Présentation sur le thème des beaux-arts du XXe siècle. Peinture du XXe siècle - un nouveau langage de l'art - présentation au Théâtre d'art de Moscou. Activités d'apprentissage universelles

23.02.2021

L'art du XXe siècle est multiple et ambigu. Il a choqué, surpris, captivé. Pour le comprendre, il faut d'abord comprendre au moins ses grandes orientations.

Le constructivisme est une tendance d'avant-garde dans les beaux-arts, la photographie et le cinéma apparue dans les années 1920 et 1930.

Il se distingue des autres par la sévérité des lignes, la concision et la solidité de l'image.

L'avant-gardisme est un courant expérimental né au tournant des XIXe et XXe siècles. Elle dépasse l'esthétique classique et se distingue par le symbolisme.

Le concept d'« avant-gardisme » est éclectique. Cela inclut un certain nombre d'écoles à travers le monde, qui peuvent être très différentes les unes des autres.

Les conditions préalables à l'émergence de l'avant-gardisme incluent la remise en question par les peuples d'Europe des principaux valeurs de la vie, ainsi que l'émergence de nouveaux traités philosophiques et le développement actif progrès scientifique et technologique.

La musique du XXe siècle professait presque entièrement le modernisme et l'innovation. Modernité, dynamisme, expressionnisme - c'est ce qui a conduit à la création de nouvelles directions.

Et si au début du XXe siècle, l'accent était mis sur la musique classique, à la fin des années 50, les gens ont commencé à lever un lourd rideau et à créer quelque chose qui pourrait bouleverser la société. Sur la base de la révolution musicale, les premières sous-cultures ont commencé à apparaître.

Le théâtre s'est également développé rapidement. Les représentations musicales ont commencé. Malgré les tendances modernes, le public n'a néanmoins pas trahi les classiques. La renaissance du théâtre a commencé à la fin du XXe siècle après la fin de la longue guerre froide.

La cinématographie de l'époque frappe par sa synthèse et sa généralisation. Malgré la tentative de synthèse de la photographie, du théâtre, de la musique, de l'ethnicité, de l'esthétique et même des sciences exactes, en général, seuls quelques tableaux, pour la plupart réalisés après les années 80, méritaient l'attention.

La raison en était peut-être la situation politique aiguë, ainsi que crise économique. Il est impossible de ne pas rappeler des figures du cinéma du XXe siècle telles que Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Marlon Brando, Clark Gable, Grace Kelly et Charlie Chaplin.

La photographie au XXe siècle n'a connu que des hauts et des bas. Au départ, le monde a été conquis par le Polaroid avec un développement instantané des photographies. Mais après la prise de pouvoir du Japon, à la fin du siècle, les gens se sont familiarisés avec l'art de la photographie couleur, sépia, et aussi le premier programmes électroniques pour le traitement des trames.

Comme vous pouvez le constater, l'art du XXe siècle est ambigu. D'une part, son développement a été fortement entravé par la guerre et la situation politique mondiale. En revanche, c'est la fin du siècle dernier que l'on peut appeler le berceau, le point de départ de toute abondance créative moderne.

Sections: MHK et IZO

Classer: 11

Type de leçon: combiné

Formulaire de cours : leçon - amélioration des connaissances, formation d'une nouvelle vision du problème.

Buts:

Formation de la sensibilité esthétique aux idées sur les traditions historiques et les valeurs de la culture artistique dans la peinture russe et étrangère au tournant des XIXe et XXe siècles.
Développement et formation du concept de "dialogue entre le spectateur et l'artiste" basé sur les travaux de V. Kandinsky.
Éducation sphère émotionnelleétudiants.

Révéler et généraliser les grandes orientations des courants artistiques de la peinture au tournant des XIXe et XXe siècles ;
Pour former une image artistique holistique, multiforme, remplie de diverses caractéristiques individuelles de l'époque;

Équipement: ordinateur, projecteur, tableau de démonstration.

Portée visuelle : e pygraphe au tableau, présentation - diaporama sur le sujet de la leçon.

Diaporama : O. Renoir "Swing", Paul Gauguin ""Vision après le sermon, ou la lutte de Jacob avec l'Ange", E. Munch "Le Cri", V. Borisov - Musatov "Réservoir", A. Matisse "Salle Rouge" , S. Dali « Cygnes représentés dans des éléphants », P. Picasso « Filles d'Avignon », V. Kandinsky « Vache », « Tableaux de couleurs »

Plan de cours:

I. Moment organisationnel. Présentation du sujet et des tâches du travail dans la leçon.

II. Partie principale. Répétition, classement, généralisation du matériel traité.

III. Acquisition de nouvelles connaissances, basées sur l'analyse de la matière abordée, connaissance du mouvement "Cubisme", "Abstractionnisme".

IV. Résumé de la leçon, devoirs.

Pendant les cours

Je veux commencer la leçon avec les mots de l'artiste Henri Matisse : "Créer, c'est exprimer ce qu'il y a en soi."

JE. Aujourd'hui notre tâche sera de dresser un certain portrait d'une époque de l'histoire de l'art pictural, le tournant des XIXe et XXe siècles, une époque pleine de quêtes créatives, d'expérimentations qui ont complètement changé l'idée de la peinture et de la rôle de l'artiste dans celle-ci. À cette époque, où une nouvelle tendance d'avant-garde dans l'art est née, et, malheureusement, encore mal comprise par beaucoup, et non méritée, provoquant le déni. Au début de la leçon, nous déterminerons la gamme de questions auxquelles nous devrions obtenir une réponse pendant la leçon.

J'accroche ces questions devant vous sur des feuilles de papier afin que, pendant la leçon, vous puissiez toujours les voir et décider par vous-même de leurs réponses.

1. Quelle direction artistique peut être considérée comme le début de l'avant-garde ?

2. Avec quel courant artistique commence la percée de la réalité visuelle dans le monde de la nouvelle réalité ?

3. Comment le sujet de l'artiste change-t-il et pourquoi ?

4. Pourquoi le terme « représenter » est-il remplacé par le terme « exprimer » ?

II. Tout d'abord, définissons comment vous comprenez le terme "avant-garde", "avant-garde".

Avant-garde, l'avant-gardisme est un nom général pour les courants dans le monde qui ont surgi au tournant des XIXe et XXe siècles. Ils se caractérisent par la nouveauté, le courage, la direction expérimentale de l'art.

Promenons-nous maintenant dans l'exposition d'art, où chaque œuvre est sélectionnée pour qu'elle soit un jalon dans la direction avant-gardiste.

1. Le premier tableau de l'artiste français O. Renoir. Nous connaissons le travail de cet artiste, et cette direction dans l'art. De quoi pouvez-vous vous souvenir ?

Impressionnisme. Peinture « Balançoire ».

Ah, maintenant, je voudrais que vous, un peu différemment, évaluiez ce travail. Imaginez ce qui changerait dans la technique d'écriture de l'artiste si l'artiste écrivait sur un tel sujet de manière classique ?

Les vêtements d'un homme et d'une femme seraient écrits avec des fleurs sans taches, l'herbe, les feuilles seraient écrites avec plus de soin. La particularité de la lettre des impressionnistes réside dans l'image monde réel par le jeu de la lumière et de l'ombre, le découpage de la couleur en spectres.

Cela donne l'impression d'un travail "à la hâte", sans son étude détaillée. En ce sens, la manière d'écrire le sens classique diffère des impressionnistes.

On ne peut qu'ajouter que la décision des impressionnistes de peindre comme je vois, et non comme accepté, devient le point de départ de la sortie du réalisme de l'intrigue en peinture. Et si nous regardons maintenant la première question posée au début de la leçon, la réponse est déjà claire.

Le début du mouvement d'avant-garde est l'impressionnisme. Une tendance dans laquelle la nature est représentée telle que l'œil la voit, et la supériorité de la vision de l'auteur sur l'exactitude de la reproduction du monde visible est déjà observée. C'est le premier petit pas dans une nouvelle direction, c'est son début.

2. Paul Gauguin "Vision après le sermon, ou la lutte de Jacob avec l'Ange."

Décidons de la direction artistique de cette image.

Paul Gauguin est classé comme peintre post-impressionniste.

Postimpressionnistes, ils vont plus loin. Ils refusent de prétendre que seul ce que l'œil voit à un instant donné existe. Paul Gauguin travaille activement à comprendre les lois par lesquelles les sensations humaines sont créées. En d'autres termes, trouver cette frontière entre la réalité et l'irréalité, par exemple, l'image d'une personne et ses sensations. Et c'est le monde invisible, le monde irréel. Ceci est clairement visible sur la photo. Il a montré la frontière entre la réalité (les paroissiens bretons) et leur vision (Jacob et l'Ange).

Venons-en à nos questions. La deuxième question vient d'être répondue. Dans le mouvement artistique du post-impressionnisme, le réel et le fantastique se conjuguent, et déjà une percée dans le "monde de la nouvelle réalité" est montrée”.

3. E. Munch "Scream". Cette image nous est déjà familière. Nous connaissons également sa direction.

Expressionnisme, qui veut dire expression.

S'il s'agit d'expression, qu'est-ce que l'artiste exprime dans l'expressionnisme ?

Émotions humaines, dans ce cas négatives : peur, douleur, humiliation, désespoir.

Les émotions humaines sont-elles le monde réel ou le monde invisible à l'œil humain ? Les émotions humaines, une variété d'entre elles, la force peuvent nous apparaître comme une sorte de réalité? Après tout, toute notre leçon est basée sur une compréhension de la réalité et de l'irréalité.

En réalité, probablement pas.

Pour ce faire, ils ont commencé à utiliser de nouvelles techniques, basées sur la déformation de la forme. Cette technique a été utilisée par E. Munch lorsqu'il voulait transmettre sur toile les sentiments d'une personne mortellement effrayée. Quel genre de monde est en train de devenir l'expressionnisme du spectacle ?

L'expressionnisme est le monde "invisible", où l'essentiel est les émotions humaines.

Et comment expliquez-vous le terme « expression » par rapport à l'expressionnisme ?

Probablement, les émotions humaines ne peuvent être qu'exprimées, pas représentées.

Pourquoi commencent-ils à prêter attention à un phénomène aussi difficile que les émotions ?

Peut-être s'intéressent-ils au monde intérieur de l'homme.

Le berceau de l'expressionnisme, si vous vous en souvenez, était l'Allemagne au début du XXe siècle. Floraison violente de la technique, de l'industrie sur fond de dégradation des fondements culturels. La suppression de l'individu, n'a jamais été une personne aussi petite qu'alors, le désir de l'âme, son appel à l'aide - ce sont les principales dominantes émotionnelles de l'expressionnisme.

3. V.Borisov - Musatov "Réservoir".

La tendance du symbolisme, ses particularités : les artistes repoussent l'image de la nature au second plan, l'essentiel pour eux est leur idée du monde de leurs fantasmes, leur monde invisible. Le concept de « symbole » est introduit comme représentant d'une nouvelle réalité. La nouvelle réalité n'est qu'une représentation, un fantasme, donc elle est autorisée à changer, elle ne peut que rappeler un objet réel. Et le symbole n'a pas besoin d'être similaire à un objet du monde réel. Il peut être conditionnellement similaire, et, par conséquent, représenté conditionnellement.

Conclusion: l'idée du contact de deux mondes - le visible et la nouvelle réalité, où la nouvelle réalité est un symbole du monde visible.

4. A. Matisse "Chambre Rouge".

Le tableau de l'artiste français Henri Matisse, "Red Room", à première vue, est inhabituel. Essayons de comprendre ses caractéristiques. Couleurs inhabituelles, image plate. Selon vous, dans quel sens est-il écrit ?

Fauvisme. (sauvage). Il se caractérise par une couleur ouverte, manque de volume. Les artistes ont poursuivi les expériences avec la couleur, le volume, l'image conditionnelle d'un objet sur le plan de l'image, abandonné la reproduction illusoire de l'espace tridimensionnel, se concentrant sur les propriétés décoratives de la surface de l'image.

Tout ce qui est dit est exact. Il reste à ajouter un peu que le terme « Fauvisme » apparaît grâce au critique Louis Vauxcelles.

5. P. Picasso "Les filles d'Avignon".

Quelle direction avant-gardiste représente-t-il ?

Souvenez-vous des paroles de P. Cézanne : « Tout dans la nature est moulé en forme de boule, de cône et de cylindre. Il faut apprendre à écrire sur ces chiffres simples. Si vous apprenez à maîtriser ces formes, vous ferez ce que vous voudrez » (MHK, 11e année, auteur L. Rapatskaya, p. 110). Mais P. Cézanne avait à l'esprit qu'il fallait garder à l'esprit ces formes de base comme principe organisateur de l'image. Cependant, Picasso et ses amis ont pris le conseil au pied de la lettre. L'apparition du nom de ce mouvement est associée au critique d'art Louis Vaucelles, qui qualifiait les nouvelles peintures de Braque de "bizarreries cubiques".

Par conséquent, bien sûr, nous avons tous compris de quel type de cours nous parlons maintenant.

Que dire du cubisme, de ses traits d'écriture ?

Il est basé sur des expériences de construction d'objets tridimensionnels sur un plan. Construction d'une nouvelle forme d'art à la suite d'une analyse géométrique de l'objet et de l'espace Conclusion élèves et enseignant : Expérimentations de la forme.

6. S. Dali "Cygnes représentés dans des éléphants". Parlons de cette image, basée sur ce que nous savons du surréalisme. L'image est compréhensible pour sa technique d'écriture. L'auteur est Salvador Dali, le courant est le surréalisme.

Surréalisme. Super réalisme, dans lequel la source d'inspiration se trouve dans le subconscient humain, basé sur la théorie de Z. Freud. Un représentant éminent est S. Dali. sens irrationnel. Chaque nature (cygnes, éléphants, arbres) dans l'image est complètement réelle. Mais leur vie ensemble sur la toile est une absurdité complète.

Où sommes-nous venus ? Dans le monde dépeint des illusions, dans l'univers propre de l'artiste, qu'il nous a montré.

III. Enseignant : À partir de plusieurs œuvres d'art, nous avons retracé la logique du développement de l'avant-garde, allant de l'impressionnisme au surréalisme. Le tournant des XIXe et XXe siècles est un temps de découvertes extraordinaires dans le domaine de l'art, un temps d'expérimentations exceptionnelles, un temps d'une nouvelle compréhension de l'artiste en tant que personne en peinture. Je tiens à souligner que cette évolution n'a pas été linéaire. Chaque artiste a choisi ce qui lui convenait le mieux. Après tout, les artistes ne sont plus représentés sur des toiles, ils ont exprimé leurs idées, pensées, fantasmes, votre univers. Le choix de la direction dépendait entièrement de l'idée qu'il avait conçue. Lorsqu'on a demandé à P. Picasso dans quelle direction il peindrait le tableau suivant, il a répondu approximativement : "Dans celui qui exprime le mieux mon idée". L'image a cessé de représenter, l'image a commencé à exprimer l'idée de l'artiste. L'artiste devient progressivement un créateur et la création d'une image est un acte de création. Le monde visible que les peintres des siècles passés avaient l'habitude de représenter n'était plus inspirant. Les artistes ont commencé à s'inspirer de «l'autre» monde, qui n'est pas visible, mais qui vit toujours inséparablement à côté de nous. Le monde de nos sentiments, expériences, fantasmes. Si vous pensez à l'expansion du monde des images que le peintre peut transférer sur la toile. Après tout, ce que l'artiste crée n'est limité que par son imagination personnelle. Dès lors, le rôle de l'artiste change, il n'est plus un copiste du monde, "qui a été créé par le Dieu Très-Haut", il est lui-même le créateur - le créateur de ses univers. Malevitch a dit : "Je suis le commencement de tout, parce que les mondes sont créés dans mon esprit." Le monde que Dieu a créé ne les intéresse pas, de plus, ils se sentent eux-mêmes comme des dieux - des créateurs. Et si ce sont des mondes créés par les créateurs eux-mêmes - les artistes, alors les lois de l'univers ne seront que celles que l'artiste lui-même propose. Mais ici, de nombreuses difficultés apparaissent, tout d'abord, pour comprendre l'idée du monde que l'artiste a créé. Ceci, dans une plus grande mesure, éloigne le public des artistes d'avant-garde, habitués à voir une certaine intrigue littéraire dans chaque image. Pénétrer l'idée, comprendre son expression dans l'image est une tâche difficile mais intéressante. Je voudrais citer une affirmation : « Le tableau doit être complexe. Quand vous la regardez, vous devenez vous-même plus compliqué. Lorsque vous montez sur une échelle, ce n'est pas l'échelle qui vous élève, mais l'effort que vous fournissez. Bien sûr, vous devez faire des efforts émotionnels et intellectuels pour rendre l'image claire. Mais, il y a aussi un bon intérêt à cela!

Mais réfléchissons plus loin. Ces images dans les peintures de l'artiste, par exemple, Salvador Dali, qu'il nous montre, seront-elles une réalité ? Après tout, comment les créerait-il lui-même ? A-t-il peint un tableau, transmettant au spectateur son monde imaginaire invisible ? Après tout, l'image que l'artiste crée initialement dans le monde de ses fantasmes, il les voit lui-même, comme avec un élève à l'intérieur. Et que voyons-nous dans son tableau peint. Réalité ou sa copie ?

Une copie, exactement, ko-pi-yu !

ils ne seront que des copies, voire des fantasmes de leurs propres mondes, mais des copies quand même. Mais si un artiste est un créateur, comme les avant-gardistes se comprennent eux-mêmes, et le monde qu'il crée ne devrait être que réel, pas une copie. Mais que peut réellement créer l'artiste lui-même ? Essayons de comprendre avec un exemple.

Peinture de M. Saryan "Nature morte".

Qu'est-ce qui est montré ici ?

Raisins, bananes, poires.

Si c'est des raisins, des bananes, des poires, goûtons-les.

Les enfants arrivent à la conclusion que cela ne peut pas être fait, parce que. ce n'est qu'une image de fruits.

Cela signifie que nous ne voyons qu'une image, ou une copie d'objets réels. Mais cela ne cadre pas avec l'idée des artistes d'avant-garde sur leur rôle de créateurs.

Si l'image est une copie, alors qu'est-ce qui est réel ici ? Tu vois ce que je tiens dans mes mains ? (reproduction dans un cadre). Les enfants doivent arriver à la conclusion que :

Ce qui est réel, c'est ce que je tiens dans mes mains, une toile, et peint dessus..., c'est-à-dire l'image même que vous pouvez tenir, vous sentir comme la chose réelle. La vraie réalité n'est pas dans l'image du fruit dans l'image, mais dans l'image elle-même.

Quoi d'autre est réel dans l'image? A part la toile, que voit-on d'autre ?

Les enfants doivent arriver à une conclusion

Peintures qui représentent actuellement des fruits.

Une nouvelle logique d'avant-gardisme se dessine : « Si seules les couleurs sont réelles dans un tableau, alors il faut rendre la vie de ces couleurs sur la toile !

Par conséquent, quelle est la conclusion?

L'image dans la peinture a commencé à être comprise comme une chose matérielle dans un environnement réel. Seules les peintures sont matérielles, par conséquent, ce qui sera représenté sur une chose matérielle (image) n'est pas si important (seules les peintures sont importantes), donc les artistes refusent de représenter autre chose que des peintures sur toile. Mais comment comprendre l'idée de l'artiste ? Après tout, l'idée vient toujours en premier, et ensuite seulement tout le reste ... Et encore une fois, une compréhension importante est mise en avant - un dialogue entre le spectateur et l'artiste. Rappelons-nous les mots : Quand tu montes à une échelle, ce n'est pas elle qui te soulève, mais l'effort que tu fais. Après tout, l'escalier est notre niveau intellectuel, qui ne peut être élargi sans effort. Pensez-y. Les œuvres d'avant-garde ne sont pas faciles à comprendre, mais c'est ce qui les attire à elles.

L'image cesse de représenter une réalité, elle est devenue cette réalité elle-même. Dès lors, on voit un cadre, une toile, des peintures. "Vous voyez ce que vous voyez" - L'image comme réalité.

Et maintenant voyons la définition de l'abstractionnisme à l'écran :

L'abstractionnisme (lat. abstractio - suppression, distraction) est une direction de l'art non figuratif qui a abandonné la représentation de formes proches de la réalité dans la peinture et la sculpture. L'un des objectifs de l'abstractionnisme est de parvenir à «l'harmonisation», la création de certaines combinaisons de couleurs et de formes géométriques afin d'évoquer diverses associations chez le contemplateur, bien que certaines peintures ressemblent à remarque simple au milieu de la toile. Fondateurs : Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov.

Sur l'écran se trouve une peinture de V. Kandinsky "Vache".

Travail pratique "Dialogue entre spectateur et artiste". Le tableau 1 est distribué avec un dictionnaire symbolique-psychologique, basé sur l'ouvrage "On Spiritual Art" de V. Kandinsky

(L'image provoque la confusion, la surprise par son incompréhensibilité).

Maintenant, nous devrons traiter nous-mêmes de telles questions: "à propos de quoi?", Et "comment?"

Mais d'abord, un peu sur la biographie de l'artiste.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (4 (16) décembre 1866, Moscou - 13 décembre 1944, France) - un peintre russe exceptionnel, graphiste et théoricien des beaux-arts, l'un des fondateurs de l'abstractionnisme. Il a été l'un des fondateurs du groupe Blue Rider, professeur du Bauhaus.

Né à Moscou, il reçoit sa formation musicale et artistique de base à Odessa lorsque la famille s'y installe en 1871. Les parents ont assumé la profession d'avocat pour leur fils, Vasily Vasilyevich brillamment diplômé de la Faculté de droit de l'Université d'État de Moscou. A 30 ans, il décide de devenir artiste ; cela s'est produit sous l'influence de l'exposition impressionniste à Moscou en 1895 et du tableau "Meules de foin" de Claude Monet. En 1896, il s'installe à Munich, où il rencontre les expressionnistes allemands. Après le déclenchement de la Première Guerre mondiale, il retourna à Moscou, mais, n'étant pas d'accord avec l'attitude envers l'art en Russie soviétique, en 1921, il repartit pour l'Allemagne. Depuis quelques années, il vit en France, en banlieue parisienne.

Un des questions importantes, ce qui inquiète l'artiste : « Par quoi remplacer l'objet ? ». Le monde objectif dans les œuvres de l'artiste est encore, dans une certaine mesure, préservé. Il y a aussi toujours une certaine intrigue à travers, un si petit sous-texte qui doit être trouvé. Mais l'essentiel dans les œuvres de l'artiste est son éléments basiques, qui excitent, selon l'artiste, des « vibrations de l'âme ». Ce sont : la synthèse de la peinture, de la couleur, des formes qui se construisent selon les lois de la composition, d'où l'objectivité (une personne, un nuage, un arbre) qu'il appelle la vraie saveur de la composition.

Essayons d'appliquer nos clés - conseils, d'abord à l'image, où l'élément pictural «vache» est encore conservé Travail pratique «dialogue entre le spectateur et l'artiste» «La vache est considérée ensemble».

Résultats à la fin.

Conclusion : Nous devons résumer notre travail et répondre à la question de la leçon : « Quelle sorte de quête créative caractérise la peinture au tournant des XIXe et XXe siècles » Où a commencé cette quête créative ?

La direction avant-gardiste de l'art commence avec l'impressionnisme.

Post-impressionnisme, symbolisme - un mouvement vers le début de la compréhension des artistes du monde invisible.

Les artistes commencent à s'intéresser au monde des émotions humaines, des fantasmes, ils créent et expriment leurs propres mondes de nouvelle réalité sur la toile. Des peintures abstraites apparaissent. Un exemple frappant de peinture abstraite est la peinture de V. Kandinsky.

Travail pratique avec l'oeuvre "La Vache" de V. Kandinsky

Au début, il a été dit que toutes les théories de votre vision sont acceptées, ne soyez pas timide et n'ayez pas peur de dire ce qui ne va pas. Les toiles de V. Kandinsky, combien de spectateurs, tant d'interprétations. Par conséquent, nous aussi, nous devons absolument essayer.

“Vache".

- Blanc - Silence, silence, le début. Mais ici, pas de blanc pur, blanc - rose. La couleur est caractérisée comme le début d'une nouvelle force, l'énergie (connexion avec le rouge).
Mais il y a encore des taches rouge-orange, ce qui accentue encore le premier raisonnement.
Jaune - couleur orange - terreux, humain, actif, homme en bonne santé(jeune femme).
Ci-dessus est bleu foncé. Cause beaucoup de controverse dans l'interprétation. Ils arrivent à la conclusion - sur les émotions humaines - la tristesse ("la fille est triste. La bande est jaune-orange, ce qui signifie que la tristesse passera bientôt). Il y a beaucoup de tristesse et de nostalgie dans la vie.
Vert - paix, avec l'ajout de jaune - la tristesse est remplacée par la joie de la jeunesse, l'énergie de la vie future
La couleur blanche des vêtements est un symbole du début, plutôt une nouvelle vie.
Couleur noire - la mort, après quoi la vie viendra (fille en blanc).

Au loin, les murs blancs des bâtiments, semblables à des temples (petits dômes), ou à des monastères. La combinaison du noir - bleu et blanc, comme soumission à une seule loi : mourir et renaître. La couleur blanche comme symbole de pureté, d'infini.

Ces images semblent provenir d'une vache. La vache est la source de la loi de la vie et de la renaissance.

À la fin du travail, à titre de comparaison, j'ai lu l'interprétation du tableau, prise dans le magazine Art, n ° 1, 2010. Les gars étaient contents de leur travail.

Musique de l'image. Couleur blanche - il n'y a pas encore de sons, mais l'orchestre est prêt ... Le tuba a commencé à jouer doucement, avec un rythme de batterie croissant. Le violoncelle et la contrebasse entrent. La flûte joue lentement et tristement, le violon en fait écho. Une courte pause, comme une profonde respiration. La mélodie est répétée avec de légers changements, car "vous ne pouvez pas entrer deux fois dans la rivière"...

« LANGAGE DE LA COULEUR » V. Kandinsky

La position centrale du concept de Kandinsky peut être considérée comme l'énoncé de deux facteurs qui déterminent l'effet psychologique de la couleur : "chaleur-froid" et "légèreté-obscurité". En conséquence, plusieurs "sons" possibles de couleurs naissent.
1. Comportement - jaune - bleu. Le jaune "se déplace" vers le spectateur et le bleu - loin de lui. Jaune, rouge orange - idées de joie, de fête, de richesse. Si vous ajoutez du bleu au jaune (rendez-le plus froid, car le bleu est une couleur froide), la peinture deviendra verdâtre. Est né sensation douloureuse d'hypersensibilité(comme une personne irritée qu'on interfère avec). La peinture jaune intense inquiète une personne, pique, affecte l'âme. Si vous refroidissez le jaune, cela affecte une crise de folie lumineuse. L'artiste compare cette couleur au gaspillage insensé des couleurs de l'automne dernier. Le jaune est terreux, il n'a pas de profondeur.

2. Bleu. "Peinture du ciel" - appel à l'infini. Mouvement de la personne vers le centre. Bleu profond - paix, abaissé au noir - tristesse. Bleu clair - indifférence, indifférence.

Vert - les couleurs jaunes et bleues y sont paralysées - paix: ni joie ni tristesse, passif. Si vous ajoutez du vert jaune, le vert rajeunit , plus amusant. Et, au contraire, avec le bleu - sérieux, prévenance. En s'éclaircissant (en ajoutant du blanc) ou en s'obscurcissant (en noir), le vert « garde son caractère élémentaire d'indifférence et de paix » (p. 48). Le blanc renforce l'aspect "indifférence", tandis que le noir renforce l'aspect "calme".

Blanc pour Kandinsky - un symbole du monde, où toutes les couleurs, toutes les propriétés matérielles et les substances ont disparu. Ce monde est si haut au-dessus de l'homme qu'aucun son n'en sort. Le blanc est un grand silence, un mur froid et sans fin, pause musicale, résiliation temporaire, mais pas permanente. Ce silence n'est pas mort, mais plein de possibilités et peut être compris comme "rien" qui précède le commencement et la naissance.

Le noir- "rien" sans possibilités, rien mort, silence éternel sans avenir, pause complète et développement. S'en suit la naissance d'un nouveau monde. Le noir est la fin, un feu éteint, quelque chose d'immobile, comme un cadavre, le silence du corps après la mort, la peinture la plus silencieuse.

Les vêtements blancs expriment la joie pure et la pureté immaculée, tandis que les vêtements noirs expriment la plus grande et la plus profonde tristesse et mort. Le blanc et le noir trouvent (comme le jaune et le bleu) un équilibre entre eux en gris. C'est aussi une peinture silencieuse et immobile. Kandinsky appelle gris « immobilité inconsolable". Il s'agit surtout gris foncé, qui agit de manière encore plus inconsolable et suffocante.

Rouge. Couleur vive, vitale, agitée. Exprime la maturité courageuse, la force, l'énergie, la détermination, le triomphe, la joie (en particulier le rouge clair)

Cinabre - passion uniformément flamboyante, force confiante, «flammes» en soi. Une couleur particulièrement appréciée du peuple. L'approfondissement du rouge entraîne une diminution de son activité. Mais il reste une incandescence intérieure, une prémonition d'activité future.

Violet. Son douloureux, quelque chose d'éteint et de triste, et est associé au son du basson et de la flûte

Orange - sévérité du rouge.

Et V. Kandinsky a également comparé la couleur au son des instruments de musique. La couleur jaune est le son de la trompette, le bleu clair est la flûte, le bleu foncé est le violoncelle, le bleu profond est l'orgue, le vert est les tons moyens du violon; rouge - fanfare; Violet - basson et flûte;

Nous ne pouvons en apprendre davantage sur les anciens exemples de peinture chinoise qu'à partir de fouilles archéologiques. Plusieurs exemples de ces dessins ont survécu à ce jour. Gu Kaizhi est également considéré comme le fondateur du « guohua » (littéralement « peinture nationale »). Plus tard, ils ont commencé à représenter des dessins réalisés sur soie et papier. Après la Révolution culturelle, on assiste à un renouveau de la peinture chinoise. Les années de la Révolution culturelle ont causé des dommages irréparables à la peinture chinoise. Pendant les dynasties Qin et Han, la peinture à fresque s'est développée.

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"Le classicisme dans l'art" - Conditions historiques classicisme. Portrait de Lopukhina. 1797. Classicisme -. Diffusion des idées des Lumières. Renforcement de l'État, monarchie absolue. Le système d'images: une division claire en caractères inconditionnellement positifs et négatifs. Les canons poétiques ont été formulés par N. Boileau (« Art poétique », 1674). Écrivains classiques. Il faut se tourner vers l'éternel, l'immuable (intérêt pour l'antiquité comme norme exemplaire). De l'ancienne "imitation de la nature" à "l'imitation de la belle nature". Classicisme. Saint-Pétersbourg : Cathédrale de Kazan. Rationalisme (de la philosophie des Lumières, R. Descartes).

"Abylkhan Kasteev" - En 1930, le premier voyage d'Abylkhan Kasteev à Moscou a eu lieu. Des années 1930 aux années 1940, il travaille à la création d'une grande série d'aquarelles "vie ancienne et nouvelle", qui reflètent les réflexions de l'artiste sur le passé "quittant". Abylkhan Kasteev a reçu le titre d'ouvrier d'art honoré de la RSS kazakhe. N. K. Kroupskaïa. En 1937, il est accepté comme membre de l'Union des artistes de l'URSS. L'artiste est décédé le 2 novembre 1973 à Alma-Ata.

"Artistes du XVIe siècle" - Le travail a été réalisé par les élèves du lycée n ° 7 9 B de la classe de Khushvakhtov, Guldasta Fedorova Kristina. Brueghel Pierre. Contenu. Charles de Solier, Sir de Morret 1535, Galerie, Dresde. Peintre, dessinateur, graveur, théoricien de l'art allemand. Cranach Lucas. Pieter Brueghel Tour de Babel, 1563 Kunsthistorisches Museum, Vienne. Lucca Madonna, 1430, Staedel Institute of Art, Francfort-sur-le-Main. Dürer Albrecht.

"Le développement du réalisme" - Adhésion au parti. Réalisme XVIIIe siècle. Concrétude. D'importants romans réalistes créés au XVIIIe siècle : Les principes du réalisme. Le réalisme. réalisme critique. Principes du réalisme critique. En règle générale, les ouvriers et les paysans sont devenus les héros des œuvres réalistes socialistes. A.S. Pouchkine, L.N. Tolstoï, F.M. Dostoïevski, A.P. Tchekhov. réalisme socialiste. Réalisme dans l'art. Lillo en France - Diderot en Allemagne - G. E. Lessing, jeune F. Schiller. Les héros des œuvres doivent être issus du peuple.

Constructivisme L'un des styles est le constructivisme, la méthode d'avant-garde soviétique dans les beaux-arts, l'architecture, la photographie et décoratif et appliqué art, qui s'est développé en 1920 dans la première moitié des années 1930. L'un des styles est le constructivisme - la méthode d'avant-garde soviétique dans les beaux-arts, l'architecture, la photographie et les arts décoratifs et appliqués, qui s'est développée dans les années 1920 et la première moitié des années 1930.

Avant-gardisme Avant-garde (fr. Avant-garde "détachement avancé") est un nom généralisé pour les tendances de l'art européen qui ont surgi au tournant des XIXe et XXe siècles, exprimées sous une forme de combat polémique. L'avant-garde se caractérise par une approche expérimentale de la créativité artistique qui va au-delà de l'esthétique classique, en utilisant des moyens d'expression originaux et innovants, soulignés par le symbolisme des images artistiques. Avant-garde (fr. Avant-garde "avant-garde") est un nom généralisé pour les tendances de l'art européen apparues au tournant des XIXe et XXe siècles, exprimées sous une forme polémique-combat. L'avant-garde se caractérise par une approche expérimentale de la créativité artistique qui va au-delà de l'esthétique classique, en utilisant des moyens d'expression originaux et innovants, soulignés par le symbolisme des images artistiques. Le concept d'avant-garde est largement éclectique dans son essence. Ce terme désigne un certain nombre d'écoles et de courants artistiques, aux fondements idéologiques parfois diamétralement opposés. Le concept d'avant-garde est largement éclectique dans son essence. Ce terme désigne un certain nombre d'écoles et de courants artistiques, aux fondements idéologiques parfois diamétralement opposés.

Conditions préalables Les conditions préalables à l'émergence de tendances d'avant-garde dans l'art et la littérature en Europe peuvent être considérées comme une tendance générale à repenser le paneuropéen bien culturel. Le dernier tiers du XIXe siècle est caractérisé par l'émergence de nouveaux travaux philosophiques repensant les aspects moraux et culturels de la civilisation. Les conditions préalables à l'émergence de tendances d'avant-garde dans l'art et la littérature en Europe peuvent être considérées comme une tendance générale à repenser les valeurs culturelles européennes communes. Le dernier tiers du XIXe siècle est caractérisé par l'émergence de nouveaux travaux philosophiques repensant les aspects moraux et culturels de la civilisation. De plus, le développement du progrès scientifique et technologique n'a fait que pousser l'humanité à changer la perception des valeurs de la civilisation, de la place de l'homme dans la nature et la société, des valeurs esthétiques et morales et éthiques. De plus, le développement du progrès scientifique et technologique n'a fait que pousser l'humanité à changer la perception des valeurs de la civilisation, de la place de l'homme dans la nature et la société, des valeurs esthétiques et morales et éthiques.

Musique russe Musique du XXe siècle - désignation générale groupes de tendances dans l'art de la fin du 19e et du début du 19e 20ème siècle, en particulier le Modernisme, agissant sous la devise de la modernité, de l'innovation. Ces courants comprennent également l'expressionnisme, le constructivisme, le néoclassicisme, ainsi que le dodécaphonie, la musique électronique, etc. Musique du 20e siècle dans son ensemble - une image collective Musique du 20e siècle - la désignation générale d'un groupe de tendances dans l'art de la fin du 19e et du début du 19e siècle. 20ème siècle, en particulier le Modernisme, agissant sous la devise de la modernité, de l'innovation. Ces courants comprennent également l'expressionnisme, le constructivisme, le néoclassicisme, ainsi que le dodécaphonie, la musique électronique, etc. La musique du XXe siècle dans son ensemble - une image collective

Représentants Un représentant frappant du théâtre moderne est le théâtre Lenkom. Tout le monde connaît ce théâtre aujourd'hui - des Moscovites et des visiteurs aux amateurs de théâtre invétérés. Un tel théâtre ne peut être ignoré, car c'est un théâtre de stars. Un représentant éminent du théâtre moderne est le théâtre Lenkom. Tout le monde connaît ce théâtre aujourd'hui - des Moscovites et des visiteurs aux amateurs de théâtre invétérés. Un tel théâtre ne peut être ignoré, car c'est un théâtre de stars.

Théâtre du XXe siècle De nouveaux théâtres font leur apparition à Moscou. C'est là que Sergei Eisenstein, Sergei Yutkevich, Sergei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass et de nombreuses autres personnalités futures ont fait leurs premiers pas sur scène. Art soviétique. De nouveaux théâtres sont apparus à Moscou. C'est là que Sergei Eisenstein, Sergei Yutkevich, Sergei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass et bien d'autres futures figures marquantes de l'art soviétique ont fait leurs premiers pas sur scène.

Cinématographie La cinématographie en tant que forme d'art se distingue des autres par son caractère synthétique. Il synthétise les propriétés esthétiques de la littérature, du théâtre, des beaux-arts, de la photographie, de la musique, des réalisations en optique, mécanique, chimie, physiologie. La popularité du cinéma réside dans sa combinaison inhérente et sa variété de moyens d'expression. Le cinéma, qui est né au tournant des XIXe et XXe siècles, est né sous l'influence des besoins de la société de comprendre son histoire, sa vie et son activité, et s'est développé conformément à la culture du XXe siècle, donc ses styles et ses tendances correspondent aux principaux styles d'art du XXe siècle. La cinématographie en tant que forme d'art se distingue des autres par son caractère synthétique. Il synthétise les propriétés esthétiques de la littérature, du théâtre, des beaux-arts, de la photographie, de la musique, des réalisations en optique, mécanique, chimie, physiologie. La popularité du cinéma réside dans sa combinaison inhérente et sa variété de moyens d'expression. Le cinéma, qui est né au tournant des XIXe et XXe siècles, est né sous l'influence des besoins de la société de comprendre son histoire, sa vie et son activité, et s'est développé conformément à la culture du XXe siècle, donc ses styles et ses tendances correspondent aux principaux styles d'art du XXe siècle.

Des représentants exceptionnels Dans les premières décennies qui ont suivi sa création, le cinéma en tant que forme d'art n'a fait que gagner en popularité. Dans les années 1920, le cinéma est devenu non seulement une forme d'art populaire et à la mode, mais aussi une industrie cinématographique : de nombreux studios de cinéma et un réseau de distribution de films se sont formés. A cette époque, les chefs-d'œuvre des premiers films encore muets ont été créés - "Battleship Potemkin" de S. Eisenstein, "The Big Parade" de K Vidor avec Ch. Chaplin, "Greed" d'E. Stroheim. Le travail des réalisateurs D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev prend forme précisément à cette époque.La troisième décennie du XXe siècle entre dans l'histoire du cinéma comme le début de l'ère du son cinéma, ce qui le rend encore plus massif. Les États-Unis dominent l'industrie cinématographique mondiale. Les adaptations cinématographiques commerciales des comédies musicales de Broadway étaient très populaires pendant cette période. Mais de véritables œuvres d'art voient également le jour : « New Times » de Ch. Chaplin, « The Grapes of Wrath » de J. Ford, « Our Daily Bread » de K-Vidor. En URSS, les chefs-d'œuvre du cinéma russe "Merry Fellows", "Volga-Volga" et "Circus" de G. Aleksandrov, "Chapaev" des frères Vasiliev et d'autres sortent sur les écrans. Dans les premières décennies après sa création, le cinéma en tant que forme d'art n'a fait que gagner en popularité. Dans les années 1920, le cinéma est devenu non seulement une forme d'art populaire et à la mode, mais aussi une industrie cinématographique : de nombreux studios de cinéma et un réseau de distribution de films se sont formés. A cette époque, les chefs-d'œuvre des premiers films encore muets ont été créés - "Battleship Potemkin" de S. Eisenstein, "The Big Parade" de K Vidor avec Ch. Chaplin, "Greed" d'E. Stroheim. Le travail des réalisateurs D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev prend forme précisément à cette époque.La troisième décennie du XXe siècle entre dans l'histoire du cinéma comme le début de l'ère du son cinéma, ce qui le rend encore plus massif. Les États-Unis dominent l'industrie cinématographique mondiale. Les adaptations cinématographiques commerciales des comédies musicales de Broadway étaient très populaires pendant cette période. Mais de véritables œuvres d'art voient également le jour : « New Times » de Ch. Chaplin, « The Grapes of Wrath » de J. Ford, « Our Daily Bread » de K-Vidor. En URSS, des chefs-d'œuvre du cinéma russe "Jolly Fellows", "Volga-Volga" et "Circus" de G. Aleksandrov, "Chapaev" des frères Vasiliev et d'autres sortent sur les écrans.