il doit transmettre au spectateur (Levkina, 2013 ; Dyko, 1977).

La règle du nombre d'or. Cette règle a été utilisée même par les constructeurs des pyramides égyptiennes. C'est basé là-dessus. Que certains points d'une composition d'image attirent automatiquement l'attention du spectateur. Quel que soit son format d'image. Il existe quatre points de ce type et ils sont situés à une distance de 3/8 et 5/8 des bords correspondants du cadre (Fig. 29, 30) (Belov, 2012 ; Kursky et Feldman, 1981).

Riz. 29.

Riz. trente.

Selon la règle de la section d'or, vous devez placer des lignes et des objets qui ne sont pas au milieu du cadre. Et un peu à côté. Lors de l'application de la règle de la section dorée, il est nécessaire de se souvenir de la ligne d'horizon. Qui devrait être sur l'une des lignes des tiers horizontaux : haut ou bas. Cette règle est appelée « règle des tiers » (Fig. 31) (Belov, 2012 ; Kursky, Feldman, 1981).

Riz. 31.

La ligne d'horizon sur cette photo est au sommet des tiers horizontaux. La ligne d'horizon ne doit pas diviser l'image en deux parties égales. Il faut composer le cadre pour que le ciel occupe soit un tiers soit les deux tiers du cadre. Le rapport idéal entre les proportions du ciel et du paysage est de 1:2, mais il faut se souvenir des exceptions (Lapin, 2005 ; Belov. 2012).

Règle diagonale. Cette règle stipule que les éléments importants de l'image doivent être placés le long des diagonales du cadre. L'œil du spectateur ne se déplace pas parallèlement aux bords du cadre, mais en diagonale. Par conséquent, la disposition des lignes individuelles de la scène le long des diagonales est perçue harmonieusement et vous permet de relier le contenu du cadre (Dyko, 1977 ; Levkina, 2013).

Les diagonales sont "ascendantes" et "descendantes". Les diagonales ascendantes sont dirigées du coin inférieur gauche vers le coin supérieur droit et portent une signification optimiste, d'espoir et de développement (Fig. 32). Les diagonales descendantes, dirigées du coin supérieur gauche vers le coin inférieur droit, portent une attitude pessimiste, un sentiment d'exhaustivité (Fig. 33) (Dyko, 1977; Levkina, 2013; Belov, 2012).

Riz. 32.

"Début de vie"

Riz. 33.

"Janhot. Route vers la mer"

Riz. 34.

Les diagonales sont représentées par les pentes des montagnes.

La principale caractéristique des paysages de montagne est qu'il y a plus qu'assez de diagonales naturelles dans les montagnes (Fig. 34) (Belov, 2012).

Si vous regardez autour de vous, vous pouvez voir que le monde qui nous entoure est rempli d'axes horizontaux-verticaux, c'est pourquoi il est si important et nécessaire de briser cet ordre ennuyeux (Fig. 35) (Belov. 2012).

Riz. 35. Règle diagonale du cadre. Diagonale montante. "Famille"

Nous continuons à familiariser nos lecteurs avec les meilleurs photographes contemporains. Aujourd'hui, nous allons parler du genre de paysage. Alors, lisez notre critique, partagez-la avec vos amis et inspirez-vous en admirant les œuvres des maîtres paysagistes !

Dmitri Arkhipov

Facebook

Site Internet

Originaire de Moscovite, Dmitry Arkhipov aime la photographie depuis son enfance. Physicien de formation, Dmitry a servi dans l'armée, a travaillé à l'Institut de recherche spatiale dans le cadre du programme Bourane, a créé sa propre société informatique bien connue, tout en continuant à s'améliorer dans le domaine de la photographie de paysage.

Les résultats de ses voyages dans 108 pays du monde ont été cinq expositions personnelles, où les œuvres de Dmitry ont été vues par plus d'un million de personnes. Aujourd'hui, Dmitry Arkhipov est un photographe titré, membre de l'Union des photographes de Russie, lauréat et lauréat de concours photo nationaux et internationaux.

Facebook

Blog

Denis Budkov est originaire du Kamtchatka, depuis 1995 il voyage et photographie ses mère patrie. L'amour de la nature et le désir de montrer toute sa beauté sont devenus une incitation à apprendre les bases de la photographie et à améliorer ses compétences dans la pratique. La principale passion de Denis est les volcans, qui sont si riches dans la nature du Kamtchatka. Les éruptions volcaniques et les paysages paisibles du Kamtchatka qu'il a capturés ont déjà été récompensés par les prestigieux concours photo Best of Russia 2009, 2013, Wildlife of Russia 2011, 2013, Golden Turtle, Wildlife Photographer of the Year - 2011. Denis dit que la photographie pour lui est un mode de vie, qui est tout à fait satisfaisant. L'essentiel est d'attendre le bon moment pour faire le même cadre.

Vkontakte

Site Internet

Mikhail Vershinin s'est intéressé à la photographie dès son enfance ; il a dû renoncer à visiter le studio photo au profit d'un autre passe-temps - l'escalade et l'alpinisme, mais même sur les routes sportives, il a emporté un appareil photo avec lui. L'envie de voyager dans des endroits sauvages et la passion pour le tournage ont finalement conduit Mikhail Vershinin à la photographie de paysage. Il explique son choix de ce genre particulier non seulement par une envie de nature, mais aussi par une humeur particulière, la capacité de transmettre des sentiments et des émotions à l'aide d'un instant capturé. Les œuvres de Mikhail Vershinin sont devenues à plusieurs reprises finalistes et lauréates de prix russes et compétitions internationales, y compris "National Geographic Russia - 2004" et FIAP Trierenberg Super Circuit - 2011 dans la nomination "Night Image".

Site Internet

Facebook

Oleg Gaponyuk, diplômé du MIPT, vit et travaille à Moscou et a un passe-temps inhabituel : la photographie panoramique. Pour une bonne photo, il peut facilement aller de l'autre côté de la terre, tout en faisant du ski, de la planche à voile et de la plongée en cours de route. Malgré le fait que ses passe-temps sportifs soient associés aux montagnes, aux mers et aux océans, dans le domaine de la photographie, Oleg s'est intéressé à la création de panoramas sphériques dans les airs. Il participe activement au projet AirPano.ru, dans lequel plus de 1 500 panoramas à vol d'oiseau ont déjà été réalisés dans les villes et les coins les plus intéressants du monde. En termes de géographie de prise de vue, de nombre de panoramas aériens et de valeur artistique du matériel, ce projet est l'un des leaders mondiaux de ce type de photographie panoramique.

Facebook

Blog

Diplômé du MIPT, Daniil Korzhonov préfère se qualifier de photographe amateur, car il fait simplement ce qu'il aime. La photographie lui a permis de combiner sa passion pour la peinture et son amour du voyage. En tant que photographe paysagiste, il visite les plus beaux endroits du monde et « peint » ce qu'il voit sur pellicule. Combiner photographie et voyage permet à Daniil de mener une vie active et d'exprimer ses pensées et ses sentiments à travers de magnifiques clichés originaux pris à la fois dans la nature et dans les rues des villes. Il conseille à tous les photographes débutants de photographier le plus et le plus souvent possible afin de mieux comprendre la beauté du monde environnant.

Facebook

Site Internet

Vladimir Medvedev - fondateur du Wildlife Photographers Club, voyageur infatigable, photographe professionnel, lauréat de concours internationaux, dont le concours de photographie animalière de la BBC 2012 pour le prix du portefeuille Eric Hosking. La coopération avec des réserves fauniques du monde entier permet à Vladimir de prendre des clichés uniques du monde vierge et de ses habitants. Selon Vladimir Medvedev, la photographie est à la fois un art, un moyen de comprendre le monde, et un moyen d'influencer le monde. Commencer la photographie est facile - il vous suffit d'acheter un appareil photo et d'apprendre des meilleurs.

Youri Poustovoï

Facebook

Site Internet

Yuriy Pustovoy est diplômé de VGIK, directeur de la photographie au studio de cinéma d'Odessa avec dix ans d'expérience et photographe de voyage distingué. Son travail a été reconnu par le jury et les visiteurs expositions internationales et des concours photo, dans le trésor des prix de Yuri se trouve la médaille d'or de la Fédération internationale de photographie FIAP Global Arctic Awards 2012. Yuri Pustovoy n'est pas seulement un voyageur et photographe, mais aussi un organisateur de circuits photo pour les vrais photographes amateurs et débutants. Des paysages de diverses parties du monde tombent dans le champ des caméras de Yuri et de son équipe. Au cours de la tournée, Yuri partage son expérience photographique, aide pendant le tournage avec des conseils et des actes, apprend à traiter les photographies dans les éditeurs graphiques.

Sergueï Semenov

Facebook (plus de 800 abonnés)

Site Internet

Sergey Semenov s'est intéressé à la photographie en 2003, lorsqu'un appareil photo numérique lui est tombé entre les mains pour la première fois de sa vie. Depuis, il a non seulement consacré tout son temps libre à ce passe-temps, mais a également fait de la photographie un métier, troquant une carrière d'économiste contre le destin de photographe de voyage. À la recherche des plus belles vues de la terre, Sergey visite les parcs nationaux d'Amérique du Nord, les montagnes de Patagonie, les lagons de glace d'Islande, la jungle brésilienne et les déserts chauds. Il photographie ses paysages préférés à vol d'oiseau et participe activement au projet AirPano.ru. Dans son premier panorama, Sergueï a montré le Kremlin tel que le voient les oiseaux.

Facebook (plus de 700 abonnés)

Site Internet

Le photographe biélorusse est connu comme un maître du genre paysage. Comme beaucoup de ses confrères, il croit que la beauté est partout et que le talent du photographe consiste à la montrer au spectateur. Il se caractérise par son exigence envers lui-même et la qualité de son travail. Vous serez surpris, mais parfois Vlad vient plusieurs fois au même endroit pour obtenir le bon éclairage et prendre une belle photo. Et pourtant, Vlad lit notre magazine depuis longtemps et partage régulièrement ses photos avec tout notre public.

Alexeï Souloïev

Site Internet

Aleksey Suloev a reçu son premier appareil photo à l'âge de sept ans et s'est rapidement habitué à photographier tout ce qui l'entoure, d'autant plus que sa passion pour le tourisme lui a permis de se retrouver dans les endroits les plus insolites et les moins développés du Caucase, du Pamir et du Tien. Chan. Petit à petit, les voyages touristiques se sont transformés en véritables voyages photo. A la poursuite de clichés insolites, Alexey a déjà visité plus d'une centaine de pays, la géographie de ses voyages comprend les endroits les plus inaccessibles et intacts de notre planète du Nord au pôle Sud. Alexey tire parce qu'il ne peut pas décrire avec des mots la beauté et la diversité de la terre. Il partage généreusement tout ce qu'il voit avec son public afin que chacun puisse trouver l'inspiration créative dans l'inépuisable nature.

Salutations, chers lecteurs! En contact avec vous, Timur Mustaev. Certains photographes amateurs considèrent le paysage comme l'un des genres les plus élémentaires de la photographie. Dans une certaine mesure, je partage leur point de vue : allez où vous voulez, mais tirez sur tout ce qui vous passe par la tête.

De plus, contrairement à la prise de vue en studio, qui nécessite des coûts financiers considérables, la nature ne disparaîtra pas et n'exigera rien en retour, si ce n'est d'en prendre soin, et la situation change selon la période de l'année, laissant place à l'imagination.

Mais le paysage est-il vraiment si simple ? Découvrons-le ensemble.

Et commençons le débriefing, peut-être, par la définition de ce genre et sa place dans la réalité humaine.

paysage en photographie

Paysage- C'est un genre dans lequel le centre de l'image est la nature.

Cette direction est née à l'époque de l'absence d'appareils photo, lorsque des artistes connus et moins célèbres se rendaient à l'air libre et transmettaient ce qu'ils avaient emporté à l'aide de pinceaux et de peintures.

C'est pourquoi la compréhension du sens de ce genre doit être apprise auprès d'artistes réalistes.

Les images, comme rien d'autre, vous permettent de ressentir la beauté de la nature, elles sont inextricablement liées au monde intérieur d'une personne, à ses sentiments, son humeur et son amour de la vie en général.

Et en photographie, un paysage n'est pas une refonte minutieuse de tel ou tel coin de nature, mais sa propre vision du monde.

La photographie de paysage moderne est assez polyvalente. Les expositions de tels matériaux insufflent au spectateur un goût artistique et développent l'imagination en établissant des parallèles associatifs entre la vie réelle et les photographies.

La relation entre la photographie et la vie a donné naissance à une nouvelle direction - le paysage urbain, dans lequel le dominant n'est pas la nature, mais l'invention de la société - la ville avec ses nombreuses rues, ses objets architecturaux, ses places, ainsi qu'un ruisseau sans fin des voitures et des piétons.

Le paysage urbain et classique captive même les photographes les plus avares ! Et il y a une explication à cela : en filmant dans ce genre, vous pouvez obtenir d'excellents clichés sans utiliser d'équipement coûteux.

Tout ce dont vous avez besoin est du désir, de la patience, un trépied, un appareil photo reflex et une certaine habileté à l'utiliser.

Tourner dans ce genre, comme, en fait, dans n'importe quel autre, est avant tout un processus créatif, accompagné de votre propre vision de ce qui se passe, mais, curieusement, il existe de nombreuses règles dont le respect sauvera vous des échecs.

Photographie de paysage

Fermez les yeux un instant et imaginez : de vastes étendues d'une beauté sans précédent s'étendent devant vous et il semble que dès que vous appuyez sur le déclencheur, la plus belle image que le monde n'ait jamais vue apparaît sur l'écran de l'appareil photo. .

Immortalisez cet épisode dans votre mémoire et ouvrez grand les yeux, votre fantasme restera un fantasme, et vous ne saurez jamais photographier un paysage si vous négligez les règles listées ci-dessous.

• Netteté maximale. De nombreux photographes s'entraînent à photographier des paysages à ciel ouvert, mais "beaucoup" n'est pas un bon indicateur d'un bon travail.

Une technique classique lors de la photographie de paysage consiste à se concentrer sur l'image entière (prise de vue avec une ouverture couverte).

Habituellement, il suffit de faire de simples réglages de l'appareil photo pour obtenir une photo nette et modérément exposée : un curseur dans la région f/11-16, ou vous pouvez faire confiance à la machine si vous photographiez en . Cependant, pour éviter les secousses, il est préférable de photographier des paysages avec ou .

• Présence de sens. Pour toute photo, il est important d'avoir un centre sémantique de la composition, pour que, comme on dit, l'œil ait quelque chose à saisir. Tout peut servir de centre d'attention : un bâtiment de forme intéressante, un arbre, une montagne, un navire au milieu de la mer, etc.
• Règle des tiers dans la composition globale du cadre. La localisation du centre sémantique par rapport à tous les éléments et détails de l'image est aussi importante que la présence de netteté.

La référence dit: la photo semble la plus avantageuse lorsque les objets photographiés sont conditionnellement séparés par des lignes qui divisent l'image en trois parties, à la fois longitudinales et transversales.

• Avant-plan réfléchi. Placez les centres sémantiques sur le devant de la photo, en laissant "l'espace aérien" devant, afin de créer un effet de légèreté et de donner de la profondeur.
• élément dominant. Le secret d'une photographie de nature réussie est révélé - le ciel ou le premier plan doit dominer dans l'image.

Si vos photos ne correspondent pas description donnée très probablement, ils seront considérés comme ennuyeux et banals.

S'il se trouve que le ciel pendant la séance photo est inintéressant et monotone - déplacez la ligne d'horizon vers le tiers supérieur pour ne pas la laisser prévaloir sur le reste.

Mais s'il semble que l'espace aérien est sur le point d'exploser ou de s'effondrer au sol avec des coulées de lave - donnez-lui 2/3 du cadre et vous verrez à quel point l'intrigue de ce qui se passe peut changer.

• lignes. Il existe une infinité de façons de refléter pleinement la beauté de la nature. L'une d'elles est la technique consistant à inclure des lignes actives dans la composition. À l'aide de lignes, vous pouvez rediriger le regard du spectateur d'un point sémantique de la photo à un autre, tout en créant une sorte d'espace clos.

Les lignes créent non seulement des motifs sur la photo, mais ajoutent également du volume. Cela s'applique également à la ligne d'horizon, au-delà de laquelle vous avez constamment besoin d'un œil et d'un œil.

• Mouvement. Beaucoup considèrent les photos de paysages comme calmes et passives. Mais ce n'est pas nécessairement le cas! Vous pouvez ajouter de la vie à une photo à l'aide de l'eau ou du vent, par exemple, capturer avec un appareil photo reflex une émeute de l'océan ou une chute d'eau qui coule, un souffle de vent ou des feuilles qui tombent d'un arbre, des oiseaux qui décollent ou des gens qui marchent .

L'influence de la météo et du temps sur la qualité de la photographie de paysage

La règle d'or du paysage : "La scène et l'intrigue peuvent changer radicalement du jour au lendemain, en fonction des conditions météorologiques et des saisons"

C'est une erreur de penser que le meilleur moment pour prendre des photos de la nature est une journée ensoleillée.

Par temps nuageux, en termes d'effets d'éclairage, la prise de vue est un plaisir : la grêle, la pluie avec de la neige et les orages peuvent remplir n'importe quel paysage d'une ambiance inquiétante et mystérieuse.

Cependant, il y a un effet secondaire - la probabilité de se mouiller les pieds, de tomber malade et de dire au revoir au DSLR pour toujours, car l'humidité peut avoir un effet dévastateur sur tous les appareils électroniques.

Pour éviter cela, planifiez votre journée à l'avance, prenez vos bagages au sérieux : réfléchissez à quoi porter et dans quoi emballer votre appareil photo. À ces fins, il est préférable d'acheter un boîtier étanche, ou au moins un boîtier qui protège l'objectif des chutes sur l'objectif.

Prendre des photos sous la pluie n'est pas nécessaire - c'est juste une façon d'obtenir des images artistiques.

Cela crée une lumière diffuse très douce, donnant aux images une légèreté et un aspect somnolent particulier.

Une forêt couverte de brouillard aura l'air beaucoup plus mystérieuse et attrayante qu'une journée ensoleillée.

Bien que si la prise de vue a lieu en été ou en automne, la lumière pénétrant à travers le feuillage peut créer une ouverture intéressante et large.

Au coucher du soleil, en utilisant , vous pouvez prendre des photos de paysages non moins intéressants, surtout si le premier plan est légèrement en contre-jour.

Pour éviter les lapins, utilisez une cagoule ou. Ce filtre en photographie de paysage est tout simplement irremplaçable.

Le tir de nuit est techniquement le plus difficile. Photographier la nature dans toute sa splendeur est inutile en raison du manque de lumière. Par conséquent, vous devez vous rendre là où il y a des sources de lumière artificielle - la ville.

Dans ce cas, il ne faut pas utiliser le flash sans interruption, monter la valeur à 800-1600 et aller vers le paysage urbain !

Un bref programme pédagogique sur la photographie de paysage a atteint son point de non-retour ! Espoir, Cet articleétait au moins quelque peu instructif et utile. Je pense que je vous ai transmis le sens de la façon de photographier correctement un paysage afin d'obtenir les résultats souhaités.

Si vous êtes un photographe en herbe qui souhaite réussir dans la photographie, tout est entre vos mains. Pour commencer, il est préférable de commencer par le concept de votre appareil photo reflex. Et l'un des cours vidéo ci-dessous peut devenir assistant. La plupart des photographes débutants, après avoir étudié ce cours, ont une attitude différente envers l'appareil photo reflex. Le cours aidera à révéler toutes les fonctions et tous les paramètres importants du reflex numérique, ce qui est très important au stade initial.

Mon premier MIROIR- pour les possesseurs d'un reflex numérique CANON.

Reflex numérique pour débutants 2.0- pour les possesseurs d'un reflex numérique NIKON.

Abonnez-vous aux mises à jour du blog et partagez des liens vers des articles avec des amis.

Bien à vous, Timur Mustaev.

36091 Améliorer les connaissances 0

La prise de vue de paysages peut être divisée en plusieurs composantes, les principales étant la photographie de paysage et la photographie de paysage urbain. La première partie de notre leçon sera consacrée à la photographie de paysage.

Photographier des paysages est l'un des domaines les plus difficiles et les plus problématiques de la photographie. Je dirai que pour moi, photographe expérimenté, photographier un paysage pose toujours des difficultés. Ce n'est pas si difficile d'un point de vue technique - il suffit d'avoir un trépied, un objectif grand angle et de faire plus attention à l'exposition. Alors, qu'est-ce qui rend ce genre de photographie si difficile?

Tout d'abord, la photographie de paysage doit être créative afin de capturer l'ambiance et de la transmettre au spectateur. Si l'aspect technique du problème peut être décrit, alors la composante créative de la photographie ne peut qu'être conseillée - vous devez développer votre vision pour des prises de vue vraiment uniques.

Équipement

Commençons par le plus simple. Quel objectif choisir ? Bien que de superbes photos puissent être prises avec n'importe quel objectif, il est toujours préférable d'utiliser des objectifs grand angle. Ils vous permettent de capturer l'espace du paysage, la perspective accentuée, ce qui ajoute de la profondeur à l'image. Si vous utilisez un appareil photo reflex numérique avec un capteur APS-C, recherchez un objectif grand angle 10-20 mm ; pour les appareils photo plein format, vous avez le choix entre des objectifs 12-24 mm, 16-35 mm, 17-40 mm. Un zoom est confortable à utiliser, mais les objectifs à focale fixe offrent la meilleure qualité. Dans la gamme EGF, 12-24 offrent un angle de vision large, et 16-35 et 17-40 offrent un angle de vision beaucoup plus petit, mais ils fournissent moins de distorsion optique, en particulier dans les coins de l'image. L'utilisation d'objectifs ultra grand-angle et d'un objectif fisheye rendra vos clichés plus expressifs et originaux. Mais photographier tous les cadres uniquement en "pêchant" ne sera pas intéressant, c'est donc un bon complément à l'objectif principal.

Lors de la prise de vue de paysages, les petites ouvertures sont presque toujours utilisées pour obtenir une grande profondeur de champ : typiquement f/11-f/16. Il est recommandé d'éviter les très petites ouvertures telles que f/32, car cela entraînera une mauvaise qualité d'image en raison de la diffraction (un effet qui réduit la netteté et le contraste d'une image).

Lorsque vous photographiez des paysages, utilisez uniquement mise au point manuelle, en particulier lors de la prise de vue de sujets au premier plan à proximité de l'appareil photo.

La sensibilité ISO doit être réglée sur la valeur la plus faible autorisée par l'appareil photo, généralement entre 100 et 200 ISO. Il n'est pas recommandé d'utiliser l'extension ISO 50 disponible en option sur certains appareils photo en raison de la plage dynamique réduite. Prise de vue à ISO 100, l'image sera pratiquement sans bruit, avec une large plage dynamique et une excellente qualité d'image, qui peut être affinée lors du traitement sans crainte de bruit fort. Vitesse d'obturation : Comme vous pouvez l'imaginer, la combinaison d'une petite ouverture et de faibles valeurs ISO vous donnera une vitesse d'obturation longue. Selon l'éclairage, la vitesse d'obturation peut aller d'une fraction de seconde (1/250 ou 1/500) à plusieurs secondes voire minutes.

Si vous êtes sérieux au sujet de la photographie de paysage, vous devez comprendre la nécessité d'utiliser un trépied. Un trépied est l'élément principal qui fournit des photos nettes et détaillées, en particulier avec de longues expositions. De plus, un trépied vous permet de sélectionner et de réfléchir soigneusement à la composition. À l'aide d'un trépied, il est possible d'utiliser une technique spéciale qui vous permet de prendre des photos étonnantes : au lever ou au coucher du soleil, prenez quelques photos de la même scène - la première exposition au ciel, la seconde au premier plan, puis combinez eux - vous obtenez un cadre original avec la plage dynamique la plus large. Lors de la prise de vue à main levée, il sera impossible de prendre deux photos absolument identiques.

Lors de la prise de vue de paysages, il est recommandé d'utiliser des filtres - polarisants et. Les filtres UV et protecteurs sont inutiles car ils peuvent réduire la qualité de l'image, réduire la netteté et augmenter le risque de lumière parasite. Lors du choix des filtres, il est important de garder à l'esprit que leur utilisation sur des objectifs ultra grand-angle (18 mm ou moins) peut entraîner un effet indésirable d'éclairage irrégulier du cadre et de vignettage.

Se préparer à tirer

À bien des égards, le succès de la photographie dépend de la qualité de votre préparation. Vous devez examiner attentivement ce qui pourrait interférer avec le tournage ou vous obliger à revenir. Plus vous prenez en compte les nuances possibles, plus il est probable que vous vous concentrerez entièrement sur la prise de vue. Résolvez les problèmes d'organisation : comment vous rendrez-vous sur le lieu de tournage, où logerez-vous. Si vous ne prévoyez pas de passer la nuit, vous devez quand même envisager une nuitée - vous ne pouvez pas calculer le temps, les circonstances peuvent changer.

Habillez-vous de manière à ce que les vêtements et les chaussures ne créent pas d'inconvénients. Prenez un parapluie ou une veste à capuche avec vous. Pensez à protéger votre matériel en cas de fortes pluies. Ayez une lampe de poche à portée de main. Cependant, essayez de sortir de la forêt ou des montagnes avant la tombée de la nuit, car y passer la nuit n'est pas la meilleure option. Obtenez une carte de la zone, naviguez par elle et par des objets qui ne peuvent pas être confondus. C'est bien d'avoir une boussole à votre disposition.

N'oubliez pas d'apporter de l'eau et de la nourriture avec vous. Il vaut mieux ne pas se rendre seul dans des endroits lointains et déserts. Assurez-vous que le compte téléphone portable avait de l'argent et sa batterie était complètement chargée. Si vous partez en voiture, vérifiez la "roue de secours", faites le plein d'essence, ne partez pas dans une voiture en panne. Dites à vos amis, à votre famille exactement où vous allez (allez) et l'heure à laquelle vous reviendrez.

Vérifiez les paramètres de l'appareil photo, la charge de la batterie et l'espace de la carte mémoire avant la prise de vue. Il est optimal de filmer en RAW en réglant le réglage de la balance des blancs sur automatique, puis vous sélectionnerez la balance souhaitée dans le convertisseur. En modifiant les paramètres de balance des blancs, vous pouvez obtenir des couleurs plus attrayantes.

Léger

La lumière est un élément essentiel dans la photographie de paysage. La bonne lumière peut transformer même un sujet indéfinissable, tandis que la mauvaise peut ruiner même la meilleure scène. Fait intéressant, de nombreux photographes novices pensent qu'une journée claire et ensoleillée et un ciel sans nuage sont d'excellentes conditions pour photographier - mais ce n'est pas le cas - ce sont les pires conditions que vous puissiez imaginer pour photographier des paysages. La meilleure lumière n'est pas brillante à midi, mais la douce lumière du lever ou du coucher du soleil. Les ombres sont nettes, les couleurs sont chaudes, riches et agréables à l'œil. Les photographes expérimentés appellent cette fois .

Il faut se lever tôt et se coucher tard pour capturer le paysage dans cette lumière, mais le résultat en vaut la peine. Parfois, vous pouvez obtenir des photos fantastiques même avant le lever du soleil - il est tout à fait possible de prendre de belles photos de paysage même la nuit. Lorsque cela est possible, capturez la lune dans le cadre - cela la rendra plus intéressante.

Si vous ne pouvez pas ou ne voulez pas attendre le coucher ou le lever du soleil, photographier à midi est une autre stratégie pour obtenir le meilleur éclairage. Si le ciel est sans nuages, essayez de l'exclure le plus possible du cadre et, à l'inverse, si les nuages ​​forment un motif complexe, veillez à intégrer le ciel dans la composition. Un filtre polarisant dans ce cas aidera à accentuer le contraste entre les nuages ​​et le ciel et à rendre les couleurs plus saturées.

Une autre façon d'obtenir une belle photo est en noir et blanc. Une photo prise même dans des conditions de faible éclairage peut être une excellente photo en la convertissant en noir et blanc, mais toutes les photos ne bénéficieront pas de la "décoloration". En noir et blanc, les cadres riches en textures, bords et autres éléments contrastés gagnent clairement, tandis que d'autres peuvent sembler « plats ». Dans tous les cas, n'hésitez pas à expérimenter le contraste en post-traitement dans éditeur graphique(pas intracamérulaire !).

La prise de vue à midi, au coucher ou au lever du soleil - n'est pas le seul moment où un photographe peut prendre une bonne photo. Même lorsque le ciel est couvert de nuages ​​ou de fortes pluies, vous pouvez obtenir une superbe photo. Les nuages ​​et le ciel orageux ajouteront l'ambiance appropriée à la photo, vous permettant de donner aux paysages un aspect inhabituel.

Humeur

Les mêmes endroits peuvent sembler très différents. La météo, l'heure de la journée et de nombreux autres facteurs affectent l'environnement - ce n'est jamais pareil.

Les deux photos montrent la même cascade. La première photo a été prise en été, par une journée ensoleillée - la cascade est presque invisible et la lumière n'est pas très agréable. Bref, c'est une photo typique prise par un touriste typique. La deuxième photo a été prise un jour où personne n'aurait pensé visiter cette cascade. Une froide journée d'automne, du brouillard et un temps pluvieux, qui ont intensifié la cascade, ont rempli l'image d'ambiance - elle fascine.

N'ayez pas peur de prendre des photos sous la pluie ou la neige - les objectifs et appareils photo professionnels sont résistants à la poussière et à l'humidité (vous pouvez le découvrir dans la description de votre équipement photographique), et même si ce n'est pas le cas, vous pouvez obtenir une protection à 100 % contre l'humidité en achetant un boîtier spécial en plastique ou en polyéthylène.

Utilisez un filtre dégradé pour réduire la luminosité des ciels couverts et incolores et faire ressortir la texture des nuages. Cela donnera à votre image une dimension supplémentaire. Lorsque des fragments de ciel bleu sont inclus dans une rupture de nuage, l'effet du filtre de gradient sur eux sera équivalent à l'effet du filtre de polarisation.

Saisons

Chaque saison de l'année apporte ses propres cadeaux au photographe, alors ne tardez pas à photographier des paysages uniquement pour les vacances d'été.

TOURNAGE EN AUTOMNE, PAR TEMPS DE NUAGES
Lorsque vous photographiez de la pluie, il est nécessaire d'arrêter beaucoup l'objectif afin de photographier à une vitesse d'obturation lente. Dans ce cas, les gouttes de pluie se présenteront sous la forme de rayures qui donneront l'impression d'un temps pluvieux sur la photo. Vous devez juste vous assurer que les gouttes de pluie ne tombent pas sur l'objectif. Les gouttelettes donneront des images floues.

Des paysages spectaculaires peuvent être photographiés par temps de brouillard. L'impression de brouillard peut être renforcée en plaçant une maille de tissu de soie rare devant l'objectif. Pour transmettre la profondeur de l'espace, un objet sombre doit être placé dans le cadre de premier plan.

PAYSAGE D'HIVER
Les jours clairs et ensoleillés, le contraste du paysage est très élevé, ce qui est causé par une combinaison de reflets éblouissants dans la neige et, par exemple, d'arbres sombres, en particulier de conifères.

Il est préférable de photographier le paysage hivernal le matin ou le soir, lorsque les rayons obliques du soleil créent des ombres allongées - cela anime la composition et met bien en valeur la texture de la neige.

La neige dans une photo d'hiver doit être bien détaillée. Par conséquent, lorsque vous photographiez un paysage dans lequel la neige occupe la majeure partie du cadre, l'exposition est déterminée en mesurant la luminosité de la neige. Si la neige et les objets sombres de la scène sont équivalents d'un point de vue visuel, l'exposition est déterminée par leur luminosité moyenne, mais en tenant compte du plus grand détail dans la neige par rapport aux objets sombres.

Composition

1. Règle des tiers

Une bonne composition est une partie essentielle de la photographie de paysage, mais c'est la tâche la plus difficile. Il existe quelques "règles" qui vous aideront à améliorer votre composition, mais vous devez constamment développer votre œil "créatif" afin d'obtenir des clichés décents.

L'erreur la plus courante des photographes débutants est de placer l'horizon au centre du cadre, ce qui donne une image statique et déséquilibrée. La première étape pour améliorer la composition consiste à photographier le paysage selon la règle des tiers. Nous l'avons déjà abordé dans nos précédents cours de composition, mais il ne sera pas superflu de le rappeler. C'est très simple - divisez mentalement le cadre en trois parties horizontalement. Et photographiez dans les proportions 1/3 de premier plan, 2/3 de ciel ou vice versa - 2/3 de premier plan et 1/3 de ciel. En d'autres termes, créez une composition asymétrique.

Naturellement, la règle des tiers ne sera pas une panacée pour toutes les photographies, mais vous devez vous en souvenir.

2. Avant-plan et perspective

L'un des moyens les plus puissants pour créer une composition forte est d'utiliser un grand angle de vue et de placer un objet (une fleur, une pierre, etc.) au premier plan. Cet objet, combiné à la perspective renforcée par l'objectif grand angle , donnera une impression de profondeur.

La profondeur de champ doit inclure tous les objets. Par conséquent, il est recommandé de régler la valeur d'ouverture sur f/11 ou f/16.

3. Autres éléments de la composition

Il existe de nombreux éléments dans la nature qui aident à créer composition expressive- les diagonales sont les plus influentes d'entre elles. Utilisez des lignes diagonales pour attirer l'attention du spectateur sur le sujet. Si vous regardez de plus près, vous verrez que tout autour est soumis à certains guides. Cherchez des guides et essayez de les intégrer à la composition.

Les motifs (formes répétitives) et les textures sont d'autres éléments de la composition. Il n'est pas facile de voir des motifs naturels dans la nature, mais diverses textures sont courantes : de petites particules de sable, d'écorce d'arbre, de pierres et de nombreux autres objets intéressants contribueront à rendre l'image plus intéressante.

L'essentiel dans le cadre

Déterminez quelle sera la chose principale dans le cadre. Cela peut être un arbre solitaire, un rocher, une montagne, une forêt pittoresque, une pente, une route. À l'aide de la grille de composition sur l'écran LCD (dans le viseur), divisez le cadre en tiers et positionnez le sujet principal à l'intersection des lignes de grille verticales et horizontales.

Essayez de vous assurer qu'il y a trois plans dans l'image: premier plan, milieu et loin - ainsi le paysage aura l'air plus volumineux et l'espace sera mieux transféré. L'avant-plan doit être dessiné clairement, en détail, l'arrière-plan peut très bien être flou, caché par une brume atmosphérique.

Essayez de ne pas rendre le paysage "vide". L'espace vide est mieux rempli, si possible. Dans le ciel, ce remplissage peut être des nuages. Au premier plan - arbustes, hautes herbes, pierres, feuilles, branches, animaux.

N'essayez pas de mettre tout ce que vous voyez dans un seul cadre à la fois, débarrassez-vous de l'espace aléatoire et monotone qui remplit de manière inexpressive la majeure partie du cadre - eau, ciel, feuillage. Ne laissez que le plus important, beau et intéressant. Cherchez des espaces ouverts dans la forêt.

Un feuillage trop épais, les branches créent une panachure, de petits reflets et des ombres très épaisses qui ressemblent à des «trous noirs» sur la photo - de telles images semblent pires qu'une composition soigneusement pensée.

Si vous ne trouvez pas le remplissage, recadrez l'image pour mettre en évidence la partie la plus intéressante du paysage. Vous pouvez marcher un peu et prendre différentes photos - droites ou en biais, à partir d'un point bas. Montez une colline, une colline, n'importe quel bâtiment - à partir de là, vous pouvez prendre une photo panoramique multidimensionnelle.
Lors du choix d'un sujet, recherchez l'élément principal du paysage qui sera mis en valeur, ainsi que la manière dont l'environnement le mettra en valeur et le complétera. Lors de la composition d'un plan, assurez-vous que le sujet s'intègre harmonieusement dans l'intrigue. Par exemple, l'arbre ne doit pas pousser à partir du bas du cadre - laissez un peu d'espace en bas ; ne coupez pas le sommet de la montagne, laissez un peu "d'air".

Lorsque vous photographiez un paysage, faites toujours attention aux fragments, car il n'est pas du tout nécessaire de ne prendre que des plans larges. Un regard attentif peut mettre en évidence une partie intéressante du paysage, des détails beaux et expressifs. Mais ne vous laissez pas emporter par un zoom puissant - ici, vous devez maintenir l'intégrité du fragment, sinon l'image se révélera arrachée plan général pièce abstraite, dépourvue de sens.

Panorama

Enfin, entraînez-vous à photographier des panoramas. Ici, vous devriez être guidé par plusieurs règles. Toutes les futures images de votre panorama doivent avoir la même échelle du sujet photographié, alors ne faites pas la mise au point plus près ou plus loin. La valeur d'ouverture doit rester constante. Les cadres doivent être faits avec un certain chevauchement les uns sur les autres. Sinon, en raison du manque d'informations sur les bords des cadres, le programme d'assemblage panoramique ne pourra pas assembler l'image finale.

Vous pouvez utiliser la fonction de bracketing de votre appareil photo pour éviter les erreurs d'exposition.

Tir d'eau

S'il est nécessaire de photographier de l'eau recouverte d'ondulations ou d'une petite vague, elle est prise avec un éclairage de contre-face à un angle de 35 à 45 ° par rapport à l'axe optique de l'objectif.

L'eau à contre-jour est photographiée lorsque les rayons du soleil, cachés par un nuage, tombent sur l'eau, créant des rayures brillantes expressives. Mais vous devez vous assurer que le soleil ne tombe pas dans le champ de vision de l'objectif.

La mer vaut mieux tirer d'un point haut. Ensuite l'espace aquatique occupe une part non négligeable du cadre, la photo est plus expressive.

Le surf est généralement photographié depuis un point bas avec une vitesse d'obturation d'au moins 1/1000 s.

Il est préférable d'éliminer l'eau qui coule avec une vitesse d'obturation courte. Dans ce cas, il y a un léger flou de l'image, ce qui crée l'impression de mouvement de l'eau.

Paysage de montagne

En montagne, il vaut mieux tirer tôt le matin. Pendant ces heures, l'environnement aérien est transmis le plus efficacement. Le temps nuageux contribue également à des prises de vue plus expressives.

Les jours ensoleillés, le sujet doit être choisi avec un premier plan sombre, dont la luminosité détermine l'exposition. Dans ce cas, les distances seront quelque peu surexposées et ressortiront sur l'impression plus claire que le premier plan, ce qui soulignera la profondeur de l'espace, remplira le paysage d'une sensation d'air, d'espace.

L'éclairage latéral est considéré comme le meilleur, car il souligne la forme des montagnes et la brume éclairée par des rayons obliques crée une impression de profondeur. Lorsque le soleil est derrière la caméra, l'image devient plate. Lorsque - devant, la photo s'avère très contrastée, les détails, notamment au premier plan, disparaissent.

Photographier un paysage de montagne de jour en position haute du soleil fait ressortir les détails de l'image, sans contraste suffisant.

Lors de la détermination de l'exposition, il faut tenir compte du fait que l'intensité de la lumière solaire augmente avec la hauteur dans les montagnes et qu'elle acquiert un caractère différent de celui de la plaine. Avec la hauteur, il y a une diminution de la luminosité des ombres et une augmentation de la luminosité des zones claires du paysage. Par conséquent, lors d'une prise de vue à distance sans premier plan, la vitesse d'obturation est réduite par rapport à une prise de vue sur une surface plane: à une hauteur de 500 m par 1/4, 1000 m - par 1/2, 2000 m - par 3/4, 3000 m - de moitié.

Pour obtenir des reflets sur la surface du glacier, vous devez photographier en contre-jour.

La question principale du sujet : comment apprendre à voir de beaux paysages ?

Un beau paysage est basé sur le fait que l'intrigue unit tout dans le cadre et subordonne l'environnement à une idée commune - la pensée de l'auteur, créant une certaine humeur, des émotions et des conclusions chez le spectateur.

Bon courage à toi et à tous les photographes !